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Dissertações/Teses

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2021
Dissertações
1
  • PAMELA DUTRA DANTAS
  • Aurita: uma persona em desmontagem contínua

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • MARA LUCIA LEAL
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 26/02/2021

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  • Esta pesquisa refere-se ao processo de desmontagem contínua da obra original, criada como objeto de pesquisa da graduação, levando em consideração o atravessamento que ocorre diante da pessoalidade que se apresenta e que conduz a subjetividade na performance. Estou interessada na questão de como a performance imprime uma transgressão específica diante da realidade, mudando a perspectiva do espaço e do tempo, então eu olho para o processo de criação usando a metáfora dos diferentes estados de deglutição de uma beterraba, para experimentar a persona Aurita e suas formas infinitas. O objetivo geral do trabalho visa investigar o processo de transformação pelo qual passa a persona Aurita, para perceber as dores e afetos que cercam a mulher, por meio de uma dinâmica de narrativas familiares vinculadas à violência e ao trauma. E mostra a resistência contra atitudes que discriminam ou rejeitam a ideia de igualdade de direitos entre homens e mulheres que prevalece na sociedade. Aproveito então a desmontagem cênica como motor para a criação incessante multiplicando possibilidades, transformando o processo artístico em uma espécie de “instauração”, ou seja, um estado criativo que permanece em constante desmantelamento e expressa metamorfoses da “persona”, que se mantém fluida, livre e exposta a novas possibilidades de criação.


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  • This research refers to the process of continuous disassembly of the original work, created as an object of undergraduate research, taking into account the crossing that occurs before the personality that presents itself and that leads to subjectivity in performance. I'm interested in the question of how the performance prints a specific transgression in the face of reality, changing the perspective of space and time, so I look at the creation process using the metaphor of the different states of swallowing a beet, to experience the persona Aurita and its infinite forms. The general objective of the work aims to investigate the transformation process that persona Aurita goes through, in order to perceive the pains and affections that surround women, through a dynamic of family narratives linked to violence and trauma. And it shows the resistance against attitudes that discriminate or reject the idea of equal rights between men and women that prevails in society. I then take advantage of the scenic disassembly as an engine for the ceaseless creation multiplying possibilities, transforming the artistic process into a kind of “establishment”, that is, a creative state that remains in constant dismantling and expresses metamorphoses of the “persona”, which remains fluid, free and exposed to new possibilities of creation.

2
  • ALLEFF EMANUELL ARAUJO LIMA
  • : Cartas Diversas: Uma Investigação do Corpo-Máscara através da artificialidade, percepção e estado

  • Orientador : ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Rogério Lopes da Silva Paulino
  • Data: 25/03/2021

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  • Esta pesquisa possui o objetivo de investigar o corpo-máscara através da identificação de três características: Artificialidade, Percepção e Estado. A partir da proposta de redes de criação, de Cecilia Salles, apresento uma metodologia processual, que se tece a partir das interações e afetos que acontecem durante o percurso. Assim, visando abrir diálogos, origanizo o texto no formato de cartas. Como estudo de caso, analiso alguns processos de criação que participei, à luz de reflexões sobre o corpo-máscara propostas por alguns pesquisadores, como Felisberto Sabino da Costa, Rudson Duarte e Andréa Stelzer.


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to investigate the body-mask through the identification of three characteristics: Artificiality, Perception and State. Based on the proposal of creation networks, by Cecilia Salles, I present a processual methodology, which is woven from the interactions and affections that happen during the course. Thus, aiming to open dialogues, I originate the text in the format of letters. As a case study, I analyze some creative processes in which I participated, in the light of reflections about the body-mask proposed by some researchers, such as Felisberto Sabino da Costa, Rudson Duarte and Andréa Stelzer.

3
  • JOÃO LUCAS SILVA BENTO
  • A COMPANHIA TRAQUEJO E O TEATRO NO SERTÃO DO ARARIPE

  • Orientador : ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • NERINA RAQUEL DIP
  • Data: 27/03/2021

  • Mostrar Resumo
  • A presente pesquisa tem como tema principal as atividades da Companhia Traquejo, grupo de teatro com sede na cidade de Exú, PE. Busca-se apresentar o funcionamento da própria companhia e, com isso, evidenciar possibilidades para a profissionalização do teatro. O objetivo da investigação é o de discutir e compartilhar o caminho da Cia Teatro e Dança Traquejo. Importante salientar que o pesquisador é também membro fundador da Traquejo e, por conta disso, a metodologia de pesquisa utilizada faz referência aos estudos autobiográficos e histórias de vida. Espera-se que a pesquisa possa ser útil àqueles que queiram optar pelo gratificante caminho da profissionalização teatral através da gestão, pois uma das principais contribuições da presente pesquisa para o campo teatral é auxiliar a estudantes da área de Artes Cênica a buscarem a possível e árdua construção e manutenção de um grupo de teatro, alinhado à sua realidade de inserção social. Essa expectativa também visa colaborar para a criação, discussão e compartilhamento de estratégias possíveis de sustentabilidade de coletivos artísticos do interior brasileiro.


  • Mostrar Abstract
  • The main research of this research is the activities of Companhia Traquejo, a theater group based in the city of Exú, PE. It seeks to present the operation of the company itself and, with that, to highlight possibilities for the professionalization of the theater. The purpose of the investigation is to discuss and share the path of Cia Teatro e Dança Traquejo. It is important to note that the researcher is also a founding member of Traquejo and, because of this, the research methodology used makes reference to autobiographical studies and life stories. It is hoped that the research can be useful to those who want to choose the rewarding path of theatrical professionalization through management, as one of the main contributions of this research to the theatrical field is to help students in the area of Performing Arts to seek the possible and arduous construction and maintenance of a theater group, aligned with its social insertion reality. This expectation also aims to collaborate for the creation, discussion and sharing of possible sustainability strategies for artistic collectives in the Brazilian countryside.

4
  • BÁRBARA ARAÚJO GOMES E SOUZA
  • A imaginação e a (re)criação de memórias no processo criativo de atrizes e atores

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 29/03/2021

  • Mostrar Resumo
  • A presente dissertação busca rastrear as potencialidades da imaginação, durante a preparação de atrizes e atores. Nesse sentido, essa investigação teórico-prática parte dos registros de alguns dos meus diários de trabalho realizados nos ensaios do monólogo “Retalhos”, inspirado na vida e no universo particular de minha avó materna, que há anos tem lidado com a perda de memória. A reflexão teórica é acompanhada por alguns princípios da Somática e os métodos interpretativos desenvolvidos pelos atores e encenadores-pedagogos russos, Constantin Stanislávski e Michael Chekhov.


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to track the potential of imagination into the actresses and actors work. In this sense, this theoretical-practical investigation starts with some of my work diaries from the creative process of “Retalhos”, a monologue inspired by my grandmother’s life and private universe, which has changed in the past few years due to her memory loss. Theoretical reflection is based on some principles of Somatics and the interpretative methods developed by the Russian actors and stage pedagogues, Constantin Stanislavsky and Michael Chekhov.

5
  • CLARA OLIVEIRA DE MEDEIROS
  • A representação da mulher cangaceira no teatro: um estudo sobre os textos 'Lampião', de Rachel de Queiroz e 'Cangaceiras', de Cristina Siqueira

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ANDRE CARRICO
  • ELEN DE MEDEIROS
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 30/03/2021

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  • O presente trabalho investiga a representação da mulher cangaceira em textos dramáticos. Para tanto, são estudados os textos: Lampião (1953) de Rachel de Queiroz e Cangaceiras (2018) de Maria Cristina Siqueira. Os dois trabalhos apresentam o cangaço como mote central de suas narrativas e são estudados sob três aspectos: análise dramatúrgica, referências norteadoras e modo de representação das personagens cangaceiras. Por fim, é realizada uma análise comparativa entre as obras em relação a esses três aspectos. Como referencial teórico são utilizada(o)s a(o)s seguintes autora(o)s: Jorge Dubatti (2016) , Adriana Negreiros (2018), Durval Muniz de Albuquerque Júnior (2009; 2011),  Jean-Pierre Sarrazac (2017) e João Sanches (2016).


  • Mostrar Abstract
  • The present work investigates the representation of cangaço’s women in dramatic texts. For that, the dramas: Lampião (1953) by Rachel de Queiroz and Cangaceiras (2018) by Maria Cristina Siqueira, are sudied. Both works presentes the cangaço as the central theme of their narratives. The texts are studied under three aspects: dramaturgical analysis, guiding references and representation of the cangaceiras’ characters. Finally, a comparative analysis between the works is carried out regarding these three aspects. The following author (s) are used as the theoretical framework: Jorge Dubatti (2016), Adriana Negreiros (2018), Durval Muniz de Albuquerque Júnior (2009; 2011),  Jean-Pierre Sarrazac (2017) and João Sanches (2016).

6
  • ADRIANO ANDRÉ ROSA DA SILVA
  • Coreoedição: fluxo criativo na videodança

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 05/07/2021

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  • Esta pesquisa é fruto coreográfico das imagens que movem a coreoedição e sua poética em diálogo com a dança e o cinema, revelados nos processos de montagem e edição: quadros, planos e técnicas que se fazem presentes no gesto do corpo cinestésico para produção de imagens digitais de forma interativa na construção da videodança. Se enquadra em uma metodologia qualitativa, tendo como objetivo ampliar a pesquisa em dança e tecnologia por meio de produção prática e teórica, articulando conhecimentos acerca de técnicas do cinema, a partir dos autores Sergei Eisenstein (2002) e Andrei Tarkovsky (1998), tais como a dialética da montagem do cinema soviético, o plano-sequência, e a poética dos elementos expressos na cena do filme e como estes podem ser utilizados na coreoedição. Para tal, a presente pesquisa busca ainda refletir acerca das contribuições da cineasta Maya Deren (1960) por meio do coreocinema, buscando também refletir sobre os processos coreográficos através do corpo e da imagem em movimento dialogando com os recursos de filmagem. Faz-se relevante ainda o diálogo com duas autoras que consideram a edição uma forma de coreografia: Gretchen Schiller (2003) e Karen Pearlman (2009). Pretende-se também olhar para o desenvolvimento de videodanças no Brasil, cuja perspectiva foi ampliada nos últimos dois anos devido ao isolamento social da Covid-19, aproximando diversos artistas da dança e ampliando a criação dessa linguagem no país. Ademais, apresenta um percurso artístico-docente através da criação em videodança e uma descrição metodológica do processo de orientação da residência artística Coreoedição: fluxo criativo na videodança, desenvolvido pelo CenaUniversidade (UFPE - Universidade Federal de Pernambuco), bem como as videodanças coreoeditadas por artistas de Natal/RN e Recife/PE. Por fim, aponta a videodança e a coreoedição como uma possibilidade do corpo e do coreoeditor se expressarem através dos recursos tecnológicos da filmagem e edição, compartilhando poéticas.


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  • This research is a choreographic result of images that move choreoediting and its poetics in dialogue with dance and cinema, which are revealed in the editing and mounting processes: frames, schemes and techniques that make themselves present in the gesture of the kinesthetic body for the production of digital images interactively in the construction of videodance. Fits into a qualitative methodology, aiming to expand research in dance and technology through practical and theoretical production, articulating knowledge about cinema techniques, based on the authors Sergei Eisenstein (2002) and Andrei Tarkovsky (1998), such as the dialectic of montage of the Soviet cinema, the sequence-shot, and the poetics of the elements expressed in the film scene and how they can be used in choreoediting. To this end, this research also seeks to reflect on the contributions of filmmaker Maya Deren (1960) through choreocinema, also seeking to reflect on the choreographic processes through the body and the moving image, dialoguing with the filming resources. It is also relevant the dialogue with two authors who consider editing a form of choreography: Gretchen Schiller (2003) and Karen Pearlman (2009). It is also intended to look at the development of videodance in Brazil, whose perspective has been expanded in the last two years due to the social isolation of Covid-19, bringing together several dance artists and expanding the creation of this language in the country. Furthermore, it presents an artistic-teaching course through videodance creation and a methodological description of the orientation process of the artistic residency Coreoedição: fluxo criativo na videodança developed by CenaUniversidade (UFPE) as well as videodances coreoedited by artists from Recife/PE and Natal/RN. Finally, points out videodance and choreoediting as a possibility for the body and the choreoeditor to express themselves through the technological resources of filming and editing, sharing poetics.

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  • PRICILA MORAIS DE FREITAS
  • TOCADOS PELA DANÇA, DANÇANDO PELO TOQUE : EXPERIÊNCIAS NO CONTEXTO DA ESCOLA DE ARTE E CULTURA PRO-ARTE – GUAMARÉ-RN

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA ROMANO DE ANDRADE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 30/08/2021

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  • O presente trabalho busca discutir sobre a importância do tocar no contexto do ensino da dança dialogando com algumas práticas corporais que utilizam o toque como referência, tais como o Contato Improvisação de Steve Paxton e a Eutonia de Gerdar Alexander. A abordagem metodológica tem como base a Fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty e parte das experiências vividas pela pesquisadora e por seus alunos da Escola de Arte e Cultura PRO-ARTE da cidade de Guamaré-RN-Brasil. Para a discussão se aproxima de autores como: Ashley Montagu, Maturana e Varela, Jorge Larrosa, Karenine Porpino, Petrucia Nóbrega, dentre outros. As reflexões apontam para possibilidades de ensinar dança partindo das sensações proporcionadas pelo tocar e consideram que o toque na pele também atravessa o invisível sendo capaz de despertar a consciência do indivíduo para sua dança. Embora a origem sensorial do toque seja percebida na pele, suas consequências vão além do que é sentido pelo tato e pelo visível, e favorece a sensibilização para a criação em dança.


  • Mostrar Abstract
  • The reasearch aims discuss about the importance of touching in the context of dance teaching interacting with some body practical that use touch as reference as Steve Paxton Contact Improvisation and Gerdar Alexander Eutony. The methodological approach is based on Maurice Merleau-Ponty Phenomenology and part of lived experience by the researcher and her students from Escola de Arte e Cultura – PRO-ARTE in Guamare-RN Brazil. For the discussion comes closer to authors like: Ashley Montagu, Maturana e Varela, Jorge Larrosa, Karenine Porpino, Petrucia Nóbrega and others. The reflections target to the possibilities of dance teaching from sensations given by touching and consider that skin touch also cross invisible lines evoking individual consciousness to one’s dance. Although the touch sensory origin is realized on someone’s skin, its consequences goes beyond what Is felt by the touch sense and the visible field and promotes awereness of dance creation.

8
  • CLAREANA NUNES GRAEBNER
  • Iá Ticum - O terreno fértil das vivências entre o campo e a criação cênica

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CARLA CRISTINA OLIVEIRA DE ÁVILA
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/08/2021

  • Mostrar Resumo
  • Essa dissertação de Mestrado propõe refletir sobre o processo de

    criação cênica desenvolvido pela autora do texto, alicerçado nas investigações

    de inventário pessoal e nas pesquisas sobre saberes tradicionais e ancestrais,

    junto às comunidades com as quais conviveu durante o percurso da pesquisa.

    A proposta metodológica do “Jogo da Construção Poética”, concebida por Lara

    Rodrigues Machado, foi base para o processo de pesquisa e para a criação da

    cena “Iá Ticum”. As comunidades que ampararam o desenvolvimento dessas

    reflexões foram, a comunidade da capoeira angola, a comunidade do

    Assentamento “Nova Suíça” e comunidades acadêmicas a exemplo da UFRN

    entre outras. Por meio das buscas de histórias do passado, descobertas

    corporais em vida escritas no presente, e das projeções desses saberes

    corporificados, como continuidade das giras vividas, acredita-se na sabedoria

    de “saber de si em comunidade”.


  • Mostrar Abstract
  • This master's degree dissertation, intend to reflect a concept about the scenic creation process developed by the author based on investigation of personal files and at the ancient and traditional knowledge, experienced with the communities wich the author got along trhow the study process. The methodologic propose of 'Game of the Poetic Construction' born of Lara Rodrigues Machado, was source to the study and creation process of 'Ia Ticum' scene. The communities that sustained this concept were Communitie of Capoeira Angola the settlement of the Communitie of Nova Suiça  and the academic communitie as UFRN itself among others.

9
  • THÂMARA MONIQUE CUNHA
  • ABRAM-SE AS CORTINAS: Uma montagem teatral como prática pedagógica inclusiva para o Ensino de Teatro

  • Orientador : JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • RUMMENIGGE MEDEIROS DE ARAÚJO
  • Data: 30/08/2021

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa de mestrado intitulada ABRAM-SE AS CORTINAS: Uma montagem teatral como prática pedagógica inclusiva para o Ensino de Teatro, tem como objetivo analisar o processo de montagem de uma peça teatral, por intermédio de uma prática pedagógica que considere a participação de crianças com e sem deficiência em contexto escolar. A montagem estava ligada ao Projeto de Literatura e Arte da escola, que tinha como homenageado nesse ano o escritor Ariano Suassuna. Cada turma ficou responsável por uma de suas obras, a escolha foi feita pelas professoras de Língua Portuguesa e Arte e os 9º anos ficaram com a peça A Pena e a Lei. Esse estudo acontece na Escola Municipal Benvinda Nunes Teixeira, no município de Guamaré/RN, em três turmas de 9º ano (A, B e C), no turno vespertino, sendo que a análise se centra na turma do 9º A, a qual tinha trinta e um alunos, contando com duas alunas com deficiência. Por meio desse trabalho vimos que é possível utilizar a montagem teatral como prática pedagógica envolvendo alunos com e sem deficiência ao longo do processo.


  • Mostrar Abstract
  • The master's research entitled OPEN THE CURTAINS: A theatrical montage as an inclusive pedagogical practice for Teaching Theater aims to analyze the process of mounting a theatrical play, through a pedagogical practice that considers the participation of children with and without disabilities in a school context. The montage was linked to the school's Literature and Art Project, which this year honored the writer Ariano Suassuna. Each class were responsible for one of his works. The choice was made by the Portuguese Language and Art teachers, and the 9th graders received the play A Pena e a Lei. This study takes place in the municipal school Benvinda Nunes Teixeira, in the municipality of Guamaré/RN, in three 9th grade classes (A, B, and C), in the afternoon shift, but this analysis focuses on the 9th grade A class, which had thirty-one students, including two students with disabilities. Through this work, we saw that it is possible to use theatrical production as a pedagogical practice, involving students with and without disabilities throughout the process.

10
  • RENAN CARLOS MEDEIROS DA SILVA
  • ROTEIRO PERFORMATIVO: CIRCUITO DE INTERVENÇÕES PEDAGÓGICAS NA PRÁTICA DO PROFESSOR-PERFORMER

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • BETTINA RUPP
  • REBEKA CAROÇA SEIXAS
  • Data: 30/08/2021

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  • Esta pesquisa-intervenção dialoga com o híbrido professor-performer no processo de criação de uma prática denominada roteiro performativo. Realizada com turmas do ensino básico fundamental e médio da Escola Estadual Desembargador Floriano Cavalcanti (Natal – RN), as intervenções no corpo escolar foram apresentadas na jornada Nuvem de Partilhas – O Chão no Qual Pisamos (2019), realizada na escola pelo LABPerformance (Laboratório de Performance e Teatro Performativo - UFRN). Estruturada em formato de material educativo, apresenta quatro cadernos dissertativos compostos pelos roteiros performativos das ações pedagógicas presentes no catálogo do evento; colagens e fotografias; mídias e textos escritos durante a sua realização. No caderno Lousas: o pensamento em arte na prática do professor-performer, há um diálogo sobre o trajeto de composição dos projetos de performance e como eles partiram do conteúdo em arte ensinado em sala de aula para o conjunto de roteiros performativos criados nesta pesquisa. Em um segundo momento, o caderno Cartografias: configurações para os elementos corporais da performance, expõe as intervenções que surgiram nessas vivências entre o professor- performer e o corpo discente por meio de visualizações de mapas, linguagens e afetos. O terceiro caderno, Roteiro Performativo: laboratórios pedagógicos em práticas work in process, tem a finalidade de perceber como o professor-performer opera a criação coletiva de um roteiro performativo, ele consiste em uma reflexão dos acionadores performativos do corpo imerso em laboratórios work in process e quais elementos compõem a sua escrita. Há o Roteiro Performativo: circuito de ações pedagógicas em performance, onde são publicadas as 30 práticas criadas nesta pesquisa. Ele pode ser consultado em qualquer momento da leitura e é um convite ao leitor para ativá-las por meio da experiência. Portanto, ao fomentar no espaço da escola pública poéticas particulares conectadas intimamente ao seu trajeto pessoal fora dela, o roteiro performativo se constitui como expressão dos questionamentos que professores e alunos trazem para a sua formação. As diferentes formas de ancoragem do desejo nos processos subjetivos das diferentes identidades do corpo escolar produziram o exercício da linguagem artística para dar corpo aos impulsos gerados, de acordo com os valores expressos nos direitos humanos.


  • Mostrar Abstract
  • These research-intervention dialogues with the hybrid teacher-performer in the process of creating a practice called performative script. Carried out with elementary and high school classes at the Desembargador Floriano Cavalcanti State School (Natal – RN), the interventions in the school body were presented in the journey Cloud of Shares – The Floor We Step (2019), held at the school by LABPerformance (Laboratory of Performance and Performative Theater - UFRN). Structured in the format of educational material, it presents four dissertation notebooks composed of the performative scriptss of the pedagogical actions present in the event's catalogue; collages and photographs; media and written texts during its realization. In the School Boards notebook: thinking in art in the practice of the teacher-performer, there is a dialogue about the path of composition of performance projects and how they departed from the art content taught in the classroom to the set of performative scripts created in this research. In a second moment, the Cartographies notebook: configurations for the bodily elements of performance, exposes the interventions that emerged in these experiences between the teacher-performer and the student body through visualizations of maps, languages and affection. The third notebook, Performative Scriptt: pedagogical laboratories in work in progress practices, aims to understand how the teacher-performer operates the collective creation of a performative script, it consists of a reflection of the performative triggers of the body immersed in work in progress laboratories and which elements compose the writing. There is the Performative Script: circuit of pedagogical actions in performance, where the 30 practices created in this research are published. It can be consulted at any time during the reading and is an invitation to the reader to activate them through experience. Therefore, by fomenting private poetics in the public school space intimately connected to their personal path outside it, the performative script is constituted as an expression of the questions that teachers and students bring to their training. The different forms of anchoring desire in the subjective processes of the different identities of the school body produced the exercise of artistic language to embody the generated impulses, in accordance with the values expressed in human rights.

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  • NELITA CASTRO ANDRADE
  • O LUGAR SECRETO: TESSITURAS CRIATIVAS ENTRE TECIDOS E CORPOS

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ISABEL CRISTINA VIEIRA COIMBRA DINIZ
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 31/08/2021

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  • A pesquisa apresentada aborda um estudo de cunho teórico-prático a partir de discussões sobre as tessituras e cargas poéticas criativas que o corpo é atravessado na contemporaneidade. Tem por objetivo refletir sobre uma construção criativa que põe em diálogo o tecido como elemento cênico e o corpo do intérprete na dança contemporânea, a partir de uma analogia, à significância dos tecidos que envolveram o persona de Jesus Cristo, para o processo de criação em dança contemporânea. A metodologia deste trabalho está baseada na proposição de Ciane Fernandes (2018), A prática como Pesquisa, que pensa a pesquisa em Arte como constructo entre teoria e prática cênica. Sendo assim, a minha prática de criação alimenta e é alimentada por fundamentos teóricos que sustentam e são sustentados pelos laboratórios  de investigação composicional. A pesquisa tem uma abordagem qualitativa e parte do entendimento que o corpo é a minha condição de existir, de aprender e de conhecer. O estudo dialoga com a improvisação como ferramenta à construção cênica para fomentar o ato criativo que entrelaça corpo-pele-tecidos. Foi possível perceber que o Lugar Secreto é dança na vida/de vida. Não é sobre apenas eu dançar minhas experiências, mas também poder ressignificar as mesmas. Essa pesquisa contribui para a área das Artes Cênicas, especificamente para a Dança ao mostrar o acontecimento artístico no espaço litúrgico cristão, no que diz respeito a esse corpo sagrado que cria através das técnicas de improvisação. Logo, é um trabalho cuja  transversalidade cultural é presente, pois é uma pesquisa que traz a ciência, religião e arte para discussão na contemporaneidade.


  • Mostrar Abstract
  • The presented research addresses a theoretical-practical study based on discussions about the textures and creative poetic loads that the body is traversed in contemporaneity. Its objective is to reflect on a creative construction that puts in dialogue the fabric as a scenic element and the body of the performer in contemporary dance, based on an analogy, to the significance of the fabrics that involved the persona of Jesus Christ, for the process of creation in contemporary dance. The methodology of this work is based on the proposition of Ciane Fernandes (2018), Practice as Research, who thinks research in Art as a construct between theory and scenic practice. Thus, my creation practice feeds and is nourished by theoretical foundations that support and are supported by compositional research laboratories. The research has a qualitative approach and starts from the understanding that the body is my condition of existing, learning and knowing. The study dialogues with improvisation as a tool for scenic construction to foster the creative act that interweaves body-skin-fabrics. It was possible to see that Lugar Secreto is a dance in life/life. It's not just about me dancing my experiences, but also being able to reframe them. This research contributes to the area of Performing Arts, specifically for Dance, by showing the artistic event in the Christian liturgical space, with regard to this sacred body that it creates through improvisation techniques. Therefore, it is a work whose cultural transversality is present, as it is a research that brings science, religion and art to contemporary discussion.

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  • NICHOLAS GOMES VIANA DE OLIVEIRA
  • DESIDENTIFICAÇÃO DE GÊNERO: EXPERIÊNCIA QUEER NA PERFORMATIVIDADE DA DRAG QUEEN

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • REBEKA CAROÇA SEIXAS
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 31/08/2021

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa visa refletir sobre a performatividade de gênero existente na minha prática cênica como professora drag queen performer. Nesse sentido, como estratégia metodológica relato minha formação em criação enquanto uma pessoa queer em processo pessoal de desidentificação. Desse modo, por um lado, utilizei a sala de aula como lugar de laboratório de performance, a fim de compreender a corporeidade presente no estado queen,  e, por outro,  a partir de experiências, busco  dialogar com pessoas marcadas por uma narrativa de resistência em performance queer. Os espaços abordados nesta dissertação são territórios de poder que se reconfiguram através das andanças de um corpo dissidente, clamando contra a normatividade e a ordem compulsória. O resultado desta dissertação é um relato, na forma de texto-performance de um corpo em trânsito migrando por caminhos errantes que se contaminam além das fronteiras para revelar suas práticas de performance e a criação de um laboratório drag.  


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to reflect on the gender performativity existing in my scenic practice as a drag queen performer teacher. In this sense, as a methodological strategy I report my training in creation as a queer person in my personal process of disidentification. Thus, on the one hand, I used the classroom as a place for a performance laboratory, in order to understand the corporeality present in the queen state, and, on the other, from experiences, I seek to dialogue with people marked by a narrative of resistance in queer performance. The spaces covered in this dissertation are territories of power that are reconfigured through the wanderings of a dissident body, clamoring against normativity and compulsory order. The result of this dissertation is an account, in the form of text-performance, of a body in transit migrating along wandering paths that contaminate itself across borders to reveal its performance practices and the creation of a drag laboratory.

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  • BIANCA ADELTRUDES DE VASCONCELOS
  • PESQUISADORA DE SI: INDIVIDUAÇÃO E CRIAÇÃO RITUALÍSTICA NAS ARTES DA CENA

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • JOICE AGLAE BRONDANI
  • Data: 31/08/2021

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  • A pesquisa intitulada Pesquisadora de Si: Individuação e Criação Ritualística nas Artes da Cena caminha pela vida e pela arte, pela ancestralidade e pela cultura, trafegadas pela autora. O principal objetivo deste estudo é verificar de que modo as pesquisas sobre si podem contribuir para os processos de criação nas artes da cena. Na busca por caminhos que desemboquem em uma cena ritualística a artista criadora tece relatos de suas próprias experiências (LARROSA, 2014) no campo das artes usando como principal fonte de inspiração a ancestralidade vivida no ceio familiar. Nesta trama a autora costura a vida real, os processos de criação e os processo de individuação (JUNG, 1991) trazendo à tona os atravessamentos provocados sobre sua vida em um universo dominantemente patriarcal. Estes relatos permitem um resgate do feminino e promovem um encontro da pesquisadora consigo mesma em seu corpo-casa-memória que é amparado pela mitologia da Deusa Tríplice e suas faces. A fim de criar um diálogo entre o fazer e o pensar a pesquisadora tece relações com o Teatro Ritual (HADERCHPEK, 2020), com a obra Mulheres que Correm com os Lobos (ÉSTES, 2014), e com A Jornada da Heroína (MURDOCK, 1990). Das tensões nascidas do encontro do corpo com as estruturas vigentes e as situações corriqueiras que compõem o ser mulher, artista e professora, irrompe uma contínua reflexão da pesquisadora sobre o seu próprio ser. Essa reflexão permite à pesquisadora uma compreensão das tramas que compõem a sua vida e evidenciam o diálogo com o coletivo e as práticas que a atravessam.


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  • The research entitled Researcher of the Self: Individuation and Ritualistic Creation in the Performing Arts walks through life and art, through ancestry and culture, carried by the author. The main objective of this study is to verify how research about oneself can contribute to the creative processes in the performing arts. In the search for paths that lead to a ritualistic scene, the creative artist weaves accounts of her own experiences (LARROSA, 2014) in the field of arts, using as her main source of inspiration the ancestry lived in the family setting. In this plot, the author sews real life, the processes of creation and the individuation process (JUNG, 1991) bringing to light the crossings caused on her life in a predominantly patriarchal universe. These accounts allow a rescue of the feminine and promote the researcher's encounter with herself in her body-house-memory that is supported by the mythology of the Triple Goddess and her faces. In order to create a dialogue between doing and thinking, the researcher weaves relationships with Ritual Theater (HADERCHPEK, 2020), with the work Mulheres que Correm com os Lobos (ÉSTES, 2014), and with A Jornada da Heroína (MURDOCK, 1990). From the tensions arising from the encounter of the body with the current structures and the everyday situations that make up being a woman, artist and teacher, a continuous reflection of the researcher on her own being emerges. This reflection allows the researcher to understand the plots that make up her life and evidence the dialogue with the collective and the practices that go through her.

2020
Dissertações
1
  • NATALI FERREIRA ASSUNÇÃO
  • Narrativas de uma memória em chamas: uma experiência em teatro documentário

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARCOS MARCELO SOLER
  • Data: 10/02/2020

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  • A presente pesquisa aborda a construção de uma narrativa artística que engloba cinema, fotografia, teatro e escrita no pensamento acerca do documental. Propõe-se uma metodologia própria e uma reflexão sobre a construção de uma única narrativa documental a respeito da liberdade e do aprisionamento no cotidiano feminino a partir de 11 depoimentos reais, de mulheres de diferentes realidades sócio econômico culturais, em diálogo com um texto ficcional do escritor Mia Couto. O trabalho parte de uma escrita performativa e pensa sobre o teatro documentário, suas características, possibilidades e viabilização na cena em diálogo com a construção narrativa, trabalhando ainda a linguagem fotográfica por meio de um ensaio e a audiovisual por meio de um documentário em vídeo utilizando essas construções como etapas para a cena.


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  • This research addresses the construction of an artistic narrative that encompasses cinema, photography, theatre and writing in the thinking about documentary. It is proposed its own methodology a reflection on the construction of a single documentary narrative about freedom and imprisonment in women’s daily life from 11 real statements, of women from diferente cultural sócioeconomic realities, in dialogue with a fictional text by the writer Mia Couto. The work starts from a performative writing and thinks about the documentary theater, its characteristics, possibilities and feasibility in the scene in dialogue with the narrative construction, still working the photographic language through an essay and the audiovisual through a video documentary using these constructions as steps for the scene.

2
  • ELZE MARIA DE OLIVEIRA BARROSO
  • Um Corpo Cavalgado - A Pomba-Gira como Mito-Guia na Criação Performática

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA VALÉRIA RAMOS VICENTE
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 10/02/2020

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  • O trabalho visa a investigar a Pomba-Gira sob a perspectiva do mito-guia (LYRA, 2013), experienciado corporalmente, a partir da criação de uma série de performances destampadas pela Mitodologia em Arte (LYRA, 2013) propõe um caminho de procedimentos na restauração da imagem e do mito como disparadores do reconhecimento de si. Na experiência de performar a Pomba-Gira, acaba-se por tensionar o termo pejorativo de “mulata”, ao trabalhar imagens associadas à ideia de figuras femininas objetificadas pela sexualidade e advindas de um contexto histórico de discriminações por serem de matrizes africanas. Sendo mulher negra, a pesquisadora, dá corpo à figura da Pomba-Gira, discute questões sobre racismo estruturante e feminismo negro, procurando trazê-las para o âmbito das artes cênicas. Em convergência com o material acerca da Mitodologia em Arte, de Lyra, busca-se dialogar também com os conceitos de Pedagogia das Encruzilhadas, Luiz Rufino (2019). Pomba-Gira, Andréa Lage (2004), Stefania Capone (2003) Reginaldo Prandi (1996), Racismo, Grada Kilomba (2019), Interseccionalidade, Angela Davis (1981) e Performance, Renato Cohen (2002) para investigar o mito da Pomba-Gira.


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  • The work aims to investigate the Afro-Brazilian myth Pomba-Gira from the perspective of guide-myth (LYRA, 2013), experienced bodily from the creation of a series of performances uncovered by Mitologia em Arte (LYRA, 2013). Mitodologia em Arte proposes a path of procedures in the restoration of image and myth as devices of self-recognition. In the experience of performing the Pomba-Gira, the derogatory term of mulata ends up being stretched, working on a broader scope of female figures that are sexually objectified and departing from a historical context of discrimination due to their African matrices. Being a black woman, the author-researcher of this project, who embodies the figure of the Pomba-Gira, I wish to raise questions on societal racism or structural racism in Brazil and on black feminism, seeking to elaborate these issues in the performing arts. In convergence with the material of Mitologia em Arte, (“Mythodology in Art”), by Lyra, this work also seeks to dialogue with the concepts of Encruzilhada (Crossroads), Pedagogia das Encruzilhadas (Pedagogy of the Crossroads), Luiz Rufino (2019), the myth of the Pomba-Gira, Andréa Lage (2004), Stefania Capone (2003), Reginaldo Prandi (1996), Racism, Grada Kilomba (2019), intersectionality, Angela Davis (1981) and of Performance Art, Renato Cohen (2002) to investigate the myth of the Pomba-Gira.

3
  • FRANCO WILLAMY LIMA DA FONSECA
  • AGORA CHUPA ESSA MANGA - A CENA PÓS COQUETEL: INTERFACES DA AIDS NAS ARTES DA CENA

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE DUARTE BARBOSA JUNIOR
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 27/02/2020

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  • CONTRA INDICAÇÕES Este trabalho lê a aids como metáfora e defende o uso da metáfora a partir da construção ensaiada pela autora Susan Sontag (2007). Aqui apresento algumas provocações em formato de gota, uma gota reagente dos fluídos da pesquisa na qual discutimos as representações poéticas da aids nas artes da cena e como estas interagem com elementos intrínsecos a uma cultura caracterizada pelo domínio masculino, pelas disparidades sociais entre as fronteiras de gênero, classe e raça. Esta dose que lhes apresento é um compilado de escritos em formato de ensaios, casca, polpa e caroço da pesquisa sobre a noção de “pós coquetel” elaborada por Alexandre Nunes (2015). Neste escrito faço um relato reflexivo e dialogo em primeira pessoa sobre as experiências de campo que foram realizadas entre 2018 e 2020 e suas reverberações para esta pesquisa no campo prático e teórico. Ao tomar essas doses enxergo demarcações de territórios bem questionáveis sobre a carência do protagonismo de artistas soropositivos falando acerca da temática da aid$ e de como a noção de literatura pós coquetel pode ser lida como uma possível representação para o exame discursivo da epidemia nas artes da cena no Brasil. Esta representação dialoga com ideia de “epidemia discursiva” refletida por Marcelo Secron Bessa (1997) e ambas surgem no campo literário, sendo aqui contaminadas para um contexto no qual a epidemia se dá no âmbito nacional das artes da cena. Experimento lançar um olhar pós coquetel às artes da cena, e exemplifico como esta noção influencia a leitura dos processos criativos e no meu caso em uma dialética entre o erótico e o político. Encerro nossa conversa ensaiada na descrição de Práticas Contaminadas, tópico que reúne as atividades ainda em análise de dados, que expõe as práticas artísticas, pedagógicas e informativas da pesquisa em curso, que seguirá em movimento ainda depois de sua defesa de mestrado. Por fim, discorro sobre a ideia de Afeto colateral do qual sua principal reverberação é a performance Agora Chupa Essa manga.


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  • AGAINST INDICATIONS This work reads AIDS as a metaphor and defends the use of metaphor based on the construction by the author Susan Sontag (2007). Here I present some provocations in the shape of a drop, a reactive drop of the research fluids in which we discuss the poetic representations of AIDS in the performing arts and how they interact with elements intrinsic to a culture characterized by the male domain, by the social disparities between the borders of gender, class and race. This dose that I present to you is a compilation of writings in the form of essays, shell, pulp and lump from the research on the notion of “post cocktail” elaborated by Alexandre Nunes (2015). In this writing I make a reflective report and dialogue in first person about the field experiences that were carried out between 2018 and 2020 and its reverberations for this research in the practical and theoretical field. When taking these doses, I see very questionable demarcations of territories about the lack of protagonism of HIV-positive artists talking about the theme of "AID$" and how the notion of post-cocktail can be read as a possible representation for the discursive examination at epidemy in the arts of scene in Brazil. This representation dialogues with the idea of a “discursive epidemic” reflected by Marcelo Secron Bessa (1997) and both appear in the literary field, being contaminated here in a context in which the epidemic occurs within the national scope of the performing arts. I try to take a post-cocktail look at the performing arts, and I exemplify how this notion influences the reading of creative processes and in my case in a dialectic between the erotic and the political. I conclude our rehearsed conversation in the description of Contaminated Practices, a topic that brings together activities still in data analysis, which exposes the artistic, pedagogical and informative practices of the research in progress, which will continue in motion even after his post graduate defense. Finally, I discuss the idea of Side Affection, whose main reverberation is the performance Agora Chupa Essa Manga.

4
  • NAARA OLIVEIRA MARTINS
  • A gente combinamos de escreviver: Poéticas Pretas e modos de autopotência na criação em Artes Cênicas

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE CARVALHO DOS SANTOS RODRIGUES
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • SARA ELTON PANAMBY
  • Data: 02/03/2020

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  • A partir de perspectivas afrocêntricas, este estudo pesquisa a noção de Poéticas Pretas como possibilidade de autopotência na criação em Artes Cênicas e como desestabilização das estereotipias raciais nesse âmbito, entendendo tais estereotipias como práticas epistemicidas que necessitam ser problematizadas e combatidas. Inspirando-se no conto A gente combinamos de não morrer, de Conceição Evaristo, a Dissertação ora apresentada, que se intitula A gente combinamos de escreviver, tece relações entre Poéticas Pretas e a produção de subjetividades Pretas, trabalhando com a importância do afeto entre nós mesmas/os (bell hooks) e com os “usos da raiva” (Audre Lorde), ambos necessários para a manutenção e sustento das nossas escrevivências. Para tanto, parte-se dos conceitos de “encruzilhada”, de Maria Leda Martins, como reversão metodológica; e de “necropolítica”, de Mbembe, enquanto política da morte, supressora e mantenedora das narrativas hegemônicas sobre os nossos corpos — este seundo conceito também inspirou a necroperformance ¿Y si muero aquí?, realizada nas cidades de Oaxaca de Juárez e Cidade do México / México, como parte desta pesquisa. Na esteira disso, este trabalho encruzilha epistemes de autoras e autores como Audre Lorde (1978; 2018), Abdias do Nascimento (1980), Sueli Carneiro (2003), Frantz Fanon (2008), Lélia Gonzalez (2018), Achille Mbembe (2018; 2016), bell hooks (1994), Maria Leda Martins (2003), Alice Walker (2018), Molefi Asante (2009), Alex Ratts (2007), entres outras/os. Este trabalho é carregado de “projéteis” que laboram sobre a responsabilidade com nós mesmas/os, a de compartilharmos e difundirmos linguagens e ações. Nós temos um compromisso com a quebra do silêncio, com a sua transformação numa linguagem criativa e artística. Assim, o que interessa nesta pesquisa-encruzilhada é sobretudo a reverberação dos abalos provocados pelas Poéticas Pretas. Essas que pretendem ir além dos padrões tradicionalmente entendidos como “raça”, fazendo cintilar a ideia de que há muitas formas de enunciar essas subjetividades Pretas a partir da arte e, portanto, também na vida.


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  • From afrocentric perspectives, this study investigates the notion of Black Poetics (Poéticas Pretas) as a possibility of self-power (autopotência) in the creation in Scenic Arts and as a destabilization of racial stereotypes in this scope, understanding such stereotypies as epistemicidal practices that need to be problematized and combated/opposed. Inspired by the story “A gente combinamos de não morrer” by Conceição Evaristo, the Dissertation presented here, which is entitled “A gente combinamos de escreviver” weaves relations between Black Poetics and the production of Black subjectivities, working with the matter of affection between ourselves (bell hooks) and the “uses of anger” (Audre Lorde), both needed for the maintenance and sustenance of our writings (escrevivências).  To do so, one begins with the concepts of “encruzilhada”, by Maria Leda Martins, as a methodological reversal; and “necropolitics”, by Mbembe, as politics of death, suppressor and maintainer of the hegemonic narratives on our bodies - this concept also inspired the necroperformance ¿Y si muero aquí?, performed in the cities of Oaxaca de Juárez and Mexico City / Mexico as part of this research. In the wake of this, this research crosses epistemes of authors and authors like Audre Lorde (1978, 2018), Abdias do Nascimento (1980), Sueli Carneiro (2003), Frantz Fanon (2008), Lélia Gonzalez (2018), Achille Mbembe (2018), bell hooks (1994), Maria Leda Martins (2003), Alice Walker (2018), Molefi Asante (2009), Alex Ratts (2007), among others. This research is filled with “projectiles” that acs on the responsibility with ourselves, to share and to spread languages and actions. We have a compromise in breaking the silence with its transformation into creative and artistic language. Thus, what matters in this “crossroads” research is overall the reverberation of the impression provoked by the Black Poetics. These are those that intend to go beyond the standards traditionally understood as “race”, making clearer the idea that there are many ways to enunciate these Black subjectivities from art and, also in life.

5
  • FRANCISCO ALEXSANDRO DA SILVA
  • Do Palco ao Picadeiro – Circo e Palhaçaria Tradicional no Trabalho da Cia. 2 em Cena.

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • DANIELE PIMENTA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 03/03/2020

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  • O presente trabalho investiga o processo de apropriação da arte do Palhaço Tradicional Circense realizado pela Cia. 2 em Cena no período de 2007 a 2017, tomando como objeto de estudo três espetáculos do referido coletivo. Através de um Estudo de Caso, são analisados os elementos palhacescos/clownescos presentes nos espetáculos: Palhaçadas – História de um circo sem lona, Reprilhadas e Entralhofas – Um concerto para acabar com a tristeza e Do Vestido ao Nariz. Entre os elementos analisados encontram-se: a exploração do antagonismo da dupla cômica tradicional, a apropriação da dramaturgia circense clássica, a musicalidade circense e o papel da mulher palhaça no circo contemporâneo. A Cia. 2 em Cena de Teatro, Circo e Dança é um núcleo de pesquisa e produção cultural, sediado em Recife/PE, formado por Palhaços, músicos, atores e bailarinos que desempenham estudos acerca do Circo e do Palhaço Tradicional Circense, bem como sobre o teatro para crianças.


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  • The present work investigates the process of appropriating the art of the Traditional Circus Clown carried out by Cia. 2 em Cena from 2007 to 2017, taking as object of study three shows of the referred collective. Through a Case Study, the clown / clown elements present in the shows are analyzed: Clowns - History of a circus without canvas, Reprilhadas and Entralhofas - A concert to end sadness and From Dress to Nose. Among the elements analyzed are: the exploration of the antagonism of the traditional comic duo, the appropriation of classical circus dramaturgy, circus musicality and the role of the clown woman in contemporary circus. Cia. 2 em Teatro de Teatro, Circo e Dança is a center for research and cultural production, based in Recife / PE, formed by Clowns, musicians, actors and dancers who perform studies on Circus and Traditional Circus Clown, as well as about the theater for children.

6
  • NATÃ BORGES FERREIRA
  • Portfólio Expandido: [Performance] Agah Precária [Afetada]

     

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • REGINA HELENA PEREIRA JOHAS
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 03/03/2020

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  • [Aqui] ressoa a voz da persona Agah Precária, como necessidade de existência, que se utiliza das noções de precário (Butler, 2004) para desestabilizar a ordem de gêneros identitários, compor um universo e prática queering, enquanto lugar de fala. Agah pode servir como uma metáfora das vestimentas que utilizamos para sair na rua, um atributo para o âmbito social e relacional, é uma possível composição de ser, para a reflexão que o espelho nos oferece. Através de desenhos e do repertório artístico na arte contemporânea, apresento meus trabalhos enquanto artista/pesquisadora. Trabalhos que tem a performance arte como eixo central da criação, um campo em constante fluxo e que tem o corpo como lugar do acontecimento. Este corpo se posiciona em um terreno político ante a um discurso massivo existente, que faz com que nos coloquemos uns contra os outros, atravessados por afetos como o medo. E somos individualizados e trancafiados em obtusas narrativas de solidão, atrás de grades, câmeras de segurança, condomínios fechados. A prática da performance [aqui] pode ser um convite para visitar o mundo e reformular discursos, pensar no chão que pisamos e no olhar para o outro, portanto diz dos afetos como vínculo social e político, como a amizade. Esse trabalho se divide em três partes, entrecortado também por intervenções textuais [texturas]. A primeira parte é o portfólio com 07 trabalhos como resultado da pesquisa que são: Id Entidade [Três Partes] (2015-17); Transito-No-Não-Trânsito (2016); Enquanto Me Calei Envelheceram Meus Ossos [Duas Partes] (2017); Arremedos (2017); Casamentos (2017-18); Guiada Pela Multidão (2018) e Xifopagã Capilares [Duas Partes] (2018). Na segunda parte apresento um olhar para a produção de outros artistas: Francis Alys, Doris Salcedo, Tunga e Tehching Hsieh. E a terceira parte são textos que dissertam, através de tópicos, questões pertinentes as performances apresentadas. São os seguintes tópicos: [Precária, Outro, Amizade, Corpo Precário e Malabar de Signos].

     


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  • The voice of the persona Agah Precária resonates [here], as a necessity for existence, which uses the notions of precariousness (Butler, 2004) to destabilize the order of identity genres. It compose a universe and queering practice, as a place of speech. Agah can be a metaphor for the clothes we use to go out on the street, an attribute for the social and relational realm. It is a possible composition of being for the reflection offered by the mirror. Through drawings and the artistic repertoire in contemporary art, I present my work as an artist / researcher. Works that have performance art as the central axis of creation, a field in constant flux and that has the body as the place of the event. This body is positioned on a political ground in the face of an existing massive discourse, which makes us stand against each other, crossed by affections such as fear. Thus, we are individualized and we became prisoner in obtuse narratives of solitude, behind bars, security cameras, apartment complex. The practice of performance [here] can be an invitation to visit the world and reformulate speeches, to think about the ground we walk on and to look at the other. It says about affections as a social and political bond, like friendship. This work has three parts, also interrupted by textual interventions [textures]. The first part is the portfolio with 07 works as the result of the research: ID Entidade (ID Entity)  [three Parts] (2015-17); Transito-no-não-trânsito (Transit-In-Non-Transit) (2016); Enquanto me calei envelheceram meus ossos (While I stood quiet My Bones got old) [two Parts] (2017); Arremedos (Simulacrum) (2017);  Casamentos (Weddings) (2017-18); Guiado pela multidão (Guided by the Crowd) (2018) and Xifopagã Capilares (without translation)  [two Parts] (2018). In the second part, I present a perspective at the production of other artists: Francis Alys, Doris Salcedo, Tunga and Tehching Hsieh. The third part is a text that addresses topics related to the performances presented before. The topics are [Precarious, Other, Friendship, Precarious Body and Juggling of Signs]

7
  • FERNANDA DA SILVA ARAÚJO MÉLO
  • CARTOGRAFIOS DE UMA NARRATRIZ: performances entre contação de histórias, teatro e educação

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA PAULA ABRAHAMIAN DE SOUZA
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA HARTMANN
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 04/03/2020

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  • Esta Dissertação cartografou performances como experiências de criação de uma narratriz, envolvendo na composição desta a discussão de corpo narrativo, performance art e performance narrativa (contação de histórias). Escolhendo diferentes espaços educacionais como lócus performático, atravessando os conceitos de artista/docente de Isabel Marques (2011; 2014) e professor-performer de Naira Ciotti (2014), compreendi o híbrido narratriz dando corpopalavra a uma artista/educadora que mobiliza corporalmente questões onde quiser instaura-las. A investigação aconteceu através da vivência de três performances art provocadas pelas questões que o universo da narração oral trouxe a minha existência, costuradas às memórias de meu percurso pessoal como contadora de histórias e a pesquisas de contadoras/es de histórias brasileiras/os sobre a narração oral no mundo contemporâneo. Foi através dessas tecituras que destaquei três dos muitos fios presentes na composição com/do híbrido narratriz, em diálogo com discussões sobre corpo e performance, em teóricas/os como Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014) e Suely Rolnik (2016), bem como com o conceito de experiência em Jorge Larrosa (2014; 2018) e das relações entre performance e educação trazidas pelas vozes de Gilberto Icle (2017) e Mônica Bonatto (2017).


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  • This dissertation mapped performances as experiences of creation by a narractress, gathering for its composition the discussion of narrative body, art performance, and narrative performance (storytelling). By choosing different educational spots as performance locus, going through the concepts of artist/teacher formulated by Isabel Marques (2011; 2014) and professor-performer by Naira Ciotti (2014), I understood the hybrid narractress as providing body-word to an artist/teacher who mobilizes issues bodily anyplace she wants to. The investigation happened through the experience of three art performances provoked by the questions that the universe of oral narration brought to my existence, sewed to the memories of my personal path as a storyteller, and to the researches made by Brazilian storytellers on oral narration in the contemporary world. It was through those weavings that I highlighted three of many sewing threads present in the composition with/from the hybrid narractress, in dialogue with the discussions on body and performance: the theorists as Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014), and Suely Rolnik (2016), as the concept of performance developed by Jorge Larrosa (2014; 2018), and the relationship between performance and education brought by the voices of Gilberto Icle (2017) and Mônica Bonatto (2017).

8
  • PABLO ROBERTO VIEIRA FERREIRA
  • MANEIRAS DE COMPOSIÇÃO EM PERFORMANCE 

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCELO EDUARDO ROCCO DE GASPERI
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 11/03/2020

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  • Esta pesquisa tem como objetivo investigar maneiras de composição relacionadas a linguagem da performance. Com intuito de traçar um panorama dessas maneiras que tocam no âmbito relacional, político e/ou engajamento social, me aproprio dos escritos de artistas como pressuposto metodológico. Como forma de aproximação direta deflagrando os disparadores desses performers, busco explorar e analisar a produção de Eleonora Fabião, Tania Alice e Beatriz de Medeiros, além das minhas vivências em performance. Entre os principais teóricos utilizados destacam-se Renato Cohen, Eleonora Fabião, Guillermo Gómez-Peña, Naira Ciotti, Jorge Glusberg e Tania Alice. 


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to investigate ways of composition related to performance language. In order to draw a panorama of those ways that touch on the relational, political and / or social engagement, I appropriate the writings of artists as a methodological presupposition. As a form of direct approach to trigger the triggers of these performers, I seek to explore and analyze the production of Eleonora Fabião, Tania Alice and Beatriz de Medeiros, in addition to my experiences in performance. Among the main theorists used are Renato Cohen, Eleonora Fabião, Guillermo Gómez-Peña, Naira Ciotti, Jorge Glusberg, and Tania Alice.

9
  • RONILDO JÚNIOR FERREIRA NÓBREGA
  • Performar a prótese: corpos prostéticos e performatividades descrentes

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 12/03/2020

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  • Partindo de um entendimento de performance como ação-pensamento, esta dissertação coloca em discussão uma série de performances da descrença. Numa dinâmica que implica o corpo prostético e os processos autorreflexivos de escritura de gênero, busca-se traçar uma compreensão estética e política acerca de operações metalinguísticas da prótese em cena. Privilegiando o diálogo entre os estudos da performance e conceitos provenientes da teoria queer, cada capítulo é dedicado à leitura de obras que propõem, com particular intensidade, uma crítica ao gênero como mecanismo imposto numa complexa rede de relações econômicas, políticas e sociais. Destacando o gesto metaprostético como procedimento metacrítico da prótese sobre si mesma, argumenta-se que o corpo prostético, na iminência de tornar-se outro, não só experimenta o gênero enquanto máquina, mas se desdobra como agenciador de zonas de descrença em relação a uma tessitura de saberes que produzem identidades, práticas significantes e posições de enunciação a partir da genitalidade (cisnormatividade).


  • Mostrar Abstract
  •  

    Considering performance art as an action-thought form, this dissertation raises a discussion on of a series of performances of disbelief. In a dynamic that involves the prosthetic body and the self-reflective processes of gender inscription, this research aims to trace an aesthetical and political understanding on the effects of a metalinguistic appearance of the prosthesis on the scene. Privileging the dialogue between performance studies and concepts from queer theory, each chapter organizes an analysis of works that propose, with particular intensity, a critique of gender as a mechanism imposed in a complex network of economic, political and social relations. Highlighting the metaprosthetic gesture as a metacritic procedure of the prosthesis on itself, it is argued that the prosthetic body, on the verge of becoming another, not only experiences the genre as a machine, but unfolds itself as an agent of disbelief zones in relation to a texture of knowledge that produces identities, significant practices and enunciation positions from genitality (cisnormativity).

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  • RENÊ LUIZ JÚNIOR
  • DANÇA, RESIDÊNCIAS ARTÍSTICAS E COMPOSIÇÃO EM TEMPO REAL 

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • ROSA CRISTINA PRIMO GADELHA
  • Data: 26/06/2020

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  • As palavras que começam a ser lidas agora, apresentadas como uma dissertação performativa, se colocam aqui como uma extensão de um corpo que dança. Se colocam enquanto uma ferramenta performativa que reevoca / que rememora / que traz à tona uma vez mais os encontros, os atravessamentos e os transtravessamentos artísticos do autor. Tem-se como propósito geral inserir o leitor no contexto de uma pesquisa de movimento contínua, tornando-o experienciador e cumplice dessa jornada. Trata-se, da exacerbação rizomática de quatro processos criativos originados pela confluência entre as vivências de uma residência artística para com o diálogo desse artista com as técnicas de composição em tempo real na dança. Esses dois conceitos se apresentam como os fios condutores dessa pesquisa, mas ao mesmo tempo se relacionam com outros conceitos igualmente relevantes para a produção do artista. Para alinhavar estas movências textuais a escrita performativa de artista é o fio condutor utilizado por um artista independente com formação transdisciplinar em design, que faz uso de palavras pretas, escritas sob o fundo amarelo, em um conjunto de páginas, escritas em sua maioria, na fonte Avenir Next, tamanho dez, por vezes justificado.


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  • The words that are now being read, presented as a performative dissertation, are placed here as an extension of a dancing body. They pose themselves as a performative tool that recalls / remembers / that brings up, once again, the artist's encounters, crossings and artistic crossings. Its general purpose is to insert the reader in the context of a continuous movement research, making him an experimenter and accomplice of that journey. It is the rhizomatic exacerbation of four creative processes originated by the confluence between the experiences of an artistic residency with the dialogue of this artist with the techniques of composition in real time in dance. These two concepts are presented as the conducting threads of this research, but at the same time they are related to other concepts equally relevant to the artist's production. To tackle these textual movements, the artist's performative writing is the guiding thread used by an independent artist with a transdisciplinary background in design, who uses black words, written under the yellow background, in a set of pages, written mostly in the Avenir Next font, size ten, sometimes justified.

     

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  • JOSEANE MARIA DA SILVA
  •  A Maquiagem como Experiência Artística e Pedagógica 

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MÔNICA FERREIRA MAGALHÃES
  • Data: 04/07/2020

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  • A pesquisa aborda o estudo da maquiagem enquanto experiência artística e pedagógica com alunos do ensino fundamental II. Esse estudo tem como objetivo discutir os conhecimentos da maquiagem partindo da ideia de aparência, a fim de proporcionar reflexões sobre o conceito de imagem nas relações sociais e na construção do personagem. Busca-se com o desenvolvimento de práticas pedagógicas e estratégias metodológicas, auxiliar no processo de construção do conhecimento da maquiagem e sua percepção enquanto elemento de linguagem da cena teatral. Os diálogos estabelecidos fundamentam-se na metodologia de pesquisa-ação, considerando as questões trazidas pelos discentes, e assim, despertando o olhar crítico do sobre sua própria realidade. Dessa forma, partimos das ideias de Bourdieu e Landowski para discutir sobre a aparência e os fatores que influenciam na construção da imagem. Destarte, as discussões dos autores Magalhães, Souza e Ramos trouxeram contribuições no entendimento da maquiagem enquanto linguagem cênica, refletindo enquanto um elemento que altera a aparência de quem a usa. Trago também as ideias de Freire como norte teórico sobre a educação, entendendo a importância dialógica entre o professor e o aluno no processo de construção do conhecimento. Assim, busca-se, com a pesquisa, difundir as questões sobre o ensino de teatro por meio do ensino da maquiagem, ampliando as discussões sobre a pedagogia teatral.


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  • This research is about a makeup study as an artistic and learning experience in a secondary school. Its main objective is discussing the makeup knowledge from an idea of appearance. At the same time, it provides reflections about the concept of the image and how it interferes with social life and with character design. With the development of drama education and methodologic strategies, the work done with the students aims to assist them in the construction process of makeup knowledge, and its perception as an essential element on stage art. The dialogues are built based on the action research process. Moreover, they take into account the students' experiences and bring a thoughtful perspective about the students' lives.  That way, starting from the ideas of Bourdieu and Landowski, I discuss appearance and the factors that influence the personal image. Magalhães, Souza, and Ramos contribute with their perspective about the understanding of makeup as a stage art technology, which is an element that impacts the looks of those who wear it. In order to discuss education, based on Freire's ideas, who understands the dialogic importance between the teacher and the student in the learning process. As a result, this research strives to disseminate drama education with makeup experience, both enhancing and provoking discussions on drama pedagogy. 

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  • DALIANA MEDEIROS CAVALCANTI
  • Percursos de Formação de uma Cantora Lírica em Natal, Rio Grande do Norte

     

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • BARBARA BISCARO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 10/08/2020

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  • Essa dissertação tem como objetivo a democratização e partilha do conhecimento, através da minha trajetória, enquanto cantora lírica/de ópera, na busca não apenas de um corpo que canta, mas de um corpo que conta, se experimenta, se conhece, se conscientiza e se disponibiliza cenicamente, com o intuito de redimensionar a interpretação das músicas do repertório clássico, especialmente, a ópera. A pesquisa se destina a todas as cantoras líricas/cantores líricos, atrizes e atores e a qualquer pessoa que se interesse pelo tema corpo-voz. Essas experiências serão relatadas por meio de linguagem ensaística, inscrita numa estrutura que combine o texto acadêmico com a escrita musical da ópera, a fim de desenvolver uma polifonia entre essas linguagens e aproximar a(o) leitora/leitor dessa arte, que reúne recursos musicais e teatrais.


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  • This dissertation aims to democratize and share knowledge, through my trajectory, as a lyric/ opera singer, in the search not only for a body that sings, but for a body that counts, experiences itself, know itself, aware itself and it is available scenically, in order to resize the interpretation of the songs of the classical repertoire, especially the opera. The research is intended for all lyric singers, actresses and actors and anyone who is interested in the body-voice theme. These experiences will be reported through essay language, written in a structure that combines the academic text with the musical writing of the opera, in order to develop a polyphony between these languages and bring the reader closer to this art, that brings together musical and theatrical resources.

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  • JOSÉ BRITO DA SILVA FILHO
  • A experiência da Cia. Ortaet de Teatro do Centro-Sul cearense: percurso pedagógico e processos criativos

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • MARIA ALICE POSSANI
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 17/08/2020

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  • O presente texto trata de uma investigação e reflexão acerca do movimento de teatro de grupo no interior do estado do Ceará e em especial, as atividades artísticas e formativas da Cia Ortaet de Teatro, coletivo sediado na cidade de Iguatu/CE, no Centro-Sul cearense do qual sou um dos fundadores. A experiência do grupo apresenta alguns disparadores interessantes para se pensar como se dá a formação e a criação artística, assim como a organização e manutenção de um grupo fora dos grandes eixos econômicos do país. A pesquisa está ancorada em minha experiência prática dentro da Companhia Ortaet de Teatro e nos relatos de vários artistas e pesquisadores teóricos do estado do Ceará.


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  • This text deals with an investigation and a thought about the group theater movement in inland cities of the state of Ceará and in particular, the artistic and training activities of “Cia Ortaet de Teatro”, a collective based in the city of Iguatu/CE, in the Center-South from Ceará of which I am one of the founders. The group's experience presents some interesting triggers to think about how formation and artistic creation take place, as well as the organization and maintenance of a group outside the major economic centers of the country. The research is anchored in my practical experience within the “Companhia Ortaet de Teatro” and in the reports of several artists and theoretical researchers from the state of Ceará.

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  • EDCEU BARBOZA DE SOUZA
  • GRUPO NINHO DE TEATRO, EXPERIÊNCIA E USOS TÁTICOS NA PRODUÇÃO E NA GESTÃO EM TEATRO DE GRUPO NO CARIRI CEARENSE

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LUIZ RENATO GOMES MOURA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 27/08/2020

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  • Compondo um entendimento das práticas do Grupo Ninho de Teatro a partir de dada compreensão de experiência (LARROSA E BENJAMIN), e por meio de minha localização como sujeito e objeto desta pesquisa que tem como metodologia a História Oral (PORTELLI), elaboro uma construção que articula saber e fazer em produção e gestão teatral a partir do olhar para as práticas do teatro de grupo em diálogo com os/as autores/as Flávia Janiaski Rosyane Trotta, Samanta Cohen, Danilo Castro e outros/as. Com recorte na trajetória de doze anos do Grupo Ninho de Teatro e do espaço Casa Ninho, no município de Crato/Ceará, região do Cariri, reflito sobre os procedimentos táticos (CERTEAU) que o grupo vem praticando para manter seu projeto sócio-político-estético de grupo. Para tanto, é descortinado o cotidiano do grupo evidenciando como este encontra, no campo do teatro de grupo, formas de gestar e produzir a manutenção de seu repertório, projetos e sede artística, nesse campo de estudos me aproximo dos autores Romulo Avellar, Teixeira Coelho, Maria Helena Cunha. Assim, o objeto dessa pesquisa se centra no teatro de grupo a partir do Grupo Ninho de Teatro, e seu modo de produzir e gerir. O objetivo dessa pesquisa é contribuir, a partir de dado recorte, para o registro de métodos e modos de fazer produção e gestão de um projeto de grupo considerando suas próprias táticas. Busco ainda colaborar para os estudos contemporâneos da história do teatro no Ceará.


  • Mostrar Abstract
  • Composing an understanding of the practices of Grupo Ninho de Teatro, based on a certain understanding of experience (LARROSA AND BENJAMIN), and through my location as the subject and object of this research, which uses Oral History as methodology (PORTELLI), I elaborate a construction which articulates knowledge and doing in production and theatrical management, from the perspective of group theater practices in dialogue with the authors Flávia Janiaski, Rosyane Trotta, Samanta Cohen, Danilo Castro and others. Based on the twelve-year trajectory of the Ninho de Teatro Group and the Casa Ninho space, in the city of Crato / Ceará, Cariri region, I reflect on the tactical procedures (CERTEAU) that the group has been practicing to maintain their group's socio-political-aesthetic project. For that, the group's daily life is revealed, showing how the group finds ways to manage and produce the maintenance of its repertoire, projects and artistic headquarters in the field of group theater. In this field of studies, I approach the authors Romulo Avellar, Teixeira Coelho, Maria Helena Cunha. Therefore, the object of this research focuses on group theater based on the Ninho de Teatro Group and its way of producing and managing. The objective of this research is to contribute, from a given point of view, to the registration of methods and ways of producing and managing a group project considering its own tactics. I also seek to collaborate for contemporary studies of the history of theater in Ceará.

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  • MARCIO FIGUEIREDO DE SÁ LEITÃO
  • CIRCO-DANÇA: UMA VISÃO SOBRE O HIBRIDISMO ENTRE O CIRCO E A DANÇA A PARTIR DA EXPERIÊNCIA NA RODA CYR

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • LETÍCIA DAMASCENO BARRETO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • Data: 16/12/2020

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  • Essa dissertação visa pesquisar em uma abordagem transdisciplinar como a dança e o circo se modificam quando trabalham juntos, a partir da utilização do aparelho circense chamado roda cyr. O circo surge como cultura popular, repositório de crendices, mitos, representações consideradas, até então, grotescas e linguagens espontâneas, sem o rigor necessário para se chegar ao padrão artístico, muito distante ainda da perfeição do Belo, ideal este predito pela cultura clássica. A arte e os artistas circenses são reconhecidos por apresentarem uma miscigenação com várias outras linguagens artísticas, incluindo a Dança, que por sua vez é utilizada como um elemento de coesão e diversão na construção dos espetáculos e números circenses. Pode-se afirmar que existem processos de criação, em espetáculos do circo contemporâneo, que entrecruzam o circo e a dança, surgindo assim uma possível nova linguagem. As duas artes têm o corpo e o movimento como elementos essenciais em comum. A partir da reflexão do papel do corpo nos processos hibridizados pelas duas áreas e pensando nas possibilidades de movimentações com o aparelho utilizado, está sendo possível ampliar o horizonte de reflexões teóricas e metodológicas presentes na interface do fazer cênico com outras linguagens artísticas. Com um caráter qualitativo, a partir de um relato de experiência e além da pesquisa bibliográfica, no trabalho estão sendo utilizadas como fontes de coletas de dados as seguintes ações: pesquisa documental e entrevistas semiestruturadas, com roteiro semidefinido, relacionando com minha experiência artística.

     


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation aims to research in a transdisciplinary approach how dance and circus change when they work together, using a circus device called the cyr wheel. The circus emerges as popular culture, a repository of beliefs, myths, representations considered, until then, grotesque and spontaneous languages, without the necessary rigor to reach the artistic standard, still far from the perfection of the Beautiful, an ideal predicted by classical culture. Circus art and artists are recognized for their miscegenation with several other artistic languages, including dance, which in turn is used as an element of cohesion and entertainment in the construction of circus shows and numbers. It can be said that there are creative processes, in contemporary circus shows, that intertwine circus and dance, thus emerging a possible new language. The two arts have the body and movement as essential elements in common. From reflecting on the role of the body in the processes hybridized by the two areas and thinking about the possibilities of movement with the device used, it is possible to expand the horizon of theoretical and methodological reflections present in the interface of scenic making with other artistic languages. With a qualitative character, from an experience report and in addition to bibliographic research, the following actions are being used as sources of data collection: documentary research and semi-structured interviews, with a semi-defined script, relating to my artistic experience.

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  • LEILA BEZERRA DE OLIVEIRA
  • Gira Coral: A Dança do Sagrado Feminino como manifestação da Dança no Jogo da Construção Poética

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA ELEONORA MONTENEGRO DE SOUZA
  • Data: 16/12/2020

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  • O presente trabalho busca imergir no universo da Dança do Sagrado Feminino como manifestação da Dança no Jogo da Construção Poética. Os textos abordam impressões vividas pela artista e autora dessa dissertação, sobre a trajetória desse mergulho no que há de mais íntimo em seu corpo e suas descobertas ao propor um retorno ao templo interno, às raízes, à natureza selvagem, ao coração. Em suas essências é uma pesquisa de vivências que imergem em danças, ritos e rituais de mulheres. Por meio de laboratórios práticos, com procedimentos metodológicos de poéticas pessoais do corpo, dar-se vida a um processo de criação artística ritualística imersa em danças. Um processo de descoberta e afloramento. Uma provocação aos impulsos que vêm de dentro.


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  • The present work seeks to immerse in the universe of Feminine Sacred Dance as a manifestation of the Dance in the Play of Poetic Construction. The texts address impressions lived by the artist and author of this dissertation about a trajectory of this dive that is no longer intimate in his body and his discoveries by proposing a return to inner temple, such as the variations of archives, a wild nature, to the heart. In its essences is a research of experiences that arise in dances, rites and rituals of women. Through practical laboratories with methodological procedures of personal poetics of the body, bring to life a process of ritualistic artistic creation immerserd in dances. A process of discovery and flowering. A taunt to impulses from within.

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  • LÍVIA CAMILLE MACIEL DE OLIVEIRA
  • A DANÇA-JOGO COMO POSSIBILIDADE NO ENSINO DA DANÇA

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA ROMANO DE ANDRADE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 18/12/2020

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  • Este trabalho é uma pesquisa qualitativa que teve como objetivos: refletir sobre a prática da dança-jogo como possibilidade de ensino da dança; como fazer uma aula de dança em que os alunos se motivassem a participar e investigar outras possibilidades do ensino da dança. A pesquisa abrangeu a experimentação de aulas desenvolvidas com alunos dos quintos anos da Escola Municipal Deputado Erivan França, discentes na disciplina de mestrado “Poéticas e Estéticas Descoloniais” do Programa de PósGraduação em Artes Cênicas da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN) e graduandos na disciplina de Licenciatura em Dança da UFRN “Dança e Educação”. Para isso, as pesquisas de alguns autores da área de dança educação são consideradas com o intuito de reflexão, como Carolina Andrade e Kathya Godoy (2018), Teodora Alves (2019), Márcia Strazzacappa (2001), Karenine Porpino (2006) e Lara Machado (2017). Percebeu-se que os alunos da escola lócus da pesquisa em fase inicial participavam ativamente de jogos propostos em sala de aula que envolviam movimentação corporal, mas não dançavam. Nesse sentido, esse estudo desenvolveu o termo dança-jogo com o intuito de transformar o jogo em uma proposta de dança. É necessário considerar que essa pesquisa deixa em aberto a possibilidade de novos desdobramentos desse termo através de novas experimentações em seus diversos espaços, como sala de aula, quadra esportiva, laboratórios de criação, praças, ruas e onde mais for possível ser realizada.


  • Mostrar Abstract
  • This work is a qualitative research whose objectives were: to reflect on the practice of dance-game as a possibility of teaching dance; how to take a dance class in which students are motivated to participate and investigate other possibilities of dance teaching. The research covers classes with students of the fifth grade of the Deputado Erivan França Public School, students in the class “Poetics and Decolonial Aesthetics of the Graduate Program in Performing Arts at the Federal University of Rio Grande do Norte (UFRN) and Dance undergraduate students in the class "Dance and Education". For this, the researches of some authors in the field of dance education are brought with the intention of reflection, such as Carolina Andrade and Kathya Godoy (2018), Teodora Alves (2019), Márcia Strazzacappa (2001), Karenine Porpino (2006) and Lara Machado (2017). It was noticed that the students of the Public School actively participated in the games proposed in the classroom that involved body movement, but did not dance. In this sense, this study developed the term dance-game in order to transform the game into a dance proposal. It is necessary to consider that this research leaves open the possibility of new developments of this term through new experiments in its various spaces, such as the classroom, sports court, creative laboratories, squares, streets and where else it can be done.

2019
Dissertações
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  • RITA TATIANA GUALBERTO DE ALMEIDA
  • Performances desobedientes Compartilhadas Com Crianças: Diário do Professor-Performer

     

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • GLÁUCIO MACHADO SANTOS
  • Data: 14/02/2019

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  • Este trabalho configura-se como um diário sobre compartilhamento de performances desobedientes com crianças de São Paulo (SP), Cunha (SP), Recife (PE), Natal (RN) e Nova Olinda (CE). Para tanto se utiliza de uma linguagem que busca compartilhar com o leitor o processo de criação junto às crianças utilizando o método cartográfico (KASTRUP, 2015). O ponto de partida para compreender as crianças está conectado a conceitos oriundos da sociologia (SARMENTO, 2002) e da antropologia da criança (COHN, 2005), nos quais ela é compreendida como protagonista do seu meio cultural. O processo artístico em constante transformação tem como base para construção de pensamento o ato do brincar como performance a partir dos estudos da performance (SCHECHNER, 2003) e do Work in Process (COHEN, 2004), buscando refletir sobre a figura do professor-performer (CIOTTI, 2014) como um agente disparador de propostas e a cena performativa. Para discutir o compartilhamento de ações, a pesquisa apresenta estudos sobre a Arte Participante e Virada Pedagógica na arte (BISHOP, 2012) e a Transpedagogia e Arte Social Engajada (HELGUERA, 2011). Foi verificado neste estudo que as performances desobedientes criam espaços de livre expressão como possibilidade de diálogo para repensar processos artísticos e pedagógicos, e para refletir sobre estas questões, relaciona os estudos das pesquisadoras e feministas negras como RIBEIRO (2017), BERTH (2018), HOOKS (2013), os estudos sobre a caça as bruxas (FEDERICI,2017), a perspectiva sobre infância e compartilhamento dos povos originário através de KRENAK (2018), a ideia de Cultura Matrística (VERDEN-ZOLLER;MATURANA,2015) e a contribuição de pensamento sobre a desconstrução da colonialidade (QUIJANO,2009) para que possamos rever conceitos acerca de políticas para a infância, a partir de pontos de vistas que estão próximos a formação da cultura Latino Americana.


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  • This work is set up as a journal about sharing disobedient performances with children from São Paulo (SP), Cunha (SP), Recife (PE), Natal (RN) and Nova Olinda (CE). For this, a language is used that seeks to share with the reader the process of creation with the children using the cartographic method (KASTRUP, 2015). The starting point for understanding children is connected to concepts from sociology (SARMENTO, 2002) and child anthropology (COHN, 2005), in which they are understood as protagonists of their cultural environment. The art process in constant transformation is based on the construction of thought the act of playing as a performance based on performance studies (SCHECHNER, 2003) and Work in Process (COHEN, 2004), seeking to reflect on the figure of the teacher-performer (CIOTTI, 2014) as a proposal triggering agent and performative scene. To discuss the sharing of actions, the research presents studies on Participatory Art and Pedagogical Turn in Art (BISHOP, 2012) and Transpedagogy and Engaged Social Art (HELGUERA, 2011). It was verified in this study that disobedient performances create spaces of free expression as a possibility of dialogue to rethink artistic and pedagogical processes, and to reflect on these issues, relates the studies of black feminists and researchers such as Riberiro (2017), Bert (2018), HOOKS (2013), studies on witch-hunts (FEDERICI, 2017), the perspective on childhood and sharing of the original peoples through KRENAK (2018), the idea of matrística culture (Verden-Zoller, Maturana, 2015) and contribution of thought on the deconstruction of coloniality (QUIJANO, 2009) so that we can review concepts about policies for childhood, from points of view that are close to the formation of Latin American culture.

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  • VICENTE MARTOS MOREIRA
  • Pesquisa-Casa: Táticas Analíticas sobre Performances Invisíveis

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 21/02/2019

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  • Esta pesquisa-casa tem como referência poética a Casa Amarela, de Vincent Van Gogh, e trata-se de um exercício de escrita em residência. Nos situamos no campo da Performance para perseguir um relato de experiência partir do deslocamento São Paulo/SP - Natal/RN. Na primeira parte – Pesquisa-Casa, abordamos a noção de casa em uma perspectiva ampliada, tornando visíveis as subjetividades no processo de habitar, bem como suas relações com o processo criativo. Na segunda parte – Táticas Analíticas, revisitamos as caixas de objetos e as experiências de moradas passadas. Visitamos as residências, os trabalhos antigos, exposições e projetos dos quais participei. Na terceira parte, Performances invisíveis, evocamos os arquivos, fazendo exercícios de curadoria. Tratamos dos processos de Expulsão e Apagamento, e também algumas diferentes visões do conceito de Afeto. Alguns processos criativos e produtos estéticos foram produzidos ao longo da pesquisa. Como produto artístico apresentamos a instalação de mesmo título da pesquisa, no LABPerformance UFRN/DEART.


  • Mostrar Abstract
  • This house-research has The Yellow House, by Vincent Van Gogh, as poetic reference, and it is a writing exercise in residence. We are located in the field of Performance to pursue an experience report about the displacement São Paulo / SP - Natal / RN. In the first part - House-research, we approach the notion of house in an extended perspective, making visible the subjectivities in the process of dwelling, as well as its relations with the art creative process. In the second part - Analytical Tactics, we revisit the boxes of objects and the experiences of past addresses. We visited the residences, the old works, exhibitions and projects of which I participated. In the third part, Invisible Performances, we evoke the archives by doing curative exercises, dealing with the processes of Expulsion and Erasure, and also some different views of the concept of Affection. Some creative processes and aesthetic products were produced throughout the research. As an artistic product we present the performing installation LABPerformance UFRN / DEART.

3
  • ALLAN PHYLLIPE GOMES CASSEMIRO DE ARAÚJO
  • Entre a dor e o amor: A excitação do corpo sensível, as memórias e os afetos nos processos de criação cênica.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LÍGIA LOSADA TOURINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 25/02/2019

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  • O presente trabalho apresenta uma reflexão acerca da excitação do corpo sensível que foi desenvolvida dentro do Grupo Arkhétypos e estudada no decorrer do meu Trabalho de Conclusão de Curso de Licenciatura em Teatro (2015) na Universidade Federal do Rio Grande do Norte.  O corpo sensível, que busco conceituar, é aquele em que a abertura para a troca com o outro se torna plena, despertando afetos e reacendendo memórias. Tal estudo se pauta no conceito proposto por Francisco Duarte Junior (2001) do sensível, que remete aos sentimentos e emoções adquiridos no decorrer de nossas histórias e encontros. A pesquisa aborda também o conceito de Memória defendido por Bergson e de afetos e sua interpessoalidade – afetar e ser afetado – trabalhado por Spinosa. O estudo sobre esta excitação deste corpo sensível é realizado a partir do meu trabalho de intérprete-criador dentro do processo de criação do espetáculo Gosto de Flor, um trabalho cênico que situa-se entre a Dança e o Teatro e que aborda a temática do amor dentro da perspectiva do universo masculino/homoafetivo. O espetáculo contou com a direção de Lara Machado e foi desenvolvido no ano de 2017 pelo Grupo Arkhétypos. Analisando o processo de criação pude constatar que este despertou memórias em meu corpo e produziu afecções que me fizeram resignficar a dor e reconhecê-la como potência para a criação cênica. No decorrer do trabalho eu me doo, me entrego e exponho minhas memórias a partir de uma discussão de gênero decorrente do processo criativo, e finalizado o trabalho concluindo que o corpo sensível também tem uma dimensão política.


  • Mostrar Abstract
  • The present work presents a reflection about the excitation of the sensitive body that was developed within the Arkhétypos Group and studied during my Work of Completion of Degree in Theater (2015) at the Federal University of Rio Grande do Norte. The sensible body, which I seek to conceptualize, is the one in which openness to exchange with the other becomes full, arousing affections and rekindling memories. This study is based on the concept proposed by Francisco Duarte Junior (2001) of the sensible, which refers to the feelings and emotions acquired in the course of our stories and encounters. The research also addresses the concept of Memory advocated by Bergson and affections and their interpersonality - affect and be affected - worked by Spinosa. The study of this excitement of this sensitive body is carried out through my work as an interpreter-creator within the process of creating the show Gosto de Flor, a scenic work that sits between Dance and Theater and that approaches the theme of love within the perspective of the masculine / homoaffective universe. The show was directed by Lara Machado and was developed in the year 2017 by the Arkhétypos Group. Analyzing the process of creation I could see that it awakened memories in my body and produced affections that made me resignify the pain and recognize it as a power for the scenic creation. In the course of the work I give myself, surrender and expose my memories from a discussion of gender resulting from the creative process, and finalizing the work concluding that the sensitive body also has a political dimension.

4
  • HIKEL BRAUWN RIBEIRO DE MORAIS
  • A ARTE DOS MÁGICOS: CORPO, PERFORMATIVIDADE E ENGANAÇÃO

     

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 27/02/2019

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  • Esta pesquisa é um estudo experimental sobre a arte dos mágicos. Analisamos e discutimos alguns dos processos criativos desencadeantes utilizados por esses artistas como elementos técnicos que promovem a ilusão, formas de fazer e agir e o universo subjetivo do artista. Estabelecemos relações com as artes cênicas, os livros de referência e as anotações de palestras de mágicos, diluindo fronteiras epistêmicas. Três elementos pontuam esta investigação: o corpo do performer, a performatividade e a natureza de sua arte. Entrevistas e relatos de experiências foram analisados nesta pesquisa, considerando também o próprio processo artístico do pesquisador. A discussão teórica propõe diálogos com autores das artes cênicas, performance teatral e performativa, abordando os aspectos práticos e teóricos relacionados à formação de mágicos.


  • Mostrar Abstract
  • This research is an experimental study on the art of magicians. We analyze and discuss some of the creative processes triggered by these artists as technical elements that promote the illusion, ways of doing and acting and the subjective universe of the artist. We established relationships with the performing arts, reference books and magician lecture notes, diluting epistemic boundaries. Three elements punctuate this investigation: the body of the performer, the performativity and the nature of its art. Interviews and reports of experiences were analyzed in this research, also considering the artist's own artistic process. The theoretical discussion proposes dialogues with authors of the performing arts, theatrical and performative performance, addressing the practical and theoretical aspects related to the formation of magicians.

5
  • NADJA ROSSANA LOPES DE SOUSA
  • A.M.E. – Arte, Método e Espiritualidade: Processos de Criação Cênica Inspirados pela Educação em Valores Humanos

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ESTHER FRAGOSO FERNÁNDEZ
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 28/02/2019

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  • A inquietação de transformar-me e o desejo de estimular as pessoas para que elas possam descobrir seu caminho de transformação foi o que me moveu nessa pesquisa. O teatro se mostra para mim como um espaço propício e fértil que me permite vislumbrar essas possibilidades, mesmo diante de uma sociedade que vive uma crise ética, do não exercício dos valores humanos e o isolamento social. A sociedade que tem sede e necessidade da criatividade. Assim, esta investigação propõe identificar os elos entre a Educação em Valores Humanos (EVH) criado por Sathya Sai Baba, e o Teatro, a partir da Dramaturgia dos Encontros (o eu, o outro, a plateia) e da Poética dos Elementos (Ar, Terra, Água, Fogo, Éter) desenvolvida por Robson Haderchpek, tendo como pano de fundo o pensamento complexo de Edgar Morin. Toda a investigação tem como fio condutor o modelo da criatividade quântica e parte da premissa da consciênciaproposta por Amit Goswani. Para propor essas conexões metodológicas, foi preciso antes refletir e descrever o sentindo do corpo e sua implicação no processo criativo, o que me levou à denominação e à percepção de que a cada instante lidamos com um corpus. Para desmistificar, esta pesquisa fala de conhecimentos que nos acompanham desde a ancestralidade até os dias atuais, por isso divagamos em tempos diferentes, costuramos fatos e dialogamos conhecimentos da sociedade que mostram algumas dimensões que contemplam e constituem no despertar nos Valores Humanos em cada um de nós. Como resultado prático desta pesquisa nós temos o experimento cênico Em Terra Ser que é analisado sob a perspectiva do método Educare e que faz paralelos entre os processos de criação cênica e Educação em Valores Humanos.


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  • The anxiety of transforming myself and the desire to stimulate people so that they can discover their path of transformation was what moved me in this research. The theater shows itself to me as a propitious and fertile space that allows me to glimpse these possibilities, even in the face of a society that is experiencing an ethical crisis, not exercising human values and social isolation. The society that has thirst and need for creativity. Thus, this research proposes to identify the links between Education in Human Values (EVH) created by Sathya Sai Baba, and the Theater, from the Dramaturgy of Meetings (the self, the other, the audience) and the Poetics of the Elements , Earth, Water, Fire, Ether) developed by Robson Haderchpek, against the background of the complex thinking of Edgar Morin. All research has as its guiding principle the model of quantum creativity and part of the premise of consciousness proposed by Amit Goswani. In order to propose these methodological connections, it was necessary first to reflect and describe the feeling of the body and its implication in the creative process, which led me to the denomination and the perception that at every instant we deal with a corpus. In order to demystify, this research speaks of knowledge that accompanies us from ancestry to the present day, so we digress in different times, sew facts and dialogue knowledge of society that show some dimensions that contemplate and constitute in awakening in Human Values in each of we. As a practical result of this research we have the scenic experiment In Earth Being that is analyzed from the perspective of the Educare method and that parallels the processes of scenic creation and Education in Human Values.

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  • JOÃO VITOR FERREIRA NUNES
  • A Força e a Chuva Feminina em um Sertão bem masculino: imersão performática nos ritos de passagem de Bia Mulato pela Mitodologia em Arte

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 01/03/2019

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  • Ao redor do mundo, enquanto pesquisadoras buscavam respostas sobre os fenômenos que há no universo exterior, Carl Gustav Jung (1984a; 2000b; 2012c; 2013d), psiquiatra suíço, realizava uma pesquisa inversa, questionando-se acerca dos fenômenos em nosso interior. Jung dedicou parte de sua vida a esta pesquisa, descobrindo que no interior masculino há uma dimensão do feminino em contínua retroalimentação. Para nomear essa dimensão feminina, apropriou-se da palavra Ânima, que se pode traduzir por Alma e é oriunda do latim. Segundo Jung, para além da instância religiosa que a palavra evoca; a ânima: alma, nada mais é do que as imagens arquetípicas do eterno Feminino, tanto no inconsciente como na conscientização de todos os homens. Integrado a esta proposição junguiana, reconhecendo e valorizando a minha feminilidade, como pesquisadora, desde 2013, inaugurei uma busca por processos de criação nas artes da cena que tivessem como mote a provocação desta dimensão anímica em mim, na intenção de desancorar as figuras femininas que se encontrem em meu interior. Ao longo de investigações corporais, por cerca de três anos, no contexto da graduação em Teatro da UFRN, desemboquei na figura da minha avó materna, Bibiana Maria da Conceição, conhecida como Bia Mulato. Pois é justamente a figura da cabocla Bia, cuja história de luta e resistência remonta significativos ritos de passagem (GENNEP, 2011), em episódios de violência, prostituição e busca de liberdade, que vai conduzir este trabalho dissertativo. Estimulada em laboratórios de criação pela Mitodologia em Arte (2011a; 2014b; 2015c); um complexo de procedimentos de criação de cunho ritualísticos e míticos desenvolvidos pela Profa. Dra. Luciana Lyra, adentrei em experiências corporais que vem destampando impulsos anímicos, os quais me afinam com minha avó, na provocação de um lugar de escuta entre gerações, que, a um só tempo, desemboca no fenômeno da fala pela via da cena.


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  • While several researches around the world were seeking answers to the phenomena that occur in outer universe, the swiss psychologist Carl Gustav Jung (1984a, 2000c, 2012, 2013d) was conducting a research towards the opposite direction, rising questions about the phenomena in our inner self. Jung, who dedicated part of his life to this research, concluded that in the inner masculine subject there is a feminine dimension that remains in a continuous feedback. This feminine dimension was named Anima, a term of latin origin that means Soul. According to Jung, besides the religious connotation of the word, anima/soul also represents the archetypal images of the eternal feminine dimension, both in the unconscious and conscious mind of all men. Following this Jungian proposition and recognizing and valuing my femininity, as a researcher, since 2013 I have started searching for creative processes in performing arts that have as motto the provocation of the soul dimension in me, in order to release the feminine figures that are in my inner self. Over several processes of corporal investigation in the course of three years, during my graduation in performing arts at UFRN, I have reached to the figure of my maternal grandmother, Bibiana Maria da Conceição, known as Bia Mulato. In this regard, this study was conducted through the figure of cabocla Bia, whose history of struggle and resistance recreates significant rites of passage (GENNEP, 2011) in episodes of violence, prostitution and the search for freedom. During a series of ritualistic and mythical creation procedures that were fostered in laboratories of creation through Mythodology in arts (2011a; 2014b; 2015c) and developed by Profa. Dr. Luciana Lyra, I have entered into corporal experiences that have been unraveling my soul's impulses, which brought me closer to the figure of my grandmother, in pursuit of a space for hearing between generations, which, at the same time, leads to the speech through the scene.

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  • RODRIGO CUNHA SANTOS
  • Coletivo de Teatro Bárbara Idade: engendramentos feministas na cena da mulher senescente

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • RENATA PIMENTEL TEIXEIRA
  • Data: 01/03/2019

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  • Este trabalho dissertativo lança um olhar acerca dos aspectos pedagógicos e cênicos desenvolvidos com o Coletivo de Teatro Bárbara Idade, um grupo de alunas e alunos idosos, aqui nomeadas de senescentes (em estado de envelhecimento), e formado a partir dos cursos de teatro para terceira idade do SESC SANTO AMARO/PE. Tomando como base de investigação os processos de criação e os espetáculos do coletivo desde 2005, acercamos os trânsitos do grupo no que se refere ao hibridismo de linguagens entre teatro, literatura, artes visuais e performance, em especial, a presença de histórias pessoais na cena, dialogando com os caminhos de criação das artistas-pesquisadoras: Luciana Lyra (2011, 2013, 2015), Emanuella de Jesus(2016) e Vivi Téllas (apud DOURADO, 2017). Neste trama entre cena e pedagogias de criação, desembocamos em uma abordagem feminista ao palco entrecruzando olhares com Márcia Tiburi (2018), Djamila Ribeiro (2017), Chimamanda Adíchie (2016) e Margaretn Rago (1998).


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation takes a look at the pedagogical and scenic aspects developed with the Coletivo de Teatro Bárbara Idade, a group of elderly students, here named senescente (in a state of aging), and formed from the theater courses for third age of SESC SANTO AMARO / PE. Based on research on the creation processes and the collective shows since 2005, we have approached the transits of the group regarding the hybridism of languages between theater, literature, visual arts and performance, especially the presence of personal stories in the scene , dialoguing with the creative ways of the artists-researchers: Luciana Lyra (2011, 2013, 2015), Emanuel de Jesus (2016) and Vivi Téllas (apud DOURADO, 2017). In this plot between the scene and creative pedagogies, we end up with a feminist approach to the stage intersecting with Márcia Tiburi (2018), Djamila Ribeiro (2017), Chimamanda Adíchie (2016) and Margaretn Rago (1998).

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  • GEORGE ROCHA HOLANDA
  • A autodireção como experiência criativa do ator

  • Orientador : ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 01/03/2019

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  • Esta pesquisa tem como objeto a autodireção num trabalho solo. O estudo parte de processos criativos para investigar modos de se dirigir, o enfoque no papel do ator e do diretor, e a dinâmica de quem cria ocupando ao mesmo tempo a direção e a atuação. O trabalho também analisa a posição do performer quanto à sua autonomia criativa, a relação do teatro de grupo e a criação do palhaço. Foram realizadas entrevistas com quatro atores-diretores que passaram pela recente experiência da autodireção: Georgette Fadel (SP), Nena Inoue (PR), Matteo Bonfitto (SP) e Michel Melamed (RJ). As entrevistas foram utilizadas para a análise dos modos de autodireção e delas foram extraídos pontos de discussão sobre o tema. Serve de base teórica para o trabalho as obras de autores como Anne Bogart (2011), Peter Brook (2002), Antônio Araújo (2011) e David Mamet (2014), Matteo Bonfitto (2002 e 2013), Cassiano Sidow Quilici (2015), Sophie Proust (2006), Fayga Ostrower (2014) entre outros. Destaque-se ainda para a utilização do método cartográfico - em face da intervenção do pesquisador no processo e daquele investigar a autodireção durante uma experiência de criação -, e a escrita por meio de ensaios.

     


  • Mostrar Abstract
  • This research aims the self-direction in a solo work. The study had parted of creative processes that investigates ways to direct, the work of acting and directing and the dynamics of those who create occupying the places of actor and director at the same time. In addition, the work also examines the performer's position on his creative autonomy, the theater groups and the creative process of the clown. It was interviewed four actors-directors who have been through the experience of self-directing recently: Georgette Fadel (SP), Nena Inoue (PR), Matteo Bonfitto (SP) and Michel Melamed (RJ). The interviews were used for the analysis of the forms of self-direction and, from them, it was extracted points of discussion of the subject. The work of Anne Bogart (2011), Peter Brook (2002), Antônio Araújo (2011) e David Mamet (2014), Matteo Bonfitto (2002 e 2013), Cassiano Sidow Quilici (2015), Sophie Proust (2006), Fayga Ostrower (2014) and many others, serves as a theoretical basis for the work. This research also uses the cartographic method - because the intervention of the researcher in the process and this researcher investigate the selfdirection in a creation experiment - and the writting in the form of esays.

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  • MONIQUE LUCA MARITAN
  • Caboclas de lança e flor na boca - Experiência artetnográfica na cena das mulheres do Maracatu Coração Nazareno-PE

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 01/03/2019

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  • Esse trabalho dissertativo busca analisar a cena e as relações de gênero do Maracatu Rural, expressão artística presente majoritariamente no município de Nazaré da Mata – Pernambuco, com foco no grupo de mulheres, intitulado Maracatu Coração Nazareno (2004). A dissertação traz à tona os aspectos das dimensões estéticas (cena, personagens/figuras, figurinos, máscaras, música, dança, textualidades), que definem o Maracatu Rural como ‘Brincadeira’. O trabalho abrange também as dimensões dos aspectos ritualísticos presentes no Maracatu Rural, acerca dos elementos rituais e sagrados na cena performática. Na discussão de gênero, busca analisar e compreender os lugares ocupados pelas mulheres do grupo e as consequentes ressignificações das relações que envolvem gênero e poder, provocadas, em especial, pela performance da Cabocla de Lança, uma releitura do caboclo de lança, figura fundamental do Brinquedo, de tradição masculina e patriarcal. Por meio do trabalho de campo, buscou-se compreender quais esferas são alcançadas por essa transgressão e ressignificação proposta pela tomada e ocupação das mulheres nesses novos espaços e renovados cargos dentro da tradição. O caminho metodológico utilizado na investigação em campo foi a Artetnografia, que sugere que o encontro entre artistas e contextos de alteridade se configure como um contato intenso e subjetivo, no intuito de chegar à complexidade das estruturas e organizações dos símbolos que habitam as estruturas sociais relacionais e seus corpos.


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  • This dissertation seeks to analyze the scene and the gender relations of the Maracatu Rural, an artistic expression present mainly in the municipality of Nazaré da Mata - Pernambuco, with a focus on the women group, entitled Maracatu Coração Nazareno (2004). The dissertation brings to light the aspects of aesthetic dimensions (scene, characters / figures, costumes, masks, music, dance, textualities), which define the Maracatu Rural as 'Joke'. The work also covers the dimensions of the ritualistic aspects present in the Rural Maracatu, about the ritual and sacred elements in the performance scene. In the discussion of gender, it seeks to analyze and understand the places occupied by the women of the group and the consequential re-significances of the relationships involving gender and power, caused in particular by the performance of Cabocla de Lança, a retelling of the spear caboclo, a fundamental figure of the Toy, of masculine and patriarchal tradition. Through fieldwork, we sought to understand what spheres are reached by this transgression and resignification proposed by the taking and occupation of women in these new spaces and renewed positions within the tradition. The methodological path used in the field research was Artetnography, which suggests that the encounter between artists and contexts of alterity is configured as an intense and subjective contact, in order to reach the complexity of the structures and organizations of the symbols that inhabit relational social structures and their bodies.

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  • MATHEUS GIANNINI CALDAS DANTAS
  • NARRATIVAS AUTOBIOGRÁFICAS: UMA PROPOSTA DIALÓGICA PARA O ENSINO DE TEATRO


  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CHARLITON JOSE DOS SANTOS MACHADO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 07/03/2019

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  • A presente pesquisa parte da necessidade de problematizar um planejamento pedagógico para o Ensino de Teatro, numa perspectiva dialógica, a partir de uma idéia de ampliação dos conteúdos e práticas de ensino. Investigar a inserção nesse campo de trabalho das Narrativas Autobiográficas enquanto uma forma de repensar o próprio percurso, de estabelecer relações entre esse percurso pessoal e familiar e questões sociais, econômicas, políticas e culturais mais amplas, de trazer à tona a importância da memória. O desenho investigativo que se apresenta a partir da pesquisa qualitativa nos conduziu a pensar uma abordagem metodológica que não expusesse apenas o diálogo freireanoe sua relação com o Ensino de Teatro, através das Narrativas Autobiográficas como fundamento para a realização da pesquisa. Mas de certo modo, foi preciso compreender a realidade do aluno, para elaboração dos planos de aulas que proporcionassem a construção de conhecimento e ampliassem a visão sobre teatro; que não seria apenas de descrever uma prática, de estudar um caso, mas de dialogar com os sujeitos e construir a pesquisa junto a eles através da pesquisa ação. Neste sentido, buscamos focalizar nas situações específicas do cotidiano da Escola Estadual em Tempo Integral Ambulatório Cardeal Câmara, situada no município de Mossoró, RN, durante as aulas de Artes nas turmas dos 4º e 5º anos, a partir de um mergulho sobre o projeto “Minhas Narrativas”.A pesquisa está delineada detalhando uma descrição do lócus associando-o aos princípios freireanos durante a proposta pedagógica, discutindo o que é autobiografia e descrevendo sua proposta metodológica, Além da apresentação da execução do projeto através de uma construção dialógica do ensino de Teatro, utilizando a preparação corporal para iniciação das narrativas autobiográficas e Jogos para a construção cênica do espetáculo de cada turma. Além de analisar as dificuldades, facilidades, e o que mudou em relação ao ensino e a aprendizagem em Teatro.


  • Mostrar Abstract
  • The present research starts from the need to problematize a pedagogical plan for Theater Teaching, from a dialogical perspective, based on an idea of expanding the contents and practices of this teaching, and investigating the insertion in this field of Autobiographical Narratives as a form of to rethink their own course, to establish relationships between this personal and family journey and wider social, economic, political and cultural issues, to bring to the fore the importance of memory. The research design that presents itself from the Qualitative research led us to think a methodological approach that not only exposed the Freirean dialogue and its relation with Theater Teaching through the Autobiographical Narratives as basis for the realization of the research. In this way, it was necessary to understand the reality of the student, to elaborate the lesson plans that would provide the construction of knowledge and broaden the vision and the theater; which would not only describe a practice, to study a case, but to dialogue with the subjects and build the research along with them through action research.In this sense, seeking to focus on the specific situations in the daily life of the Escola Estadual em Tempo Integral Ambulatório Cardeal Câmara, located in the city of Mossoró, RN,during the classes of Arts in the classes of the 4th and 5th years, from a dive on the project " My Narratives ".The research is outlined detailing a description of the locus associating with the Freirean principles during the pedagogical proposal, discussing what is autobiography and describing its methodological proposal; besides the presentation of the project execution through a dialogical construction of Theater teaching, using the body preparation for initiation of the autobiographical narratives and Games for the scenic construction of the spectacle. In addition to analyzing the difficulties, facilities, and what has changed in relation to teaching and learning in Theater.

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  • STEPHANE LOUISE DE VASCONCELOS DAMACENA
  • REFLEXÕES ACERCA DE UMA DRAMATURGIA DA “CARA PINTADA”

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • ADRIANA VAZ RAMOS
  • Data: 22/03/2019

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  • As reflexões que fazemos em torno de uma dramaturgia da “cara pintada” assentam-se na área das Artes Cênicas, como um estudo teatral alinhado à perspectiva de um teatro que compreenda a imagem e o corpo para além do entendimento que tivemos na modernidade, ou seja, compreendemos o corpo como percepção e sentido e a imagem, como um dispositivo e uma presença. Para tanto, fazemos uso da percepção, aos moldes da fenomenologia (Merleau-Ponty, 1996); da experiência como método de produção de conhecimento (Larossa, 2002) e da dramaturgia como tessitura da teatralidade (Pavis, 1999; 2003; 2017), a partir de uma semiologia (Barthes, 1987; 2007) do mundo contemporâneo. Isso, porque reconhecemos a “pintura da cara” como um fenômeno que está para além da compreensão da maquiagem enquanto tecnologia de cena ou aparato visual ou técnica cenográfica ou, mesmo, estética da composição plástica da personagem. O presente trabalho considera a “cara pintada” um dos momentos mais significativos da criação teatral contemporânea, apresentando-a como uma possível solução para o problema da maquiagem como uma poética da cena. Partimos da investigação do ato de pintar-se como poética do sujeito para discutir a importância da pintura da cara enquanto elemento civilizatório humano. Para tal, organizamos uma breve “cosmogonia” acerca das narrativas que estes constroem através de suas pinturas para construir significados na sociedade em que estão inseridos, através de um “sistema da linguagem” que se organiza na “figura” através da pintura. A partir daí, buscamos: a) investigar a “experiência” da pintura do rosto, e dos aspectos de seu uso na cena teatral, como um fenômeno dramatúrgico; b) discutir a pintura da cara (maquiagem em seu sentido mais amplo) como elemento conceitual da teatralidade; c) analisar os fenômenos de composição da cara pintada na prática de actantes e d) realizar, a partir da experiência destes actantes, uma síntese conceitual da cara pintada enquanto rito poético para a cena.


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  • The  reflexions  we make around a “painted face” dramaturgy take place within the Performing Arts field as a theatrical study which aligns with the perspective of a theatre that sees the image and the body beyond the understanding that we have until Modernity - in other words, we see the body as a perception and a purport and the image as a device and a presence. For such, we understand the perception in the phenomenology mold (Merleau-Ponty, 1996); of experience as a method of knowledge production (Larossa, 2002) and dramaturgy as a theatrical texture element (Pavis, 1999; 2003; 2017) from a semiology (Barthes, 1987; 2007) of a contemporary world since we recognize the “face paint” as a phenomenon that surpasses the understanding of stage makeup as a scenograohic technology or a visual apparatus or, even, as a characters’ plastic composition aesthetic technique. The present work considers “face paint” as one of the most significant moments of contemporary theatrical creation, placing it as a possible solution to the recurring problem of make up as a poetic of the scene. Our investigation starts at the act of self painting as one’s poetic as a means of discussing the importance of “face paint” as a civilizing element. In order to do so, we organized a brief cosmogony about the narratives built by individuals through their paintings to create meaning in the Society wherein they live, through a language system which is organized in the figure through the “face painting”. From there we seek: a) to investigate the experience of “face painting” and the aspects of its use in the theatrical scene as a dramaturgical phenomenon; b) to discuss the “face paint” (stage makeup in its broader sense) as a conceptual element of theatricality; c) to analyse the “face painting” composition phenomenon in the actants’ practices and d) to produce, as from the actants’ experience, a conceptual synthesis of the “face paint” as a poetic ritual for the scene.

     

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  • TIAGO HERCULANO DA SILVA
  • UMA RESSIGNIFICAÇÃO DO CORPO NU EM CENA

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 30/04/2019

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  • O olhar da grande maioria das pessoas perante a nudez está norteado pelos padrões sociais impostos, porém podemos entendê-la pelo viés artístico pois este pode nos proporcionar um olhar diferenciado. O corpo desnudo está sujeito ao julgamento das aparências e as inevitáveis associações ao pecado original, no mundo atual onde as religiões permeiam muitas ações cotidianas da população, assim, acaba por ser tratado como ofensivo, até mesmo dentro do campo artístico, e as obras que utilizam a pele como figurino tendem a carregar o peso dessas associações feitas por meio dos paradigmas sociais existentes. Obras artísticas, que utilizam a nudez como elemento estético e poético, podem proporcionar uma percepção diferenciada desse corpo nu em cena. Na busca por um olhar diferenciado, a hipótese aqui levantada propõe que esta nudez seja entendida não como ausência de figurino ou exibição intima do corpo, mas pela pele como veste, pelo qual, o artista pode ressignificar o uso do corpo desnudo em cena.


  • Mostrar Abstract
  • The view of the great majority of people in the face of nudity is guided by imposed social standards, but we can understand it by artistic bias because it can give us a different look. The naked body is subject to the judgment of appearances and the inevitable associations to original sin, in the present world where religions permeate many daily actions of the population, thus, it is treated as offensive, even within the artistic field, and the works that use the skin as costumes tend to carry the weight of such associations made through existing social paradigms. Works of art, which use nudity as an aesthetic and poetic element, can provide a differentiated perception of this naked body in the scene. In the search for a differentiated look, the hypothesis proposed here proposes that this nudity be understood not as absence of costume or intimate exhibition of the body, but by the skin as clothes, by which, the artist can resignify the use of the naked body in scene.

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  • FERNANDA CUNHA NASCIMENTO

  • CARTAS DE AMOR E VIOLÊNCIA:

     UM ESTUDO SOBRE A EXISTÊNCIA DAS MULHERES PARTIR DA TRAGÉDIA SHAKESPEARIANA



  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 07/05/2019

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa é produto de uma investigação teórica sobre a obra dramatúrgica do escritor inglês William Shakespeare e da morte das mulheres como elemento decisivo da tragédia, mediante a análise de três obras do autor: Tito Andrônico (1594), Hamlet (1601) e Otelo, O Mouro de Veneza (1604). O trabalho se detém à análise dessas três obras para compreender os seguintes pontos: o silenciamento feminino, o direito da mulher sobre seu corpo e as reverberações da representação do feminino morto. O estudo sobre a morte feminina nas tragédias é realizado a partir da análise dos escritos de Nicole Loraux e do estudo de teóricas feministas, principalmente Naomi Wolf, sobretudo ao que concerne ao mito da beleza e a representação social feminina. Além disto, aborda-se a construção de um espetáculo cênico com base nestes estudos, para isto a principal base é a compreensão da construção da masculinidade; A partir dos estudos das três personagens das peças mencionadas, Lavínia, Ofélia e Desdêmona, da análise das mortes das mulheres na literatura e em alguns casos reais e da construção dramatúrgica deste objeto cênico, busca-se a compreensão da violência e do amor que recai sobre as mulheres tanto na vida, quanto na dramaturgia.

     


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  • não se aplica pois ja tem em frances

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  • ROBERTA PEDRONI
  • A RELAÇÃO ENTRE ARTE E POLÍTICA: Possíveis expressões de enfrentamento e contra-hegemonia

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • CHRISTINA GONTIJO FORNACIARI
  • Data: 09/05/2019

  • Mostrar Resumo
  • O objetivo desta pesquisa é captar os sentidos produzidos pelas relações entre o universo artístico e o universo político, através de suas expressões artístico-políticas na atualidade brasileira. Para isso, transito na realidade através de três fenômenos: por um lado, expressões de enfrentamento permanente, localizadas aqui pelo ativismo artístico; por outro, o enfrentamento insurgente e temporalmente localizado, aqui representado pelo Movimento #OcupaMinc, ocorrido em 2016; por fim, as investidas de censura que determinados grupos/indivíduos da cena política brasileira conduziram em relação a obras artísticas no ano de 2017, especificamente à exposição Queermuseu e à performance La Bête, de Wagner Schwartz. Compreendendo a cultura e, por extensão, a arte como possível fazer contrahegemônico, a partir do conceito gramsciano de hegemonia, realizo uma articulação entre bibliografias, notícias jornalísticas e conteúdos – imagens, vídeos e textos – publicizados na internet, buscando construir um panorama amplo acerca do objeto de estudo. Encontro, nesse caminho, um cenário complexo, móvel e frutífero na relação entre arte e política, de fazeres e dizeres diversos, em que a arte, sofrendo rebatimentos e tensionamentos da política, também os produz, criando espaços que potencializam sua natureza contra-hegemônica.

     


  • Mostrar Abstract
  • The objective of this research is to capture the meanings produced by the relations between the artistic universe and the political universe, through its artistic-political expressions in Brazilian reality. For that, I am actually moving through three phenomena: on the one hand, expressions of permanent confrontation, located here by artistic activism; on the other, the insurgent and temporally located confrontation, represented here by the #OcupaMinc Movement; finally, the censorship efforts that certain groups / individuals of the Brazilian political scene conducted in relation to artistic works in the year 2017, specifically the exhibition QueerMuseu and the performance La Bête by Wagner Schwartz. Understanding culture and, by extension, art as possible counter-hegemonic, based on the Gramscian concept of hegemony, I articulate bibliographies, news stories and contents - images, videos and texts published on the internet, seeking to construct a panorama the object of study. I find in this way a complex, mobile and fruitful scenario in the relation between art and politics, of different works and sayings, in which art, undergoing refutations and tensions of politics, also produces them, creating spaces that enhance its counterhegemonic nature.

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  • OCENI DA SILVA MARTINS
  • OS GRUPOS TEATRAIS DA UFRN E SUAS RESISTÊNCIAS

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MARINEIDE FURTADO CAMPOS
  • Data: 16/05/2019

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  • Esta pesquisa mapeia os grupos teatrais da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN) campus central de Natal-RN, na tentativa de compreender estéticas, suas organizações e formas de trabalho; além da necessidade de refletir a existência dos mesmos na perspectiva da resistência. A intenção desse mapeamento é, certa maneira, inventariar os grupos teatrais em atividade, bem como aqueles que estão inativos ou que não mais existam, numa perspectiva de entender como essa formação de grupo contribuiu para a organização teatral na UFRN, em especial aqueles criados no interior do Departamento de Artes dessa Universidade. Além do inventário, faz-se necessário o diálogo com integrantes desses grupos para entender essas formações e como se desenvolvem dentro dos seus processos de criação na experiência do trabalho em grupo. Os grupos mapeados foram grupos teatrais: Arketypos, Grupo Cores, Eureka, Grupo Popular de Teatro (GPT), Grupo Pele de Fulô, Cruor Arte Contemporânea que estão em atividade. Outros grupos formados por alunos ou ex-alunos do curso de graduação em Teatro sucumbiram depois da saída de tais alunos do referido curso. Cita-se a Cia teatral Gabotun. Partindo dos objetivos propostos, questionamos: Como se deu/dá a formação de grupo teatral na UFRN, difundindo-se dessa forma dentro da cidade? A partir de que esses grupos buscam criar, numa esfera política e estética para a sua sobrevivência enquanto grupo? e como se dá os processos de criação? Para uma compreensão metodológica, essa dissertação assenta-se na Pesquisa Qualitativa Descritiva tendo como vieses de pesquisa a Análise de Conteúdo e o Estudo de Caso Interpretativo. A investigação se configura na observação da análise e registro dos fenômenos que envolvem os grupos teatrais, ressaltando a importância de um olhar externo como pesquisadora sem a introdução de conteúdos pré-estabelecidos. Através dessas constantes análises de observação é necessário perceber como, quando e por que os fenômenos presentes na pesquisa em questão ocorrem/ocorreram.


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  • This research maps the theatrical groups of the Federal University of Rio Grande do Norte (UFRN) central campus of Natal-RN, in an attempt to understand aesthetics, their organizations and ways of working; besides the need to reflect their existence in the perspective of resistance. The intention of this mapping is, in a way, to inventory the active theatrical groups, as well as those that are inactive or that no longer exist, with a view to understanding how this group formation contributed to thetheater organization in UFRN, especially those created in the interior of the University's Department of Arts. In addition to the inventory, it is necessary to dialogue with members of these groups to understand these formations and how they develop within their processes of creation in the experience of group work. The groups mapped were theater groups: Arketypos, Grupo Cores, Eureka, Popular Group of Theater (GPT), Skin Group of Fulô, Cruor Arte Contemporânea that are in activity. Other groups formed by students or alumni of the undergraduate course in Theater succumbed after the departure of such students from said course it is mentioned Gabotun Theater Cia.Based on the proposed objectives, we asked: How did the formation of a theater group in UFRN take place, spreading in the city? From what do these groups seek to create, in a political and aesthetic sphere for their survival as a group? and how do the creation processes take place? For a methodological understanding, this dissertation is based on Descriptive Qualitative Research, having as biases the Content Analysis and the Interpretative Case Study. The investigation is based on the observation of the analysis and recording of the phenomena involving theater groups, emphasizing the importance ofan external look as a researcher without the introduction of pre-established contents. Through these constant analysis of observation it is necessary to understand how, when and why the phenomena present in the research in question occurred / occurred.

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  • ANDRÉ MARCELINO DA SILVA
  • MASCARAMENTO: ATUAÇÃO E CONFECÇÃO EM PROCESSO DE CRIAÇÃO INTEGRADO

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • IVANILDO LUBARINO PICCOLI SANTOS
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 30/06/2019

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  • O presente texto é a apresentação de uma pesquisa que se encontra em curso e investiga em que medida a confecção de máscaras teatrais expressivas podem contribuir, positiva ou negativamente, no trabalho de criação do ator, tendo em vista que foram elaboradas a partir de suas propostas de construção corpórea enquanto uma materialização de "personagens-tipo". A pesquisa busca, também, refletir sobre o desenvolvimento de um processo de retroalimentação para que ambas as esferas de criação, tanto a do ator como a do mascareiro, possam se potencializar mutuamente. Desse modo o eixo principal da investigação está na análise do objeto máscara enquanto estímulo e potencializador do trabalho do ator.


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  • The present text is the presentation of a research that is underway and investigates to what extent the making of expressive theatrical masks can contribute, positively or negatively in the creation work of the actor, considering that they were elaborated from their proposals of corporeal creation as a materialization of "character-type". The research also seeks to reflect on the development of a feedback process so that both spheres of creation, both actor and worker, can be mutually reinforcing. In this way the main axis of the investigation is in the analysis of the object as stimulus and potentiator of the work of the actor.

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  • ADRIANO MARINHO DOS SANTOS
  • INVESTIGAÇÃO SOBRE PROCESSOS DE CRIAÇÃO E EXECUÇÃO DA ILUMINAÇÃO NO DEART – UFRN: A EXPERIÊNCIA ACADÊMICA COMO FORMAÇÃO DE UM PROFESSOR DE TEATRO-ILUMINADOR

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 26/07/2019

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  • A dissertação versa sobre uma investigação dos processos de criação e execução da iluminação cênica nos grupos Cruor Arte Contemporânea, Arkhétypos Grupo de Teatro e Gaya Cia de Dança. Essa pesquisa pretende compreender como se dá o processo de criação nos grupos e a participação dos discentes que o integram relacionando suas práticas nos grupos às disciplinas de iluminação as quais cursaram; por entender que esses integrantes são partes fundamentais na criação dos espetáculos dos referidos grupos. Escolhemos um trabalho artístico de cada grupo, a saber: Carmim (Cruor), Santa Cruz do Não Sei (Arkhétypos) e Almar (Gaya) para analisar de forma descritiva o processo de criação da luz e como se deu esse processo do ponto de vista participativo. Para essa discussão nos fundamentamos principalmente nos textos dos seguintes autores: Fayga Ostrower (2014), Ronaldo Costa (2009), Valmir Perez (2007). Este estudo tem relação direta com a prática de trabalho do autor assim, se faz necessário uma explanação sobre minha formação na área para uma melhor compreensão do desejo por este objeto de estudo e o recorte dado. Portanto introduziremos a pesquisa falando sobre a metodologia utilizada na pesquisa e apresentaremos o laboratório de iluminação cênica do Departamento de Artes, após isso faremos um relato sobre a prática discente e apresentaremos os grupos investigados e o processo de criação utilizado por cada um no trabalho selecionado, por fim, enfatizamos a importância da formação dos discentes através de sua participação nos grupos. Apesar de a ênfase ser no processo de criação da luz, o mesmo vale para os demais elementos cênicos, pois a carência de formação profissional nessas áreas ainda é acentuada. Destacamos que os grupos de acadêmicos no Deart são importantes espaços de formação complementar dos discentes das graduações.


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  • The dissertation focuses on an investigation of the processes of creation and execution of scenic lighting in the groups contemporary art Cruor, Arkhétypos Theater group and Gaya Cia of Dance. This research intends to understand how the process of creation in the groups and the participation of the students who integrate it relate their practices in the groups to the lighting disciplines they have attended; To understand that these Members are fundamental parts in the creation of the spectacles of these groups. We chose an artistic work of each group, namely: Carmim (Cruor), Holy Cross of don’t know (Arkhétypos) and Almar (Gaya) to analyze in a descriptive way the process of creating the light and how this process was given from a participative point of view. For this discussion we were based mainly on the texts of the following authors: Fayga Ostrower (2014), Ronaldo Costa (2009), Valmir Perez (2007). This study has a direct relationship with the author's work practice, if it is necessary an explanation about my training in the area for a better understanding of the desire for this object of study and the cut-off given. Therefore, we will introduce the research talking about the methodology used in the research and present the stage lighting Laboratory of the Department of Arts, after that we report on the student practice and will present the groups investigated and the creation process used by each one in the selected work, finally, we emphasize the importance of training students through their participation in the groups. Although the emphasis is on the process of creating light, the same goes for the other scenic elements, because the lack of professional training in these areas is still accentuated. We emphasize that the groups of academics at Deart are important spaces for complementary training of students of graduations.

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  • JANINE LEAL ARAÚJO
  • Atualizações pelo erro: a dança que se faz na rua

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AVELINO ALDO DE LIMA NETO
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 26/07/2019

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  • O presente trabalho aborda a temática do corpo que erra por meio da dança improvisada, enquanto possibilidade de atualização estética do espaço na cidade de Natal – Rio Grande do Norte. Considera as práticas de atenção a si para investigação cênica no espaço público e a criação de movimentos improvisados, tendo como mote o sentir a cidade pela caminhada. Parte das seguintes questões norteadoras: que significações são criadas ou atualizadas ao usar de movimentos improvisados nos espaços da cidade pela errância? Como a cidade afeta a dança e a dança afeta a cidade? Posto isso, o trabalho tem como objetivo investigar as relações existentes entre a improvisação do gesto dançado e a errância pela cidade de Natal/RN, bem como compreender a atualização de significados pela relação entre os espaços e lugares da cidade, perceber como se dá a experiência estética da criação em dança em tempo real nas ruas, refletir sobre as possibilidades da vivência poética dos espaços e lugares da cidade de Natal. Utiliza-se da descrição, redução e reflexão como procedimentos metodológicos no contexto da Fenomenologia para intepretação dos relatos obtidos como resultado das práticas errantes pela cidade e apropria-se também da errância na construção do texto dissertativo por meio das imprevisibilidades poéticas para uma escrita artística-acadêmica. O texto está situado no campo das Artes Cênicas e contribui para área ao refletir e apresentar possibilidades de pesquisar a articulação entre o corpo, a dança e os espaços da cidade, a fim de produzir uma estética do erro e atualizar significados constantemente. Como resultados, o trabalho responde às questões ao relacioná-las às reflexões acerca das vivências descritas, que se dividiram, durante o terceiro capítulo, nos tópicos Sobre as permissividades de sentir e ser: os significados criados que trata da dança em sua ontologia e discute a atualização de significâncias como aquilo que se sente e se expressa no corpo, pela dança; e Sobre as atualizações da dança e da cidade: afetos, energias e suspensões, que refletem sobre as atualizações estéticas da errância dançada e discorre sobre  o espaço que afeta a dança e a dança que afeta o espaço à medida que se dança aquilo que se sente da cidade e retribui para ela, suas novas significações.


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  • This work approaches the subject of the body that errs by improvised dance as a possibility of aesthetics update of space in Natal - Rio Grande do Norte/Brazil. It considers the practices of self attention for scenic investigation in public spaces and the creation of improvised movement and has as motto the feeling of the city by walking. It starts from the following guiding questions: what meanings are created or updated after using improvised movements in city spaces by erring? How the city affects the dance and the dance affects the city? That said, the work has the objective of investigating the existing relations between the improvisation of the danced gesture and erring through Natal city as well as understanding the meanings update by the relation between the spaces and places of the city, realizing how the aesthetics experience of creation in dance on the streets in real time, reflecting on possibilities of poetic experience of the spaces and places in the city of Natal. It uses the description, reduction and reflection as methodological procedures in the Fenomenology context for interpretation of the reports obtained as a result of erring practices through the city and also appropriate the erring in dissertation text construction by poetic unpredictabilities for academic-artistic writing. The text is in the field of Scenic Arts and contributes to the area by reflecting and presenting possibilities of researching the articulation between the body, the dance and the spaces of the city in order to produce an error aesthetics and to update meantings constantly.  As results, the work responds to the questions by relating them to the reflections about the described experiences that got divided during the third chapter in the topics About the permissiveness of feeling and being: the meanings created that treats the dance in its ontology and discusses the updates of meanings as what is felt and is expressed in the body by dance; and About the updates of the dance and of the city: affections, energies and suspensions, that reflect about the aesthetic updates of the danced erring and discourse about the space that affects the dance and the dance that affects the space as the person dances what is felt in the city and give it back its new meanings.

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  • HYAGO PINHEIRO DA SILVA SOUSA
  • UM DOCUMENTO EM OBRA – MÉMORIAS DE UM AFETO 

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • FERNANDO ANTÔNIO ABATH LUNA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 30/07/2019

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  • O presente trabalho propõe descrever e discutir um processo de criação, que se configura a partir da seleção e investigação de documentos comprobatórios da vida e morte de uma jovem adolescente. Os documentos foram registrados em cartas, diários, fotografias e relatos. As memórias documentadas nesses diversos materiais arquivados e das lembranças atravessadas por afetos são a base dramatúrgica deste compor. O processo criativo hibridiza a linguagem do teatro e da dança entendendo a importância de se pensar a arte na contemporaneidade. A reflexão teórica se dá através do resultado da prática cênica e dialoga com autores que discutem sobre memória e processos criativos nas artes da cena tais como Salles (2006), Izquierdo (2012), Fabrini (2013) dentre outros. Pudemos perceber ao longo dos laboratórios e da escrita textual que trabalhar com a história real não é somente um impulso, se torna uma necessidade, pois encontrar no outro a nossa história nos move enquanto artistas. O processo criativo suscita questões e o lidar com escolhas, com sensações diversas entre frustações e prazeres, somas e perdas, que entrelaçam  o nosso mundo individual e o coletivo. A pesquisa se faz importante para a área de conhecimento da arte ao destacar o documentar em cena como propulsor da criação. Espera-se contribuir com um material para a formação de atores, diretores e pesquisadores interessados num fazer e pensar nas Artes Cênicas que não dissocie a construção artística da vida sócio-afetiva do artista-pesquisador.


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  • The present work proposes to describe and discuss a process of creation, which is configured from the selection and investigation of documents about the life and death of a young adolescent. The documents were recorded in letters, journals, photographs and reports. The memories documented in these various archived materials and memories traversed by affections, are the dramaturgical basic of this composing. The creative process hybridizes the language of theater and dance, understanding the importance of thinking art in contemporary times. The theoretical reflection takes place through the result of the scenic practice and dialogues with authors who discuss about memory and creative processes in the scene arts such as: Salles (2006), Izquierdo (2012), Fabrini (2013) among others. We have been able to realize throughout the labs and textual writing that working with real history is not only an impulse, it becomes a necessity because to find in the other our history moves us as artists. The creative process raises questions and cope with choices, with diverse sensations between frustrations and pleasures, sums and losses, that intertwine our individual and collective worlds. The research becomes important for the area of art knowledge by highlighting the documenting on the scene as the propulsor of creation. It is hoped to contribute with a material for the formation of actors, directors and researchers interested in doing and thinking in the Performing Arts that does not dissociate the artistic construction of the socio-affective life of artist-researcher.

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  • EWERTON EMANOEL FERNANDES DE MEDEIROS
  • ENTRE CAMADAS: PROCESSOS DE CRIAÇÃO EM PROCEDIMENTOS DE INSTAURAÇÕES CÊNICAS

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 30/07/2019

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  • Esta pesquisa tem o intuito de investigar as dinâmicas provenientes do entrecruzamento das linguagens artísticas imbricadas em processos criativos intertextuais. Trata-se de uma abordagem qualitativa que envolve os paradoxos da criação artística na contemporaneidade com seus acontecimentos simultâneos em um percurso prático e teórico, permeando intensamente as ambiguidades e imbricações arte/vida. As Instaurações Cênicas criadas pelo CRUOR Arte Contemporânea em Residência Artística no Hospital Psiquiátrico Dr. João Machado configuram-se como objetos de estudos e análise da criação no campo das Artes Cênicas. Introduzo a escrita dessa dissertação narrando trechos da minha vida, que me constituem enquanto artista e pesquisador. No qual menciono produções importantes do Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares/NACE e da sua coligação de práticas de cena: CRUOR Arte Contemporânea. Explico o conceito de “Instauração Cênica” utilizado como procedimento metodológico criativo para a realização das práticas de cena desta pesquisa, termo este criado pela Profa. Dra. Nara Salles em sua tese de doutoramento intitulada “Sentidos: uma instauração cênica – Processos criativos a partir da poética de Antonin Artaud” no ano de 2004. No primeiro capítulo abordo temas da arte e da cena contemporânea em um ambiente manicomial. O segundo capítulo relata o processo de criação das Instaurações Cênicas desAMPARO, De Aniversário e ÁGUA. Finalizo o texto propondo nos Aspectos (in)Conclusivos desdobramentos para esta pesquisa ao refletir a ressemantização da escrita corporal pelos processos vestimentares e da pele.


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to investigate the dynamics arising from the intertwining of artistic languages imbricated in intertextual creative processes. It is a qualitative approach that involves the paradoxes of contemporary artistic creation with its simultaneous events in a practical and theoretical way, intensively permeating the ambiguities and imbrications of art / life. The Scenic Instaurations created by CRUOR Contemporary Art in Artistic Residence at the Dr. João Machado Psychiatric Hospital are objects of study and analysis of creation in the field of Scenic Arts. I introduce the writing of this dissertation narrating sections of my life, which constitute me as an artist and researcher. In which I mention important productions of the Transdisciplinary Nucleus of Research in Scenic and Spectacular Arts / NACE and its group of scene practices: CRUOR Contemporary Art. I explain the concept of "Scenic Instauration" used as a creative methodological procedure to perform the scene practices of this research, a term created by Profa. Dr. Nara Salles in his doctoral thesis entitled "Senses: a scenic instauration - Creative processes from the poetics of Antonin Artaud" in the year 2004. In the first chapter I approach themes of art and the contemporary scene in a mental asylum. The second chapter reports on the creative process of the Scenic Instaurations: DESAMPARO, Birthday and WATER. I conclude the text proposing in the Aspects (in) Conclusive developments for this research when reflecting the resemantization of corporal writing by the vestimentary and skin processes.

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  • JOSÉ NILTON DOS SANTOS SILVA
  • O PAPEL DO ATOR-XAMÃ NA INSTAURAÇÃO CÊNICA-RITUAL

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 31/07/2019

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  • A investigação proposta por esta dissertação esta centrada no sentido de compreender o meu papel como um possível ator-xamã a partir de uma instauração cênica-ritual intitulada  “Y”. O processo criativo colocado em prática e analisado, foi inspirado nos estudos ocultistas da Kabala, da Filosofia Hermética e do Tarot. O pensamento teórico que guiou este trabalho encontra-se fundamentado nas obras de Antonin Artaud, sendo uma referência matriz para esta averiguação. O processo criativo experimentado levou em consideração o conceito de Instauração Cênica elaborado por Nara Salles (2004)  que incorpora elementos das artes visuais ao campo do teatro e da performance além de propor resíduos a serem deixados no local da instauração e como procedimento criativo explora a memória e matrizes corpóreo-vocais dos instauradores da cena. Minha proposta de um trabalho do ator/atriz como xamã parte das ideias apresentadas e discutidas por Antonin Artaud em sua obra, O Teatro e seu Duplo (1985) propondo este olhar a ser acrescido ao conceito de Instauração Cênica sendo a esta agregado.  A partir desta referência e dos elementos cênicos-dramatúrgicos  desenvolvidos na instauração cênica “Y”  descrevo as possibilidades de relações entre o trabalho místico de um ator/atriz e  de um xamã,  percebendo  a forma como eu me aproprio dos estímulos místicos utilizados na criação como um novo procedimento para o teatro compreendido com fundamentos  no ritual. A escrita dissertativa se apresenta como uma série de cartas, sendo estas direcionadas ao Ator e diretor Antonin Artaud. As sessões de textos foram ordenadas e estruturadas com base no Tarô Cabalístico de Rider (2009), assim para cada carta endereçada a Artaud é oferecida uma imagem de tarô como estimulo inicial para o desenvolvimento do tema.

     


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  • The research proposed by this dissertation is centered in the sense of understanding my role as a possible shaman-actor from a scenic-ritual instauration entitled "Y". The creative process put into practice and analyzed was inspired by the occult studies of Kabala, Hermetic Philosophy and Tarot. The theoretical thinking that guided this work is based on the works of Antonin Artaud, being a reference matrix for this investigation. The creative process has taken into account the concept of Scenic Insertion elaborated by Nara Salles (2004) that incorporates elements of the visual arts into the field of theater and performance and proposes residues to be left at the place of installation and as a creative procedure explores the memory and corporeal-vocal matrices of the scene settlers. My proposal for a work by the actor / actress as a shaman starts from the ideas presented and discussed by Antonin Artaud in his work, The Theater in its Double (1985) proposing this look to be added to the concept of Scenic Insertion being added to it. From this reference and from the scenic-dramaturgical elements developed in the scenic setting "Y" I describe the possibilities of relations between the mystical work of an actor / actress and a shaman, realizing how I appropriate the mystical stimuli used in creating a new procedure for the theater understood as ritual. The essay writing appears as a series of letters, these being directed to the Actor and director Antonin Artaud. The text sessions were ordered and structured based on the Rider's Kabbalistic Tarot (2009), so for each letter addressed to Artaud a tarot image was offered as an initial stimulus for the development of the theme.

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  • RAILSON GOMES ALMEIDA
  • A buchada de dramaturgia e o tutano da escritura cênica: sobre a produção de uma dramaturgia e seus possíveis engendramentos

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • ANDRE CARRICO
  • JOÃO ALBERTO LIMA SANCHES
  • Data: 13/12/2019

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  • A presente pesquisa pretende refletir acerca de elementos da dramaturgia contemporânea, partindo de um estudo teórico e da produção de um experimento dramatúrgico. O estudo utilizou diferentes referências de ordem técnica e sensível, principalmente, um levantamento teórico sobre a obra de Jean-Pierre Sarrazac. Em seguida, um experimento dramatúrgico foi produzido (A natureza da cebola roxa) como exercício de escrita de um drama contemporâneo. Por fim, são apresentadas as reflexões dessa pesquisa: uma análise do processo de escrita;  uma observação da obra e suas convergências e divergências com os teóricos apresentados e alguns apontamentos sobre o processo de construção da pesquisa e seus prováveis encaminhamentos. Finalmente, uma formulação de possíveis metáforas sobre a dramaturgia contemporânea em geral, aproximando pratos tradicionais do nordeste, a buchada e o tutano, do texto dramático.


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  • This research aims to reflect on elements of contemporary dramaturgy, starting from a theoretical study and the production of a dramaturgical experiment. The study used different technical and sensitive references, mainly a theoretical survey about the work of Jean-Pierre Sarrazac. Then a dramaturgical experiment was produced (The Nature of the Red Onion [A natureza da cebola roxa]) as a writing exercise for a contemporary drama. Finally, the reflections of this research are presented: an analysis of the writing process; an observation of the work in its convergences and divergences with the presented theorists; and some notes about the research construction process and its likely referrals. Finally, a formulation of possible metaphors about contemporary dramaturgy in general, bringing traditional northeastern dishes, buchada and marrow, closer to the dramatic text.

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  • LIA FRANCO BRAGA
  • PERFORMANCES DE CORPOS BRINCANTES: CULTURA AFRICANA E ARTES CÊNICAS NA EDUCAÇÃO INFANTIL

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • KIUSAM REGINA DE OLIVEIRA
  • Data: 18/12/2019

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  • Nesta dissertação, desvelo experiências de performances dos corpos brincantes de crianças na Educação Infantil, estimuladas por elementos da cultura africana, através do universo dos deuses orixás, com centralidade na nação Iorubá. Os processos de criação em arte nesta pesquisa em Artes Cênicas, desenvolvidos no NEI/Cap/UFRN, envolveram um grupo de crianças de 5 a 6 anos e contaram com a participação das duas professoras responsáveis pela turma, bem como de outros profissionais da referida instituição. Foram desenvolvidas observações, entrevistas com adultos, diálogos com as crianças e oficinas artísticas com mediação lúdica: contações de histórias e jogos/brincadeiras corporais ancoradas nas linguagens da dança e do teatro, assim como o uso de elementos de musicalidade. Os desenhos das crianças, as fotografias e os registros em vídeo enriqueceram as narrativas e proporcionaram uma maior aproximação com o fenômeno vivenciado. Os trabalhos de Merleau-Ponty em seu olhar fenomenológico sobre o corpo e a infância, bem como a proposição da pesquisadora Marina Machado, especialmente com o conceito de criança performer, entre outros autores, fundamentaram meu percurso teórico-metodológico. As ancoragens sobre africanidades, negritude e orixás, com base em autores como Kabengele Munanga, Clyde W. Ford, Teodora Alves, Sandra Petit, Kiusam de Oliveira e Reginaldo Prandi, entre outros, com suas abordagens e conceitos afro-referenciados, subsidiaram um olhar crítico e reflexivo para esta pesquisa, de modo a reconhecer e valorizar as riquezas afrodescendentes na Educação Infantil. Este percurso acadêmico, artístico e político corrobora a aplicabilidade da Lei nº 10.639/03, na medida em que a arte no cotidiano escolar tem um papel relevante na disseminação de diálogos, saberes e práticas que favoreçam relações étnico-raciais mais inclusivas e democráticas. A riqueza, a intensidade, as trocas e os aprendizados com as crianças moveram um fazer afro-poético respaldado em uma ancestralidade africana, alargando e intensificando nossas experiências brincantes.


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  • In this dissertation I reveal experiences of the children’s playing bodies in kindergarten, stimulated by elements of African culture, through the universe of the gods orixás, with centrality in the Yoruba nation. The art creation processes in performing arts research developed at NEI / Cap / UFRN, involved a group of 5 and 6 year olds, the participation of the 2 teachers responsible for this class and other professionals of the institution. It was developed observations, interviews with adults, dialogues with children and artistic workshops with playful mediation: storytelling and body games, anchored in the languages of dance, theater and the use of elements of musicality. Children's drawings, photographs and video records enriched the narratives and a closer approximation of the phenomenon experienced. The author Merleau-Ponty and his phenomenological look on the body and childhood, as well as the proposition of the researcher Marina Machado, especially with the concept of child performer, among other authors, supported my theoretical and methodological path. Anchorages on Africanities, blackness, orishas, based on authors such as Kabengele Munanga, Clyde W. Ford, Teodora Alves, Sandra Petit, Kiusam de Oliveira, Reginaldo Prandi, and others, with their Afro-referenced approaches and concepts, subsidized a critical and reflective path in order to recognize and value the African descent riches in early childhood education. This academic, artistic and political course corroborates the applicability of Law No. 10,639 / 03, as art in everyday school has a relevant role in the dissemination of dialogues, knowledge and practices that favor more inclusive and democratic ethnic-racial relations. The richness, intensity, exchanges and learning with the children moved an Afro-poetic doing backed by an African ancestry, broadening and intensifying our playful experiences.

2018
Dissertações
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  • GABRIELA GORGES
  • Parla: diálogos corporais movidos por sensações fluentes em improvisação

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • ROSA CRISTINA PRIMO GADELHA
  • Data: 28/02/2018

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  • A presente pesquisa tem por objetivo investigar, perceptiva e sensivelmente, as sensações, sentimentos e emoções (DAMÁSIO, 2011; LABAN, 1978; LEAL, 2012) como meios potentes para a criação em dança considerando o processo histórico, cultural e pessoal do indivíduo. Para tanto, a pesquisa, de cunho participante, (BORGES; BRANDÃO, 2007) conta com investigações laboratoriais realizadas em grupo com a participação de cinco artistas denominadas conversantes, buscando diálogos corporais fundados na sensibilidade que, por sua vez, desencadeiam construções dramatúrgicas envolvidas por memórias, afetos e percepções. Dentre conversas, o trabalho artístico Parla compartilha suas experiências laboratoriais ao público. A escrita-diário (OLIVEIRA, 2015) aparece como registro de experiências conectadas ao íntimo, pessoal, afetivo, que se apresenta, informalmente, intrinsecamente, ligado à uma escrita que possa ser mais próxima da dança. Sendo o laboratório propulsor da pesquisa, tomamos como referência o afeto de Antonin Artaud (CAETANO, 2012; QUILICI, 2002, 2012) com seu poder transformador em meio aos relacionamentos e o acaso (OSTROWER, 2013; SALLES, 2008) como possibilidade criativa capaz de despertar o inédito. A prática meditativa como foco e concentração; a improvisação em dança considerada como técnicas a partir dos conceitos de Mara Guerrero (2008) e Patrícia Leal (2012a), proporcionando liberdade à exploração de movimentos, encontrando características significativas como a fluidez apoiada nos estudos de fluência de Rudolf Laban (1978) por Ciane Fernandes (2001, 2006, 2007), Lenira Rengel (2001) e Patrícia Leal (2012a) associada à liquidez dos fluidos de Zygmunt Bauman (2001). Pesquisar a importância de uma dança que parte de si sem negar ou separar o próprio sentir contribui para a construção de uma arte que expressa o humano, investigando a desestruturação de paradigmas cristalizados de pensar a dança existentes mesmo nos dias de hoje.

     


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  • The present research aims to investigate, perceptually and sensibly, the sensations, feelings and emotions (DAMÁSIO, 2011; LABAN, 1978; LEAL, 2012) as potent means for the creation in dance considering the historical, cultural and personal process of the individual. Therefore, the participatory research, (BORGES; BRANDÃO, 2007) has laboratory investigations carried out in a group with participation of five artists called  conversational, searching for body dialogues based on sensitivity that trigger in dramaturgical constructions involved by memories, affections and perceptions. The daily writing (OLIVEIRA, 2015) appears as a record of experiences connected to the intimate, personal, affective,  that presents itself informally,  intrinsically,  linked to a writing  that may be closer to the dance. Being the laboratory that propels the research we take as  reference  the affection of Antonin Artaud  (CAETANO, 2012; QUILICI, 2002, 2012)  with his transforming power amidst relationships and chance (OSTROWER, 2013; SALLES, 2008) as a creative possibility capable of awakening the unprecedented. The meditative practice as focus and concentration dance improvisation considered as techniques from the concepts of Mara Guerrero (2008) and Patrícia Leal (2012a), providing freedom to the exploration of movements, finding significant characteristics such as fluency supported in the studies of fluency of Rudolf Laban (1978)  by Ciane Fernandes (2001, 2006, 2007), Lenira Rengel (2001) and Patrícia Leal (2012a) associated with the Liquidity of Zygmunt Bauman (2001) fluids. Searching for the importance of a dance that part of itself without denying or separating one's own feelings contributes to the construction of an art that expresses the human, investigating the destructuring of crystallized paradigms of thinking the dance existing even today.

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  • THARDELLY PEREIRA LIMA
  • Caça e Caçador: O Ator-Contador e as histórias de onça do interior da Paraíba

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CRISTINA MARINHO LUCIO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 28/02/2018

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  • Esta pesquisa teve como objetivo unir as narrativas tradicionais de caçadores ao rico universo de narrativas tomando como inspiração as relações entre homens e feras, bem como os significados políticos, sociais, culturais e as histórias que permeiam essas relações. A pesquisa de campo foi realizada no município de São José do Espinharas/PB, local referido pelo cordelista João Melquíades de Ataíde, no seu folheto “Histórias de Cazuza Sátiro, o matador de onça”. No estudo de campo registramos depoimentos de pessoas que conheciam as histórias dessas caçadas. A segunda etapa visou de maneira prática, experimentar as possibilidades do estado de prontidão necessário ao ator para que ele pudesse atingir zonas de potência. Houve uma pesquisa no sentido da construção de uma narrativa, em que foram realizadas experimentações práticas que confrontaram e concatenaram as teorias utilizadas no decorrer do processo. A terceira e última etapa, compreendeu na criação cênica do experimento Suçuarana, resultado do processo de experimentação desse ator-contador que tomou como base o material coletado na pesquisa de campo e os cordéis encontrados. Ao final do processo a pesquisa consolida uma experiência ímpar de composição cênica através do contato com narrativas de caçadores, sendo estas incorporadas ao texto teatral e à encenação.


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  • This research's goal is to unite traditional narratives from hunters with the rich narrative universe taking as inspiratoin the relations between men and beasts, as well as the political, social and cultural meaning of the stories that permeates such relationships. The field research was made in the city of São José do Espinharas/PB, a place that was referred by the cordel storyteller João Melquíades de Ataíde, in his booklet "Histórias de Cazuza Sátiro, o matador de onça". In this field study testimonies were registred from people who knew these hunt stories. The second part, in o practical manner, aimed to experiment the possibilities of the readiness state necessary to the actor's hability to achieve potential zones. There was research on the narrative construction, in which practical experimentations were made. Those practical experimentations confronted and concatened the theories used along the process. The third and last part consisted on a scenic creation of Suçuarana experiment, result of the experimentation process from myself as an actor and storyteller, using as groundwork the material collected in field research and found cordel. At the end of the process the research consolidates a unique experience of scenic composition through contact with hunters narrative which were incorporated to the theatrical text and enactment.

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  • FRANK DUESBERG
  • Experiência trágica: do conceito ao experimento.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • HÉLIO JUNIOR ROCHA DE LIMA
  • Data: 22/03/2018

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  • Esta pesquisa indaga a possibilidade de uma experiência trágica de um espectador no teatro contemporâneo. O objetivo é questionar a possibilidade da concentração do trágico, por exemplo, em um gesto performático. Hans-Thies Lehmann, no seu livro ‘Tragödie und dramatisches Theater’ (2014), reflete sobre a experiência trágica, que envolve vários aspectos, como a estetização de um acontecimento trágico, a cisão dessa estetização e uma reflexão. Foram criados e pesquisados múltiplas reescritas, experimentos e fragmentos reunidos sob o nome de ‘Estrada V’, baseados principalmente na obra ‘A Estrada de Volokolamsk’, de Heiner Müller e nas experiências do presente autor. O foco ficou nas reflexões e práticas em relação ao público e da possibilidade de uma experiência trágica vir a ocorrer. Constatou-se que no mundo moderno, a mística do excesso não precisa ser mais grandiosa, porém exige-se uma aumentada atenção com o comum. O teatro da tragédia contemporâneo é um local de conscientização intensa de perda, onde o sujeito é confrontado com a dissolução inevitável do ser e com uma experiência da própria finitude. Neste contexto, o trágico no teatro contemporâneo investiga o sujeito fragmentado do mundo atual, tocando na antiga e sempre renovada experiência do excesso. O destino fundamental do caráter trágico é seu desejo de investigação por uma verdade maior, em um mundo onde não há certezas e postulados irrefutáveis. Foi verificado que na arte performática a criação do trágico nasce do afeto, estabelecendo uma conexão específica entre o performador e o receptor, permitindo o surgimento de uma experiência trágica.


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  • This research investigates the possibility of a tragic experience of a spectator in contemporary theater. The objective is to question the possibility of the concentration of tragic, for example, in a performance gesture. Hans-Thies Lehmann, in his book 'Tragödie und dramatisches Theater' (2014), reflects on the tragic experience, which involves several aspects, such as the aestheticization of a tragic event, the breakup of this aesthetization and a reflection. Multiple re-writings, experiments and fragments were collected and researched organized under the name of 'Estrada V', based mainly on Heiner Müller's 'The Road of Volokolamsk' and the experiences of the present author. The focus was on reflections and practices of the relationship between stage and the public and the possibility of a tragic experience to occur. It has been found that in the modern world, the mystique of excess need not be grand, but an increased attention to the common is demanded. The theater of contemporary tragedy is a place of intense awareness of loss, where the subject is confronted with the inevitable dissolution of being and with an experience of one's own finitude. In this context, the tragic in contemporary theater investigates the fragmented subject of the present world, touching on the old and always renewed experience of excess. The fundamental destiny of the tragic character is its desire to investigate for a greater truth in a world where there are no certainties and irrefutable postulates. It was verified that in performance art the creation of the tragic arises from affection, establishing a specific connection between the performer and the receiver, allowing the emergence of a tragic

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  • MAURÍCIO BARBOSA DE LIMA
  • ENSAIOS SOBRE A PRÁTICA DESVIANTE DO  PROFESSOR-PERFORMER NO COTIDIANO ESCOLAR

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 27/03/2018

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  • Esta pesquisa de caráter teórico-prático e de cunho qualitativo, apresenta uma discussão estética, e não disciplinar, sobre o cotidiano escolar. A pesquisa ocorreu em uma escola pública do município de João Pessoa - PB, com educandos na faixa etária entre 11 a 60 anos, do Fundamental II e da Educação de Jovens e Adultos. Foram investigadas práticas desviantes que evidenciam as emergências produzidas na interação discente-docente, expressas na atuação de um professor-performer (CIOTTI, 2014). Segue-se a indicação de praticantes ordinários mencionada em Michel de Certeau (1998), a fim de vivenciar outros modos de habitar este território. Como procedimento metodológico, utilizei a análise cartográfica (PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2015) que visa acompanhar processos em movimento. O diário de campo, proposto pelo francês René Lourau (1993), auxiliou-me ao restituir temas que pulsaram durante o desenvolvimento da pesquisa, levando-me a tensionar verdades enrijecidas sobre o cotidiano escolar. Paralelamente, realizei entrevistas com outros professores-performers com o objetivo de elucidar questões acerca de suas práticas desviantes, compartilhando pistas e refletindo sobre elas. Ao invés de definir o perfil do professor-performer, de forma utilitarista, sugiro pistas advindas do encontro com a potência criadora presente nos deslocamentos de percurso. Nomeio esses desvios como lugares pouco frequentados ou esquecidos, incentivando-me a aprender com o “sul” da escola, referenciado pela perspectiva pós-colonial apresentada por Boaventura Santos (2004). Este trabalho dissertativo oferece ao leitor três ensaios. Segue também, em anexo: três entrevistas com os professores-performers - Antônio Wellington de Oliveira Júnior (UFCE), Denise Pereira Rachel (UNESP) e Naira Neide Ciotti (UFRN); e materiais artístico-pedagógicos (plano de ensino anual, exercícios reflexivos, trechos dos meus cadernos de planejamento, dentre outros) que desenvolvi durante a pesquisa. Escrevi a dissertação em formato de ensaios pelo seu caráter híbrido e processual. A forma ensaística, como um gênero textual, filosófico e literário, (LARROSA, 2003) valoriza a subjetividade do pesquisador, dando destaque às microrrelações vivenciadas no dia-a-dia de uma escola pública.


  • Mostrar Abstract
  • This research has a theoretical and practical feature with qualitative nature, presents an aesthetic and non-disciplinary discussion about the school´s routine. The research has been active in a public school in João Pessoa – PB with students between 11 and 60 years old, from middle school to youth and adult education. It were investigated underhand practices that point out emergencies produced by the interaction between teacher and student expressed in the professor-perfomer act (CIOTTI, 2014). Follows the indication of ordinary practitioners mentioned in Michel de Certeau (1998), to experience other ways to inhabit those areas. As a methodological procedure, I used the cartographic analysis (PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2015) which aim to follow the process while is happening. The field diary, that was proposed by the french René Loural (1993), helped me to reestablish themes that pulses during the research´s development, leading me to problematize some toughen truth about the school´s routine. In parallel, I conducted interviews with others professors-performes so I could clarify issues about their deviating practices, sharing clues and reflecting about them. Instead defining the professor-performe´s profile in a utilitarian way, i suggest clues that comes from the encounter with the power that creates and that it is present on the path´s displacement. I name those diversions as deserted places or forgotten places, what encourages me to learn from the “south” of the school, referenced from the post-colonial perspective presented by Boaventura Santos (2004). This dissertation work offers three essays to the readers. Is here attached: three interviews with the professors-performes - Antônio Wellington de Oliveira Júnior (UFCE), Denise Pereira Rachel (UNESP) e Naira Neide Ciotti (UFRN) and artistic-pedagogical materials (teaching annual plan, reflexive exercises, sections of my planning notebook and so on) that I developed during the research. I wrote this dissertation like an essays' format for its hybrid and procedural nature. The essay-like way, as a textual genre, philosophical and literary, (LARROSA, 2003) that values the researcher´s subjectivity, while highlighting the micro-relationships experienced on the daily routine of one public school.

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  • MARIA LUCIVÂNIA DE LIMA BARBOSA
  • ENCENADORAS DO CARIRI EM MÚLTIPLAS FUNÇÕES- trajetos possíveis para a atuação polifônica no teatro de grupo.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • ERNANI DE CASTRO MALETTA
  • Data: 28/03/2018

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  • Na pesquisa de mestrado que deu origem a esta dissertação a autora investigou a atuação de encenadoras em múltiplas funções e as interferências que essa forma de atuação provoca n@s demais envolvid@s na criação teatral, o que foi identificado como formação de um discurso polifônico. A atuação polifônica é entendida como a possibilidade de @ artista desenvolver seu objeto cênico numa relação de apropriação dos demais discursos advindos dos artistas que compõem a criação teatral. Para discutir sobre essa questão a autora apresenta como estudo de caso as artistas que atuam na região do Cariri, no sul do Ceará: Cecília Raiffer, que é encenadora e dramaturga da Cia Engenharia Cênica; Carla Hemanuela, que é encenadora e figurinista-cenógrafa do grupo de teatro Trupe dos pensantes; e sua própria atuação como encenadora, iluminadora e coreógrafa no Coletivo Atuantes em Cena. Com base na investigação aqui registrada, a autora considera que as encenadoras pesquisadas vêm construindo sua poética numa relação dialógica e horizontal com @s demais envolvid@s. Nesse sentido, a pesquisa contribuiu para um estudo sobre a prática de criação teatral numa vertente que se dá pelo viés da troca entre os conhecimentos d@s envolvid@s, o que facilita a prática de autonomia na cena teatral e fortifica o trabalho grupal.


  • Mostrar Abstract
  • In the master's research that gave rise to this dissertation, the authoress investigated the performance of the directress in multiple functions and the interferences that this form of action provokes in the others involved in the theatrical creation, what was identified as the formation of a polyphonic discourse. Polyphonic performance is understood as the possibility of artist developing his or her scenic object in a relation of appropriation of the other discourses coming from the artists that make up the theatrical creation. To discuss this issue, the authoress presents as a case study the artists who work in the region of Cariri, in the south of Ceará: Cecília Raiffer, who is the directoress and playwright of Cia Engenharia Cênica; Carla Hemanuela, who is the stage directoress and costume designer of the theater group Troupe of the thinkers; and her own acting as a directoress, enlightener and choreographer in the Collective Acting in Scene. Based on the research recorded here, the authoress considers that the researched works have been constructing their poetics in a dialogical and horizontal relation with the other envolved. In this sense, the research contributed to a study about the practice of theatrical creation in a way that is due to the bias of the exchange between the knowledge of the involved ones, which facilitates the practice of autonomy in the theatrical scene and fortifies the group work.

     

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  • DIOCÉLIO BATISTA BARBOSA
  • O Corpo Cômico: um mergulho no ri[s]o do palhaço

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • RENATO FERRACINI
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 29/03/2018

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  • As águas, que movem esta pesquisa nascem do desejo de se refletir acerca da linguagem da palhaçaria. Colocamos o foco no corpo cômico e buscamos investigá-lo como potência para a criação artística pondo em evidência a pesquisa do coletivo paraibano ‘Companhia dos Clownssicos’. Objetivamos com este estudo apontar possibilidades criativas de descoberta deste corpo cômico buscando uma organicidade que desemboque num estado risível. Para isto, navegamos pelas terras-devaneios de um palhaço-pesquisAtor, agitando suas águas-memórias que têm nos auxiliado a desvendar a natureza da terra ancestral que nele habita, uma terra que transcende o sentido de firme e assume uma qualidade muito mais movediça. Acreditamos que uma pesquisa sobre o universo do palhaço no meio acadêmico pode suscitar uma rica troca de experiências, assim como aguçar e estimular outros artistas a encontrarem sua maneira de falar, registrar, e além de tudo, refletir sobre o seu processo de trabalho artístico. Por fim, trabalhamos na perspectiva do teatro como encontro e estudamos os afetos que permeiam a máscara líquida do palhaço.


  • Mostrar Abstract
  • The waters that move this research are born of the desire to reflect on the language of the clown. We focus on the comic body and seek to investigate it as a power for artistic creation highlighting the research of the collective of the 'Clownssicos of Company'. We aim with this study to point out creative possibilities of discovering this comic body searching for an organicity that evolves in a laughable state. For this, we navigate through the lands-dreams of a clown-researcher, protagonist of the spectacle of the fruit of this journey, stirring its memories-waters that have helped us to unravel the nature of the ancestral land that inhabits it, a land that transcends the sense of firmness and assumes a much more rapid quality. We believe that research on the universe of the clown in the academic world can bring about a rich exchange of experiences, as well as sharpen and encourage other artists to find their way of speaking and recording their artistic work process. Finally, we work from the perspective of theater as an encounter and study the affects that permeate the clown's liquid mask.

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  • IANE LICURGO GURGEL FERNANDES
  • O improvisar e o compor em dança na escola: Trajetos em construção.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 25/04/2018

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  • Essa pesquisa de mestrado aborda uma reflexão em torno da improvisação e da composição como conteúdos da dança e possíveis estratégias para o seu ensino nas aulas de dança na educação básica. Temos por objetivo discutir os conceitos de improvisação e composição na dança e as prováveis relações entre esses conceitos e os modos de pensá-los na dança contemporânea. Também objetivamos investigar as estratégias de ensino desses conteúdos nas aulas de dança a partir do diálogo com os entrevistados e com a literatura especializada. O trabalho se caracteriza por uma abordagem metodológica de natureza qualitativa e de cunho teórico e tem como interlocutores professores formados nas áreas de Dança, Artes Cênicas e áreas correlatas que foram aprovados em concursos públicos para a vaga de professor de dança no município de natal e em outras cidades do Rio Grande do Norte e autores que dialogam com essa temática como Ostrower (2013, 2014), Muniz (2015), Alvarenga (2015), Almeida (2015), Salles (2013, 2015), Lobo e Navas (2007), Louppe (2012), Rocha (2016) dentre outros. Sabendo a Dança como área de conhecimento, nosso estudo tece um trajeto dos percursos enfrentados pelos professores para realizar o trabalho com a composição e a improvisação com seus alunos no ensino formal e alguns modos de desenvolvimento desses conteúdos a partir da prática pedagógica desses professores. Foi possível compreender que a improvisação em dança e a composição coreográfica são conteúdos que contribuem para o desenvolvimento das habilidades motoras e artísticas, além de formar alunos mais autônomos, criativos, críticos, flexíveis, tolerantes e mais confiantes a partir de uma referência estética da dança contemporânea utilizada como um indicativo nas estratégias das professoras.

     


  • Mostrar Abstract
  • This master's research deals with a reflection on improvisation and composition as dance contents and possible strategies for it's teaching in dance classes on basic education. We aim to discuss concepts of dance improvisation and composition and probable relationships between these concepts and ways of thinking about it in contemporary dance. We also aim to investigate teaching strategies on these contents in dance classes based on interviewees’ dialogues and specialised literature. The work is characterised by a methodological approach of a qualitative and theoretical nature and has as interlocutors trained teachers in the fields of Dance, Performing Arts and related areas that work on public services as dance teacher in Rio Grande do Norte cities ,Natal municipalities and authors that cope with this field such as Ostrower (2013, 2014), Muniz (2015), Alvarenga (2015), Almeida (2015), Salles (2013, 2015), Lobo e Navas , Louppe (2012), Rocha (2016) and others.As Dance an area of knowledge, our study traces the paths faced by teachers to perform the work with composition and improvisation with their students in formal education and some ways of developing these contents from the pedagogical practice of these teachers. It was possible to understand that improvisation in dance and choreographic composition are contents that contribute to motor and artistic development, besides forming more autonomous, creative, critical, flexible, tolerant and more confident students from an aesthetic reference of the dance used as an indicative in the teachers' strategies

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  • LEONARDO PALMA DE SANT' ANNA DA SILVA
  • SORAIA QUEIMADA, FILHA DA VIOLÊNCIA: o corpo descolonizado no teatro show de drag queen.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 02/07/2018

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  • Este trabalho traz os desdobramentos das pesquisas de um artista da cena que se debruça sobre o seu próprio processo de criação, investigando-o e analisando-o criticamente. Por meio da personagem drag queen Soraia Queimada, corpo bicha-preta-periférica, é criada uma acaricatura de aspectos da sociedade brasileira da segunda decada do século XXI profundamente marcada pela violência. Soraia Queimada protagoniza um teatro show, estruturado a partir de expedientes presentes no Teatro de Revista, pelo qual o artista pesquisador investiga a criação de um corpo em cena descolonizado, que opera independente do modelo colonizador do corpo macho - branco - cisgênero - heterossexual. Este trabalho é um compartilhamento de reflexões e desdobramentos de uma pesquisa laboratorial de construção da cena.


  • Mostrar Abstract
  • This work brings the unfolding of researches of a scene artist who looks over his own creation process, investigating it and analyzing it critically. Through the drag queen character Soraia Queimada, a queer-blackperipheral body, is created a caricature of aspects of Brazilian society of the second decade of the twenty-first century, deeply marked by violence. Soraia Queimada stars in a show theater, structured from some aspects present in the Theater of Magazine, by which the researcher investigates the creation of a decolonized body in a scene, that operates independently of the colonizing model of the male - white - cis sex - heterosexual body. This work is a sharing of reflections and unfolding of a laboratory research of construction of the scene.

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  • GLEISON AMORIM DA SILVA
  • Teatralidade Expandida: O professor-performer e a mirada pedagógica como política de montagem e desmontagem cênica.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FABIO GUILHERME SALVATTI
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 06/08/2018

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  • O procedimento artístico/pedagógico de Desmontagem Cênica (CABALLERO, 2009), surge inserido no contexto da cena expandida, para práticas que desenvolveram a "Poética da experiência" em meados dos séculos XIX e XX na América Latina. Sobre a teatralidade, esse procedimento (desmontagem) anunciou aos artistas, grupos e coletivos a possibilidade de um modo performativo de atuar através de diferentes práticas in situ, que se expressasse em diálogo com os processos históricos de seus países, e, em desvelamentos cênicos que lançou outros olhares para o teatro que experimentaram. Do ponto de vista do espectador, a teatralidade se redimensiona e ganha corpo, principalmente para a miscigenação de procedimentos. A mestiçagem na dimensão de mirada, aponta uma política, presente nos constructos compartilhados através das práticas cênicas, que encontram na desmontagem uma possibilidade de realizar um processo didático, e isso nos ajudou na Montagem Cênica de um experimento pedagógico. Esboçamos nosso estudo com o Teatro performático e por um professor-performer agenciados pelo procedimento híbrido (CIOTTI, 2014); trabalhamos com a ideia de ações políticas (BHABHA, 2007), e nos aproximamos das performances pedagógicas que desenvolveram nossa proximidade e interesse em trabalhar com o teatro performativo. O professor-performer, também, é espectador e os temas emergem como uma memória corporal, e uma desconstrução fragmentada se desdobra.


  • Mostrar Abstract
  • The Artistic / Pedagogical procedure of Scenic Disassembly (CABALLERO, 2009), is inserted in the context of the expanded scene, for practices that developed the "Poetics of Experience" in the middle of the 19th and 20th centuries in Latin America. On theatricality, this procedure (disassembly) announced to the artists, groups and collectives the possibility of a performative way of acting through different practices in situ, expressed in dialogue with the historical processes of their countries, and in scenic revelations that cast another glance at the theater they experienced. From the point of view of the spectator, the theatricality is re-dimensioned and gained body, mainly for the miscegenation of procedures. Mestizaje in the dimension of gaze points to a policy, present in the shared constructs through the scenic practices, that find in the disassembly a possibility to carry out a didactic process, and this helped us in the Scenic Assembly of a pedagogical experiment. We outline our study with the Performer Theater and a teacher-performer orchestrated by the hybrid procedure (CIOTTI, 2014); we worked with the idea of political actions (BHABHA, 2007), and we approached the pedagogical performances that developed our proximity and interest in working with performative theater. The teacher-performer, too, is a spectator and themes emerge as a bodily memory, and a fragmented deconstruction unfolds.

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  • CÉSAR FERRARIO LEITE NETO
  • O PORTO DE CHEGADA, AS PROSTITUTAS E O SENTIDO DO AMOR –

    Jornadas de um Dramaturgo em Formação.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • Data: 28/08/2018

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  • A presente pesquisa consiste numa jornada mar à dentro na busca de uma poética que se traduz através da escrita dramática. A partir da elaboração da dramaturgia do espetáculo “Mulheres Invisíveis”, para o grupo Estandarte de Teatro, sediado em Natal, Rio Grande do Norte, a pesquisa repassa um conjunto de experiências pregressas deste autor, na tentativa de encontrar entendimentos e caminhos para uma melhor resolução do seu objeto. E nesse revolvimento do passado, através da organização dos antigos cadernos de anotações de outros processos, além de tentar resolver o desafio posto, dado no presente, o autor tenta também promover um conjunto de reflexões sobre o ofício da escrita dramática. O trabalho, ainda, traz para si a responsabilidade de constituir alguns exercício e procedimentos, que serão aplicados junto ao Grupo, na sala de ensaio, no intuito de coletivizar o conhecimento referencial abordado, estabelecendo aproximações de todo o corpus cênico com a dramaturgia que articula. A metodologia da pesquisa, atendendo a esse ato de rememorar, se delineia de forma metafórica, convidando o leitor a decifrar suas cartas náuticas, evidenciando os percursos desenvolvidos ao longo do processo, tal como uma rosa dos ventos que aponta em várias direções ou como uma mariposa que voa sobre um mapa, desenhando trajetos. A temática, por fim, como denominado, trata de um episódio verídico, em aproximações com o teatro documental, quando cinco mulheres, a quem se atribui o ofício de prostitutas, foram brutalmente assassinadas.


  • Mostrar Abstract
  • The present research consists of a seaward journey into the search for a poetics that translates through dramatic writing. From the drafting of the play "Invisible Women", for the group Estandarte de Teatro, based in Natal, Rio Grande do Norte, the research reviews a set of previous experiences of this author, in an attempt to find understandings and ways for a better resolution of its object. And in this revolving of the past, by organizing the old notebooks of other processes, besides trying to solve the present challenge, the author also tries to promote a set of reflections on the craft of dramatic writing. The work also carries with it the responsibility to constitute some exercise and procedures, which will be applied to the Group, in the test room, with the aim of collectivizing the referential knowledge approached, establishing approximations of the whole scenic body with the dramaturgy that articulates . The research methodology, in response to this act of recollecting, is outlined metaphorically, inviting the reader to decipher their nautical charts, evidencing the paths developed throughout the process, such as a rose of the winds that points in several directions or as a butterfly flying over a map, drawing paths. The theme, as it is called, deals with a veridical episode, in approximations with the documentary theater, when five women who are credited with the trade of prostitutes were brutally murdered.

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  • FRANCISCO DE ASSIS DE LIMA JÚNIOR
  • AS FACES DE GAIA: os modos de compreensão do corpo na Gaya Dança Contemporânea

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • TEREZINHA PETRUCIA DA NOBREGA
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • Data: 29/08/2018

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  • Antes de apresentar as configurações atuais, a Gaya Dança Contemporânea, projeto de extensão existente na Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN, passou por diversas e significativas transformações desde o seu advento em 1990 até os dias de hoje. Como a deusa grega e personificação do planeta, Gaia também responde de formas diferentes às situações as quais é submetida e se reinventa como uma nova Terra. Do mesmo modo, este grupo de dança vem se comportando durante sua existência e, a cada situação a que se põe a experienciar, seus modos de viver o corpo que dança vão sendo alterados e eles se reconfiguram mostrando outras faces distintas. Objetivando entender esse processo, nos valemos da Fenomenologia como abordagem metodológica para propor atravessamentos e discussões a partir das experiências de participantes do grupo e dos  conceitos inerentes à dança como: dança e educação, dança e rendimento, dança e criação. Os resultados apontam para três faces distintas apresentadas pelo grupo em sua linha do tempo e que delimitam os capítulos do texto: a primeira face cujo perfil é o caráter artístico-pedagógico; a segunda que evidencia a busca por um padrão estético de alto rendimento técnico e artístico e a terceira que prima pelas coletividades. A partir desse panorama, o corpo que dança na Gaya é enxergado como um híbrido de si mesmo, afetado pela sua historicidade, e pela gama de referências refletidas em suas faces desde o seu surgimento seguindo-se até os dias atuais.


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  • Before presenting the current configurations, Gaya Dança Contemporânea, an extension project that existed at the Federal University of Rio Grande do Norte - UFRN, underwent several significant transformations from its inception in 1990 to the present day. As the Greek goddess and personification of the planet, Gaia also responds in different ways to the situations it undergoes and reinvents itself as a new Earth. In the same way, this dance group has been behaving during its existence and, with each situation that it is put to experience, its ways of understanding the body that dance are being altered and they reconfigure themselves showing other different faces. In order to understand these modes of understanding, we will use Phenomenology as a methodological tool to propose cross-cutting and discussions based on concepts inherent to dance: dance and education, dance and performance, dance and creation. The results point to three distinct faces presented by the group in its timeline and that will delimit the text's chapters: the first face focusing on the artistic-pedagogical character; the second evidencing a search for an aesthetic standard of high technical and artistic performance and the third one for collectivities. From this panorama, we see the body dancing in the Gaya as a hybrid of itself, affected by its historicity, and by the range of references reflected in its faces from its emergence to the present day.

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  • HILCA MARIA HONORATO DOS SANTOS
  • NA PISADA DOS CABOCLOS: Itinerâncias cênicas e corporais

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JONAS DE LIMA SALES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 29/08/2018

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  • A pesquisa que apresento consiste em uma investigação acerca do corpo do brincante popular, e a manutenção da sua tradição. O objeto da pesquisa é o universo dos Caboclos de Major Sales/RN, figuras presentes e atuantes da tradicional “brincadeira” de Malhação de Judas. Os sujeitos investigados na pesquisa são as figuras representativas, mestre e brincantes, responsáveis pela efetivação da brincadeira. Falarei sobre o impulso gerador da pesquisa, as questões que me surgiram, como dei conta delas, bem como o percurso metodológico que adotei. Dedico-me também ao encontro com o objeto de pesquisa recorrendo a um olhar etnográfico, buscando compreender os sentidos que motivam a brincadeira, e como estes sentidos constituem um elo significativo para a interação destes com a sociedade. Trato também de uma reflexão sobre as questões de espaço-tempo, itinerâncias cênicas e corporais, pensando na cena construída historicamente, socialmente e culturalmente por estes corpos, de modo que o foco investigativo não estará direcionado à realização de movimentos sincronizados, mas sim as expressões de corporeidade vividas tradicionalmente por estes corpos brincantes, e o modo como eles se relacionam com o mundo.

     


  • Mostrar Abstract
  • The research that I introduce consists of an investigation of the body of the folk dancer and the maintenance of his tradition. The object of the research is the universe of the “Caboclos” from Major Sales/Rio Grande do Norte, active figures in the traditional "play" of the Burning of Judas. The investigated subjects in the research are the representative figures, master and players, responsible for the happening of the play. I will address the main impulse of the research, the issues that arose, how I treated them, and the methodological course I adopted. I also dedicate myself to the encounter with the object of research using an ethnographic approach, seeking to understand the senses that motivate the play, and how these senses constitute a significant link for their interaction with society. I also deal with the reflection on the issues of space-time, scenic and corporal itineraries, thinking about the scene historically, socially and culturally constructed by these bodies, so that the investigative focus will not be directed to the realization of synchronized movements, but rather the expressions of corporeality traditionally lived by these playing bodies, and the way they relate to the world.

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  • HIANNA CAMILLA GOMES DE OLIVEIRA
  • ATO DE TRANSVER: PREPARAÇÃO CORPORAL DE ATORES PARA UM ESPETÁCULO NÃO VISUAL

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 30/08/2018

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  • A pesquisa trata de aspectos da preparação corporal de atores a partir da vivência com o elenco do Projeto de Extensão O QUE OS OLHOS NÃO VEEM, vinculado ao Centro de Educação e Departamento de Práticas Educacionais e Currículos da Universidade Federal do Rio Grande do Norte, sobre a coordenação do Prof. Dr. Jefferson Fernandes Alves. Investiga-se como a ausência do sentido da visão influencia as práticas corporais com os atores, como essa situação reverbera em seus corpos para a cena e na percepção de si. Toma-se como foco de investigação os relatos dos membros do projeto de extensão, os quais são analisados por meio da Análise Temática de conteúdo de Bardin. São tomadas como referências as provocações do filósofo Evegen Bavcar sobre outras dimensões do olhar que estão para além dos olhos, como também a ideia poética de Manoel de Barros acerca do ato de transver. Elas compõem a investigação do não visual como possível ferramenta no trabalho corporal de atores, juntamente com os estudos sobre a atenção de Virginia Kastrup e os conceitos de corpo e Heterotopia de Michel Foucault. Como resultados discute-se temas como: a dimensão tátil do olhar, ver como algo relacional, a reversão do estado de atenção, a atenção a si, a preparação corporal como um não lugar, a criação de um corpo utópico e alteridade entre atores e espectadores.


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  • The research deals with aspects of body preparation of actors from the experience with the cast of the Extension Project WHAT THE EYES DO NOT SEE, linked to the Education Center and Department of Educational Practices and Curricula of the Federal University of Rio Grande do Norte, about the coordination of Prof. Dr. Jefferson Fernandes Alves. It is investigated how the absence of the sense of sight influences the body practices with the actors, as this situation reverberates in their bodies for the scene and in the perception of itself. As a focus of research, the reports of extension project members are analyzed through Bardin's Thematic Content Analysis. Reference is made to the provocations of the philosopher Evegen Bavcar on other dimensions of the eye that are beyond the eyes, as well as the poetic idea of Manoel de Barros on the act of transver. They compose the investigation of non-visual as a possible tool in the bodywork of actors, along with studies on the attention of Virginia Kastrup and the concepts of body and Heterotopia by Michel Foucault. As results we discuss topics such as: the tactile dimension of the look, see as something relational, the reversal of the state of attention, attention to self, body preparation as a no place, creation of a utopian body and alterity between actors and spectators

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  • PAUL MAILLIW DE MORAES PONTES
  • CAMINHO SOBRE A PONTE QUE CONSTRUÍMOS:

    REFLEXÕES SOBRE AS EXPERIÊNCIAS DE UM ARTISTA-PROFESSOR E SUAS AULAS-ENCONTROS

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/10/2018

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  • A seguinte pesquisa fundamenta-se nos alicerces do Teatro e da Educação e busca contribuir para os processos de estudos das grandes áreas, bem como apontar novas possibilidades para o ensino de Teatro na Educação Básica. Um dos focos da pesquisa está sob a figura do Artista-Professor que nesse trabalho é entendido como um fazedor da própria arte que ensina, aproximando-se assim dos conceitos de Professor-Artista (STRAZZACAPPA, 2006), Professor-Performer (ICLE, 2013) e ainda Diretor-Pedagogo (HADERCHPEK, 2009). Logo, o Artista-Professor, passa a ocupar uma função mediadora entre o aluno e a prática teatral, conduzindo-o através de Aulas-Encontros. Tal conceito é esmiuçado ao longo do processo e se pauta na ideia da Arte do Encontro de Grotowski (2011), o que contribui, diretamente, para o pensamento metodológico do trabalho que busca expandir a compreensão de aula através de um convite do professor para o aluno; tudo isso proposto dentro de uma escrita ensaísta sobre Educação, Teatro e Experiência.


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  • The following research is based on the foundations of Theater and Education and seeks to contribute to the study processes of the large areas, as well as to point out new possibilities for the teaching of Theater in Basic Education. One of the focuses of the research is the figure of the Artist-Teacher who in this work is understood as a maker of the art that teaches, creating an approximation with the concepts Professor-Artist (STRAZZACAPPA, 2006), Professor-Performer (ICLE, 2013) and Director-Pedagogue (HADERCHPEK, 2009). Therefore, the Artist-Teacher, takes on a mediating function between the student and the theatrical practice, conducting it through Lessons-Encounters. This concept is explored throughout the process and is based on the idea of the Art of Encounter of Grotowski (2011), which contributes directly to the methodological thinking of the work that seeks to expand the understanding of lessons through an invitation from the teacher to the student; all of which is proposed in an essayist writing about Education, Theater and Experience.

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  • MILENA LENORE DE OLIVEIRA
  • A MEMÓRIA DO CORPO E O CORPO DA MEMÓRIA: VIVÊNCIAS COM A MÍMESIS CORPÓREA

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • CARMELA CORRÊA SOARES
  • Data: 26/10/2018

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  • Esta dissertação se deu a partir da vivência da técnica da Mímesis corpórea, sistematizada pelo LUME - Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP, tendo como premissa, às memórias de um grupo de idosas participantes do Projeto “Vida com Maturidade”, desenvolvido pela equipe da COAPS - Coordenadoria de Apoio Psicossocial, parte integrante do Departamento de Atenção à saúde do Servidor – DAS/UFRN. Como meio para instigar essas memórias, foram utilizados alguns elementos provocadores em um processo de rememorar, feito isto, os relatos de memórias foram transcritos e transformados em texto e através da mímesis corpórea, estes textos se tornaram em memória no/do corpo. Com vistas a fomentar o treinamento e o trabalho de composição cênica, a atriz-pesquisadora participou dos laboratórios práticos de investigação e criação do Projeto Voz e Teatro, conduzidos pela professora e coordenadora Mayra Montenegro – UFRN, que dentre outros, tem o objetivo de realizar uma série de estudos teórico-práticos acerca da mímesis corpórea. Como resultado dessas vivências, pretende-se compartilhar essas memórias através de um exercício cênico intitulado “O corpo da memória”.

     


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation was based on the experience of the body mimesis technique, systematized by LUME - UNICAMP 's Interdisciplinary Center for Theater Research, based on the memories of a group of elderly participants in the Life with Maturity Project, developed by the COAPS - Coordination of Psychosocial Support, an integral part of the Department of Health Care of the Server - DAS / UFRN. As a means to instigate these memories, some provocative elements were used in a process of remembering; thus, the reports of memories were transcribed and transformed into text and through bodily mimesis, these texts became memory in / of the body. In order to promote the training and the work of scenic composition, the researcher participated in the practical laboratories for research and creation of the Voice and Theater Project, conducted by the teacher and coordinator Mayra Montenegro - UFRN, among others. a series of theoretical-practical studies on the bodily mimesis. As a result of these experiences, it is intended to share these memories through a scenic exercise titled "The Body of Memory"

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  • RAIANA DE FREITAS PALUDO
  • PIRATAS AO MAR: REFLEXÕES SOBRE A EXPERIÊNCIA DA PRÁTICA PEDAGÓGICA TEATRAL A PARTIR DO CORPO-VOZ E DA COMICIDADE

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • BARBARA BISCARO
  • ELANE FÁTIMA SIMÕES
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 03/12/2018

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  • A pesquisa pode ser caracterizada a partir de uma abordagem descritiva, reflexiva, teórica e prática sendo desenvolvida por meio de uma experiência voluntária no campo da pedagogia teatral, tendo como objetivo fomentar reflexões oriundas da experiência da prática pedagógica teatral partindo do corpo-voz e da comicidade. Para tanto, foi realizada, durante o segundo semestre do ano de 2017, a oficina denominada: CORPO-VOZ, e um riso, com duração de seis meses, junto a um grupo de estudantes do ensino médio do Campus Natal Central no Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Rio Grande do Norte (CNAT/IFRN). A coleta de dados se deu a partir de relatos das experiências da viagem no mar da didática e dos processos de ensino-aprendizagem da arte cênica. Essa pesquisa buscou abrir um espaço de diálogo sobre as possibilidades criativas dentro das instituições de ensino. Meu intento não foi definir metodologias ou regras absolutas, e sim levantar reflexões acerca da pedagogia teatral com base nos elementos da comicidade e do trabalho de corpo-voz, de forma que se constituam, no contexto desta pesquisa, como referências e estratégias teóricas e práticas que possam contribuir com o trabalho de artistas-docentes em pesquisas relacionadas à temática.


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  • The research sought to point out ways that can be used to develop comedy in actors and actresses through the use of the voice body, so that they constitute references and strategies that can contribute to the work of actors in research related to the theme. With a descriptive and exploratory character, and with an essentially qualitative approach, the research has as object of study a group of students of Campus Natal Central of the Federal Institute of Education, Science and Technology of Rio Grande do Norte - CNAT / IFRN.

2017
Dissertações
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  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • “SAUDADES Z(É)”: METAFORIZANDO A CONSTRUÇÃO DO CORPO BRINCANTE

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • Data: 06/01/2017

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  • O texto em mãos tem como objetivo central apresentar a pesquisa intitulada “Saudades Z(é): Metaforizando a construção do corpo brincante”. A pesquisa aqui descrita faz referência às memórias do ator-pesquisador, Sebastião Silva, acerca da brincadeira do Boi de Reis da comunidade do Sítio de Santa Cruz, da Cidade de Vera Cruz/RN. A metáfora da construção do corpo cênico já é uma poética, um exercício de arte. E é nesta perspectiva que se dá a metáfora da construção do corpo do brincante “Zé de Moura” enquanto uma pedagogia da cena. Optamos por um recorte sobre o corpo desse brincante que assumiu durante muitos anos o personagem do Mateus na brincadeira do Boi de Reis. A pesquisa atravessa as memórias de um povo, dos brincantes do Boi de Reis e do pesquisador enquanto aquele que se contaminou com a magia da brincadeira. Ela ancora-se no processo ritual (TURNER, 1974), a partir dos conceitos de tempo liminar, estrutura e antiestrutura e precisamente na memória como recriação do vivido (LEONARDELLI, 2008).


  • Mostrar Abstract
  • This paper aims to present a study entitled “Saudades Z(é): metaphorizing the construction of the body brincante.” The research makes reference to the memoirs of the author-researcher, Sebastião Silva, about the game Boi de Reis in the community Sítio de Santa Cruz, in Vera Cruz city/RN. The metaphor of the construction of the scenic body is already poetry, an art exercise. It is from that perspective that occurs the metaphor of the construction of the body brincante “Zé de Moura” as pedagogy of the scene. It was chosen a snip about the body of brincante that assumed for many years the character Mateus in the game Boi de Reis. The research passes through the memoirs of a people, brincantes of the Boi de Reis and the researcher as the one that infected themselves with the magic of the game. It is anchored in the ritual process (TURNER, 1974), from the concepts of beginning time, structure and anti-structure and precisely in the memoir as recreation of the lived (LEONARDELLI, 2008).

2
  • ANA LUIZA PALHANO CAMPOS SILVA
  • O CENOTEC/UFRN:estudo sobre uma proposta de ensino de Cenografia na Licenciatura em Teatro

     

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • FÁTIMA COSTA DE LIMA
  • Data: 30/01/2017

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  • Esta dissertação possui como tema de estudo o papel do ensino de Cenografia na formação do professor de Teatro. Nesse sentido, buscou-se apresentar uma análise sobre a proposta de formação em Cenografia ofertada pelo Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena - CENOTEC aos alunos do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Trata-se de uma pesquisa de natureza qualitativa que, utilizando os métodos e as técnicas do estudo de caso como observação participante, entrevistas, questionários e análise de documentos e registros (fotográficos e cinematográficos), visou refletir como esse laboratório contribui para a formação do professor de Teatro nesta universidade, quais ações pedagógicas desenvolve e quais os desafios enfrenta. Para a construção desta análise, a pesquisa dialoga com autores como Pâmela Howard (2009) e Mickinney e Butterworth (2009), na discussão sobre Cenografia e suas transformações nos séculos XX e XXI, além de Araújo (2005), Freire (2010), Leite (1996), Salles (2012) e Alves (2006) no debate sobre ensino de Cenografia e formação de professores. Portanto, por meio desta investigação, busca-se difundir e ampliar as discussões sobre os aspectos pedagógicos do ensino de Cenografia para além dos aspectos técnicos no campo da Pedagogia Teatral.


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  • This dissertation project has as study subject the role of scenography teaching in the formation of the Theatre teacher. In this sense, seeks to present an analysis of the training proposal in scenography offered by Scenographic Studies and Scene Technologies Laboratory - CENOTEC to the students of bachelor's degree in Theatre of the Federal University of Rio Grande do Norte – UFRN. This is a qualitative research, using the methods and techniques of the case study as participant observation, interviews, questionnaires and analysis of documents and records (photographic and cinematographic), that aims to reflect how this laboratory contributes to the formation of Theatre teacher at this university, which educational activities develops and what challenges facing. For the construction of this analysis, the research dialogues with authors like Pamela Howard (2009) and Mickinney and Butterworth (2009), about the discussion of scenography and its transformations in the twentieth and twenty-first centuries, and Araújo (2005) and Freire (2005), in the debate about scenography teaching and teachers training. Therefore, through this research, we seek to spread and expand discussions on the pedagogical aspects of scenography teaching beyond the technical aspects in the field of Theatre Pedagogy.

3
  • CLARA TALHA MELO DE SOUSA
  • A VOZ DO DONO E O DONO DA VOZ: PROPRIOCEPÇÃO NA PREPARAÇÃO VOCAL DO ATOR

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • ERNANI DE CASTRO MALETTA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 30/01/2017

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  • A presente dissertação investigou por meio de pesquisa teórico-prática o conceito de propriocepção, conforme Damásio (2011), estratégias de trabalho de preparação vocal que potencializem as capacidades vocais dos atores de teatro, como forma de contribuir para o desenvolvimento de suas identidades vocais, técnicas pessoais e rotinas de aquecimento e desaquecimento vocal. Nessa perspectiva, averiguamos a relevância do trabalho de expressão vocal com técnicas como o método Belting Contemporâneo, tendo em vista expandir a imagem vocal, a respiração e a percepção da voz e seus recursos num grupo de quinze atores adolescentes. Como culminância das sessões experimentais e para enriquecer nossa reflexão crítica, fizemos o acompanhamento e documentação de uma experimentação cênica com o grupo “Cabe na sacola”, formado por estudantes do IFPB – “Instituto Federal de Educação Ciência e Tecnologia da Paraíba”.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation is the record of a theoretical and practical research on vocal preparation strategies that enhance the vocal abilities of theater actors, in order to contribute to the development of their vocal identities, personal techniques and warm-up routines and vocal slowdown, with based on the concept of proprioception, as Damasio (2011) ascertained the relevance of utterance work with techniques such as Belting Contemporary method, in order to expand the vocal image, breathing and perception of voice and its resources in a fifteen group teenage actors. As a culmination of the experimental sessions and to enrich our critical reflection, we made the monitoring and documentation of a scenic experimentation with It group” Cabe na Sacola”, formed by students of IFPB - "Federal Institute of Science Education and Technology of Paraíba", the results were evaluated at the Clinical School of Speech, Federal University of Paraíba UFPB-and showed respiratory and phonation improvements.

4
  • DAIANI CEZIMBRA SEVERO ROSSINI BRUM
  • A atuação de palhaças e palhaços: o hospital como palco de encontros

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 10/02/2017

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  • O presente trabalho trata-se de uma investigação em Artes Cênicas que teve como mote algumas inquietações pessoais da autora ao atuar como palhaça em hospitais de São Paulo e de Natal. A partir dessa experiência profissional, identificou-se que há peculiaridades no trabalho de atriz e de palhaça próprias aos diferentes espaços da sociedade. No contexto aqui pesquisado, destaca-se a necessidade que as figuras palhacescas têm de engendrar uma abertura em que possam se relacionar com os seres e com os acontecimentos do espaço e do tempo hospitalares. Por isso, pergunta-se: comparado aos demais âmbitos de atuação palhacesca, quais são as principais peculiaridades do hospital? Com base na experiência de profissionais palhaças e palhaços que atuam em contextos hospitalares, quais são os principais aspectos a serem considerados na atuação nesses espaços? No intuito de responder a essas questões, objetiva-se investigar a atuação de palhaças e palhaços em palcos hospitalares, contextualizando, para isso, tal atuação no âmbito das práticas cênicas. Além disso, a partir da descrição de experiências nos campos hospitalares, pretende-se identificar os principais aspectos que configuram essas vivências artísticas em contato com o cotidiano do hospital. Com base numa metodologia fenomenológica fundamentada em Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), buscou-se dialogar com experiências palhacescas hospitalares através de entrevistas realizadas com sete membros da Organização Não Governamental (ONG) Doutores da Alegria, bem como com o palhaço Ésio Magalhães, que fez parte do elenco da ONG até o ano de 2003. Como resultados desta pesquisa propõe-se a discussão sobre o jogo cênico a partir da mescla das técnicas de treinamento pessoal e das sensibilidades de cada artista, como também a atuação palhacesca no hospital como experiências de encontros teatrais. Para tanto o referencial teórico abrange a Fenomenologia de Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), o conceito de Jogo colocado por Huizinga (2014) e os estudos brasileiros sobre o riso, o cômico e a palhacaria, tais como os de Burnier (2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) e Sacchet (2009).


  • Mostrar Abstract
  • This work is an investigation in Scenic Arts that had as motto some personal concerns of the author when acting as a clown in hospitals of São Paulo and Natal. From this professional experience, it has been identified that there are peculiarities in the work of actress and clown in different spaces of the society. In the context researched here, it is emphasized the need for the clowns to have to engender an opening in which they can relate to beings and to the events of space and hospital time. Therefore, it is asked: what are the main peculiarities of the hospital compared to the other areas of palhaceous activity? Based on the experience of professional clowns who work in hospital settings, what are the main aspects to be considered in acting in these spaces? In order to answer these questions, the objective is to investigate the performance of clowns in hospitals, contextualizing, for this, such action within the framework of scenic practices. In addition, from the description of experiences in the hospital fields, we intend to identify the main aspects that configure these artistic experiences in contact with the daily life of the hospital. Based on a phenomenological methodology based on Merleau-Ponty (2006, 2007, 2011), we sought to dialogue with hospital clownings experiences through interviews with seven members of the Non-Governmental Organization (NGOs) Doutores da Alegria, as well as the clown Ésio Magalhães, who was part of the NGO's cast until the year 2003.  As a result of this research, we propose to discuss the scenic play based on the mixture of personal training techniques and the sensibilities of each artist, as well as the performance of clown in the hospital as experiences of theatrical meetings. In order to do so, the theoretical reference covers the Merleau-Ponty Phenomenology (2006, 2007, 2011), the play concept posed by Huizinga (2014) and the Brazilian studies on laughter, comics and palhacaria, such as Burnier 2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) and Sacchet (2009).

5
  • NYKAELLE APARECIDA PEREIRA DE BARROS
  • Técnica de bufão: Possibilidades teórico-práticas para o ator contemporâneo

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • Data: 15/02/2017

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  • O bufão tem uma forte representação social. Sua imagem pode provocar repúdio e estranheza, mas também, sua liberdade gestual e verbal pode produzir admiração, uma vez que ele demonstra desejos e instintos que o homem comum possui, mas que procura esconder de si mesmo e da sociedade, devido aos padrões e tabus impostos por esta. Atualmente, ao trabalhar com a ideia bufonesca a partir da deformação física, o figurino é de extrema importância; porém, a corporeidade construída através do treinamento com esta técnica, é fundamental para que não tenhamos apenas uma imagem superficial da bufonaria. Acreditamos que para a constituição de tal figura o ator deve buscar um corpo que pareça verdadeiro, pela qualidade de sua caracterização e, principalmente, pelo seu trabalho de criação. A pesquisa teve como objetivos compreender como se dá a construção do corpo bufonesco e como este se configura na transformação do corpo do ator, bem como inquerir como se constrói tal corpo a partir das oficinas e espetáculos do Grupo Bufões de Olavo. Para tanto, partiu-se de tais questionamentos: Como a técnica de bufão pode ser potente no treinamento do ator/atriz? Como se configura o corpo bufonesco ético/estético na contemporaneidade e como tal técnica de bufão pode ser utilizada nos processos de formação do ator/atriz contemporâneo? A proposição metodológica utilizada foi a observação participante como uma metodologia que não se coloca como agente de interferência direta, mas, que está envolvida completamente, sendo necessário um registro minucioso, que pode ser feito em material audiovisual, para que o pesquisador possa observar inclusive a si mesmo, dentro do processo de construção do trabalho realizado. Através da montagem do espetáculo “Wanderer – O Reino dos Cegos”, investigamos os exercícios dentro da técnica de bufão, experimentamos e discutimos. Percebemos o quanto amadurecemos e o quão importante tem sido trabalhar com esta estética, desenvolvendo nosso discurso enquanto artistas, pessoas, produtores de arte. Desenvolvemos oficinas e performances, que nos deram a oportunidade de observar a reverberação desse trabalho em outras pessoas, podendo perceber a potência dessa pesquisa na contribuição do nosso trabalho e de outros artistas que pudemos ter contato.


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  • The buffoon has a strong social representation. His image may provoke repudiation and strangeness, but also his gesture and verbal freedom can produce admiration, since he demonstrates desires and instincts that the common man possesses, but which seeks to hide from himself and society, due to the standards and taboos Imposed by it. Nowadays, when working with the buffoon idea from the physical deformation, the costumes are extremely important; But the corporeality constructed through training with this technique is fundamental so that we do not have only a superficial image of the buffoonery. We believe that for the constitution of such a figure the actor must seek a body that seems true, for the quality of its characterization and, mainly, for its work of creation. The research had as objectives to understand how the construction of the buffoon body and how this one is configured in the transformation of the body of the actor, as well as inquerir how is constructed such body from the workshops and spectacles of the GrupoBufões de Olavo. To do so, we started with such questions: How can the buffoon technique be potent in the training of the actor / actress? How is the ethical / aesthetic buffoonish body configured in contemporaneity and how can such a buffoon technique be used in the processes of contemporary actor / actress formation? The methodological proposition used was participant observation as a methodology that is not used as a direct interference agent, but which is completely involved, requiring a detailed recording, which can be done in audiovisual material, so that the researcher can observe even the Itself, within the process of building the work done. Through the assembly of the show "Wanderer - The Kingdom of the Blind", we investigated the exercises within the buffoon technique, experimented and discussed. We realize how much we mature and how important it has been to work with this aesthetic, developing our discourse as artists, people, producers of art. We developed workshops and performances, which gave us the opportunity to observe the reverberation of this work in other people, being able to perceive the power of this research in the contribution of our work and other artists that we could have contact with.

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  • ANA RACHEL DA SILVA CAVALCANTE
  • ELES NÃO USAM BLACK-TIE: UMA LEITURA DAS MICRO-RELAÇÕES DE PODER

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • SANDRA AMÉLIA LUNA CIRNE DE AZEVEDO
  • Data: 17/02/2017

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  • Esta pesquisa possui como principal objetivo analisar e estudar as micro-relações de poder existentes entre as personagens da peça Eles Não Usam Black-Tie, escrita por Gianfrancesco Guarnieri, em 1955. Pretendemos também mostrar um experimento cênico, no qual buscamos visualizar os micro-poderes em cena. A metodologia escolhida inclui a leitura do texto de Guarnieri observando a inter-relação entre as personagens. Esta observação é realizada sob a perspectiva do poder. O nosso principal suporte teórico para a realização das análises é um conjunto de colocações apresentadas pelo pensador francês Michel Foucault, especialmente a respeito da obra Microfísica do Poder e das questões referentes às teias do poder. As reflexões trazidas por Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço e Anatol Rosenfeld foram também primordiais para entender os aspectos dramatúrgicos da peça, como também a estrutura macropolítica da época em que ela foi encenada. Desse modo, a pesquisa visa facilitar a percepção para as micro-relações presentes no texto Eles Não Usam Black-Tie, bem como expor uma possibilidade de visualização cênica destes elementos. Para isto, utilizamos para a reflexão cênica autores como: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.    


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  • This research is focused in the analysis of the micro-relations of power consisted between characters in the play Eles Não Usam Black-Tie, written by Gianfrancesco Guarnieri, in 1955.  In this context, we will present a scenic experiment which represents the micro-power inside the scene. The methodology used in this study was based on the reading of the Guarnieri’s play and making observations about the inter-relationship between the characters. This observation is made from the perspective of power. To support our analyses, we used the set of placements showed by the French writer Michel Foucault, especially in his work Microfisica do Poder which presents the influences of the power. We used the reflexions obtained by Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço and Anatol Rosenfeld to understand the dramatic aspects and the macro-political structure of the time where the play was written. Thus, this research aims to make an easier understanding of the perception of micro-relations present in Eles Não Usam Black-Tie and show a possible visualization of these elements inside the scene. In this respect, we used the reflexions obtained in works from authors as: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.    

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  • CAMILA SILVEIRA DUARTE
  • AFECÇÕES E PAISAGENS IN TRANSIT: Processos de Desterritorialização / Reterritorialização e Deslocamentos Poéticos nas Obras da Artista Afegã Lida Abdul

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/02/2017

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  • Esta pesquisa tem como intuito apresentar uma reflexão acerca da trajetória artístico-biográfica da artista afegã Lida Abdul (1973), a partir da análise de três de suas obras: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) e “Global Porn” (2002), nas quais levanta questões e aborda temas sobre intervenções artísticas em territórios de conflito, relações entre corpo e violência, e reflexões sobre a dialética entre o sistema capitalista e performances políticas, respectivamente. Também serão discutidos, em consonância com as obras da artista, os conceitos de desterritorialização e reterritorialização, identidades móveis, e fronteiras permeáveis entre as linguagens artísticas, tendo como objeto direto para esse diálogo: a Performance Art.


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  • The main goal from this research is to reflect about the art with life and journey from the afghan artist Lida Abdul (1973), analysing and reviewing three of  her works: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) and “Global Porn” (2002). She rises questions concerning artistic interventions at conflict areas, the relationship between body and violence, and reflections about the dialectic between the capitalism system and political performances, respectively. Also, as a part of her work, it will be discussed the concept of desterritorialization and  reterritorialization, mobil identities, porous borders, between artistic languages, where  the Performance Art becomes a straight object for its dialogue.

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  • KARLA LIDIANE COSTA MARTINS SILVA
  • Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção.

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOHN COWART DAWSEY
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/02/2017

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  • A presente dissertação, intitulada Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção, trafega sobre os solos da arte e do sagrado, aqui abordados por meio de uma pesquisa prática/teórica encampada pela artista-pesquisadora Karla Martins acerca do seu mito-guia: Santa Teresinha do Menino Jesus. A santa francesa, também conhecida como da Sagrada Face, manifesta-se nesta investigação a partir do campo da mitologia pessoal da artista-pesquisadora e é desvelada por uma experiência performática. Para a construção desta experiência, lança-se mão da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, práticas/conceitos capitaneados pela Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ / UFRN), que, por sua vez, estão ligados aos campos da Antropologia da Experiência (Antropologia da Performance), do antropólogo Victor Turner, e da Antropologia do Imaginário, do sociólogo Gilbert Durand, que em si transitam acerca de ritos de passagem, da imagem, do mito e do ritual. A partir da aplicação dos procedimentos mitodológicos, vê-se eclodir as pulsões mais íntimas da artista-pesquisadora, que perpassam a escrita e a criação da performance Thérèse


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  • This dissertation, entitled Thérèse, ecstasy of an offered body: the mythodological journey of a f(r)iction artist, travels over the grounds of art and holiness, discussed here by means of a practical/theoretical research embraced by the artist-researcher Karla Martins about her guide-myth: Saint Therese of the Child Jesus. The French saint, also known as the Holy Face, manifests itself in this investigation through the scope of the artist-researcher’s personal mythology and unveils herself through a performative experience. In order to carry such experience on, the research was based on the Mythodology in Art and the Artethnography, practices/concepts upheld by Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ), which, in turn, are connected to the fields of Anthropology of Experience (Anthropology of Performance), led by anthropologist Victor Turner, and Anthropology of the Imaginary, led by sociologist Gilbert Durand, which by their turn involve rites of passage, image, myth and ritual. The application of these mythodological procedures cause the most intimate of the artist-researcher’s pulsions to erupt and pervade her writing, as well as the creation of the performance Thérèse itself. 

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  • WALLACE JOSÉ DE OLIVEIRA FREITAS
  • DOSSIÊ JAN FABRE: DIÁLOGOS E GERMINAÇÕES

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARA LUCIA LEAL
  • Data: 22/02/2017

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  • O presente trabalho procura desenvolver reflexões no campo das artes sobre as possibilidades de teatro para além do texto clássico (aristotélico) e das separações homogêneas das linguagens artísticas levando em consideração duas produções do artista belga Jan Fabre. Entendendo que teatro performativo seria esse lugar entre o teatro e a performance, onde um percebe no outro a capacidade de germinação, objetiva-se apresentar esse artista e utilizar como base as obras The Power of Theatrical Madness (o reenectament de 2012) e Mount Olympus (uma performance de 24 horas de duração – 2015), e, ainda, a sede do diretor – o Troubleyn / Laboratorium. A partir do título do trabalho, sou encaminhado para a ideia de dossiê enquanto espécie de coleção de documentos ou “pequeno arquivo” que contém algum assunto para análise. Nessa ideia, procuro desmembrar características do trabalho artístico de Fabre. Trata-se de obras específicas, mas cuja análise crítica acaba por denunciar o modus operandi de Fabre como um todo. Reside aqui, uma tentativa de traduzir Fabre e seu trabalho, não somente no que tange à linguagem, mas no que se refere às imagens, vídeos e buscas. É uma tradução das várias informações e entrevistas realizadas ao longo dessa jornada. É a tradução também do que eu sinto, percebo e assimilo nesses diálogos constantes com o Troubleyn.


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  • The present study aims to develop reflections in the arts field about the theater possibilities beyond the classic text (Aristotle) and homogeneous separation of the artistic languages taking into consideration two productions of the Belgian artist Jan Fabre. Understanding that Performative Theater would be this place between the theater and the performance, where one realizes on the other the germination ability. It’s the intention to introduce this artist and use as a basis of study his works The Power of Theatrical Madness (1984 – 2012), and Mount Olympus (a twenty four-hours performance – 2015) and also his head office, the Troubleyn / Laboratorium. From the title of this work, I walk into the dossier idea as a kind of documents collection or a short file, that carries some subject for analysis. This way, I intend to dismember the features of Jan Fabre’s artwork. However these are specifics works, its critical analysis turns out to reveal Fabre’s modus operandi as a whole.  Here is an attempt to translate Fabre and his works, not only with regard to the language, but to translate what comes from pictures, videos and searches. It´s a translation of information I receive and interviews I´ve done throughout my journey. It´s also a translation of what I feel, I realize and assimilate through these constant dialogues with Troubleyn.

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  • JANAINA GOMES DA SILVA
  • Cara da Mãe: uma jornada de criação pela via da Mitodologia em Arte

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MÁRCIA VIRGINIA BEZERRA DE ARAUJO
  • Data: 22/02/2017

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  • Em meio ao desejo de contar a história de sua mãe e de suas antepassadas por meio da dança e do teatro, Janaína Gomes engravidou de Lótus, seu filho. No mesmo tempo/espaço, duas outras artistas, Ana Luiza Bione e Íris Campos, também grávidas, foram convidadas por Janaína a adentrarem no processo e juntas fundaram o Coletivo Cênico Tenda Vermelha, em Recife-PE, no ano de 2012. A busca por uma escrita de si partindo da experiência materna de cada artista-criadora deste coletivo fez do encontro com a Mitodologia em Arte um ‘caminho de criação’, um meio de transpor para a cena as experiências vivenciadas pelas artistas em contato também com outros coletivos de mães. A Mitodologia em Arte, criada pela Profa. PhD. Luciana Lyra a partir de seus estudos acerca da Antropologia do Imaginário de Gilbert Durand (2012) e da Antropologia da Experiência capitaneada por Victor Turner (1986), é um complexo de criação cênica que lida com forças pessoais as quais movem o atuante na relação consigo mesmo e com a alteridade, em retroalimentação (2010). A presente dissertação visa justamente desvelar a trama investigativa empreendida por Janaína Gomes e o Tenda Vermelha pela via mitodológica, e que acabou por resultar no espetáculo intitulado Cara da Mãe (2015), dirigido por Lyra. Escrito de forma autobiográfica (JOSSO, 2009), e performática (LYRA, 2010), a dissertação toma ainda como guia a jornada do herói (CAMPBELL, 2007).


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  • Between the desire of tell the history of her ancestors and her mother through the dance and the theater, Janaína Gomes got pregnant of Lótus, her son. During the same time/space, two other artists - Ana Luiza Bione and Íris Campos, also pregnants, were invited by Janaina to join in the process and together they founded the theatrical group call “Coletivo Cênico Tenda Vermelha”, in the City of Recife- PE, in the year of 2012. The search for a self-writing based on the maternal experience of each artist-creator of this group made the encounter with the “Mitodologia em Arte” a 'path of the creation process', a way of transport to the scene the experiences lived by the artists and also the contact with other group (collective) of mothers. The “Mitodologia em Arte” was created by the PhD. Professor Luciana Lyra from her studies on “Antropologia do Imaginário” by Gilbert Durand (2012) and the “Antropologia da Experiência” captained by Victor Turner (1986), it’s a complex of scenic creation that deals with personal forces that moves the actor in relation to himself and the sense of otherness, in constant feedback (2010). The present dissertation aims to unveil the investigative plot undertaken by Janaína Gomes and the “Coletivo Cênico Tenda Vermelha” through the ‘mitodologia” path, which ended up in the performance “Cara da Mãe” (2015) directed by Lyra. Written in an autobiographical (JOSSO, 2009), and performatic (LYRA, 2010), this dissertation still takes the hero's journey (CAMPBELL, 2007).

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  • TATIANE CUNHA DE SOUZA
  • O GRUPO MARÉ DE ARTES E A COMUNHÃO RITUALÍSTICA: UM JOGO ENTRE SUJEITOS DE F(R)ICÇÃO

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 23/02/2017

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  • A presente pesquisa tem como estudo central o processo de criação e as experiências cênico-rituais construídas junto aos integrantes do Grupo Maré de Artes Programa Mais Cultura Nas Escolas, da Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, em que a pesquisadora atuou como professora de Teatro, entre os anos de 2014 e 2016. Tal processo criativo foi fomentado a partir de caminhos pedagógicos experienciados, que focam em princípios e procedimentos ritualísticos do jogo e da cena. Da vivência com o Bando La Trupe, desenvolvendo experiências de arte pública, passando pelo Arkhétypos Grupo de Teatro e a proposição da arte do encontro, chegando à Unaluna e os conceitos/práticas da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, a pesquisadora aponta o aluno-atuante como sujeito de f(r)icção (LYRA, 2014), que  atrita suas histórias reais e ficcionais, transitando entre o real e o imaginário, numa constante f(r)icção dele com ele mesmo, dele com o outro e com a comunidade que está inserido.

     


  • Mostrar Abstract
  • This research has as its central study the creative process and the ritual scenic experiences built between the participants linked to the Grupo Maré de Artes – Programa Mais Cultura Nas Escolas, of the Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, where the researcher worked as a Theatre teacher, between the years 2014 and 2016. This creative process was instigated from educational paths that were experienced and that focus on the principles and ritualistic procedures of the scene and the game. From the experience with Bando La Trupe, developing public art experiences; through Arkhétypos Grupo de Teatro and the proposition of the art of the encounter; getting to Unaluna and the concepts/practices of the Mithodology in Art and Artetnography, the researcher points out the student-active as a subject of f(r)iction (LYRA, 2014), which rubs his real and fictional stories, strolling between the real and the imaginary, in a constant f(r)iction from him with himself, with each other and with the community he is inserted. 

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  • ALEXANDRE ARAÚJO DE OLIVEIRA
  • MAPEAMENTO SENTIMENTO-EMOCIONAL DA OBRA CINZAS AO SOLO: URDIDURAS DE UMA CRIAÇÃO EM DANÇA.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LAIS GUARALDO
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 23/02/2017

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  • O texto ora apresentado é resultado da pesquisa de cunho teórico-prático de dissertação de mestrado com título Mapeamento Sentimento-emocional da Obra Cinzas ao Solo: urdiduras de uma criação em dança. A partir da discussão recorrente da atuação das emoções e suas expressões no âmbito da dança cênica ocidental, sobretudo, na contemporaneidade, traz à tona conceitos advindos das ciências cognitivas sobre emoção, sentimento, e sentimentos emocionais, abordados por estudiosos como António Damásio (2011) e Paul Ekman (2011). Tem por objetivos apontar como o entendimento proposto por esses autores pode configurar a construção de obras de dança contemporânea e discutir possíveis ferramentas de recuperação de estados emocionais para a performance da obra investigada por meio de mapeamentos dos sentimentos de emoções. Esta pesquisa tem como metodologia a análise qualitativa e processual da criação do Cinzas ao Solo, obra solística apresentada pelo autor. O texto está disposto da seguinte maneira: um primeiro capítulo introdutório ao tema das emoções e sentimentos tratados nas artes da cena, mais especificamente na dança, com base nos olhares lançados às próprias emoções e sentimentos por pesquisadores das ciências da mente. Em seguida, é apresentado o objeto da pesquisa: A investigação no modo como as emoções e não somente suas expressões operaram em um processo de criação em dança. Logo, é exposto o caminho metodológico que percorremos ao longo do escrito para, só então, serem anunciados os conceitos de emoções e sentimentos de modo mais aprofundados e já operacionalizados no capítulo II. No último capítulo é descrito como o jogo das emoções se deu durante a criação da obra Cinzas ao Solo, o que compreende os momentos de Respiro, que são os instantes finais nos quais há as apresentações públicas da obra em estudo. Por fim, trazemos as considerações finais, tecidas junto a reflexão gerada pela totalidade da experiência da pesquisa artístico-acadêmico. Nosso desejo é que esse trajeto escrito possa contribuir para o laborar e refletir de outros artistas, uma vez que tentamos, durante todo o percurso investigativo, lançar luz sobre alguns dos aspectos que consideramos mais importantes na feitura da dança cênica: as emoções e os sentimentos. Pois, seguramente, quanto mais consciência do funcionamento desses mecanismos presentes no corpo, melhor podemos velejar nas paisagens infindáveis da criação.


  • Mostrar Abstract
  • The text presented here is the result of the theoretical-practical research of a master's thesis with the title Sentiment-Emotional Mapping of the Ashes to the Ground work: warps of a creation in dance. From the recurrent discussion of the performance of the emotions and their expressions in the Western scene, especially in contemporary times, it brings to light concepts derived from the cognitive sciences about emotion, feeling, and emotional feelings, addressed by scholars such as Antonio Damásio (2011) and Paul Ekman (2011). The purpose is to point out how the understanding proposed by these authors can configure the construction of contemporary dance works and discuss possible tools for the recovery of emotional states for the performance of the work investigated through mapping the feelings of emotions. This research has as methodology the qualitative and procedural analysis of the creation of Ashes to the Ground, a solo work presented by the author. The text is arranged as follows: a first introductory chapter to the theme of emotions and feelings treated in the arts of the scene, more specifically in dance, from the looks thrown to the own emotions and feelings by researchers of the sciences of the mind. Then the research object is presented: The investigation into the way the emotions and not only their expressions operated in a process of creation in dance. Therefore, the methodological path that we go through throughout the writing is exposed so that the concepts of emotions and feelings can be announced in a more detailed way already in operation in chapter II. In the last chapter it is described how the game of the emotions occurred during the creation of the Ashes to the Ground work, which comprises the moments of Respite, that are the final instants in which there are the public presentations of the work under study. Finally, we bring the final considerations, woven together with the reflection generated by the totality of the artistic-academic research experience. Our desire is that this written path can contribute to the work and reflection of other artists, since we try, during the entire investigative course, to shed light on some of the aspects that we consider most important in the making of the scenic dance: emotions and feelings. For surely, the more consciousness of the functioning of these mechanisms present in the body, the better we can sail in the endless landscapes of creation.

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  • DANIELA BENY POLITO MORAES
  • Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSÉ LUIZ LIGIÉRO COELHO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 23/02/2017

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  • A presente pesquisa de mestrado “Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica”, sob orientação da professora doutora Teodora de Araújo Alves visa compreender o trânsito da Dança de Iansã e dos seus elementos míticos entre o Candomblé, o Afoxé, o Laboratório e o Teatro, a fim de elaborar uma proposição metodológica para ampliação do repertório corporal de intérpretes-criadores/as. Por se tratar de um estudo que envolve subjetividade dos/as indivíduos/as relacionados/as a esta pesquisa, o mesmo se debruça sobre as bases da Fenomenologia proposta por Merleau-Ponty ao tratar da corporeidade como a forma de ser-estar no mundo. Para refletir sobre os campos da Performance que compõe esta investigação, busco dialogar com a Antropologia da Performance com base nos estudos de Richard Schechner e Victor Turner, a Antropologia Teatral proposta por Eugenio Barba e os estudos em Performances afro-ameríndias desenvolvido por Zeca Ligiéro. Esta investigação se desenvolveu junto ao Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), observando a saída-de-orixá da Ialorixá Nany Moreno – também coordenadora do Afoxé – e com os experimentos prático-criativos junto ao Coletivo Cores (Natal/RN).


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  • The present research of master "Iansan elements like possibility to scenic creation", under the guidance of Professor Teodora de Araújo Alves aims to understand the traffic Iansan dance and its mythical elements between Candomblé, Afoxé, the lab and the theatre, in order to elaborate a methodological proposal for expansion of the body of repertoire interpreters-creators. Because it is a study that involves subjectivity of individuals, the related to this research, the same looks at the basis of Phenomenology by Merleau-Ponty to treat the body as a way of being in the world. To reflect on the fields of Performance that makes up this investigation, seek dialogue with the anthropology of Performance based on studies of Richard Schechner and Victor Turner, the Theatrical Anthropology proposed by Eugenio Barba and the studies in afro-amerindians Performances developed by Zeca Ligiéro. This investigation developed by the Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), noting the saída-de-orixá of Ialorixá Nany Moreno – Coordinator of Afoxé – and practical-creative experiments by the Coletivo Cores (Natal/RN).

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  • ROCIO DEL CARMEN TISNADO VARGAS
  • O Sul Corpóreo: Práticas Teatrais Interculturais para a Descolonização do Imaginário

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 23/02/2017

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  • O sul corpóreo é uma metáfora que busca pensar as epistemologias do sul criadas por Boaventura de Sousa Santos como ponto de convergência com a prática teatral. Sendo a prática uma bússola nesta investigação, buscou-se encarnar essa metáfora a partir da criação de uma prática corporal que leva conceitos das epistemologias do sul à práxis e abraça a proposta de interculturalidade para dinamizar princípios da dança ritual da capoeira e da dança ritual da cosmovisão maia, duas filosofias do sul. Como poesia final da dissertação, criou-se o espetáculo Amareelos a partir do universo simbólico de Quetzalcoatl – Kukulkán, figura mítica mesoamericana. Representamos o caráter empírico como diretriz metodológica dessa investigação através de uma mandala, mostrando a dinâmica que envolve esse processo “ao sul” em suas contexturas teórico-práticas.


  • Mostrar Abstract
  • The corporal south is a metaphor that seeks to think the epistemologies of the south as a point of convergence with the theatrical practice. Being the practice a compass in this investigation, it was sought to embody this metaphor from the creation of a corporal practice that takes concepts from the epistemologies of the south to the practice and embraces the proposal of  interculturality to dynamize principles of the ritual dance of the capoeira and the ritual dance of the Mayan worldview, two philosophies of the south. As final poetry of the dissertation, the spectacle Amareelos was created from the symbolic universe of Quetzalcoatl – Kukulkán, mythical Mesoamerican figure. We represent the empirical character as a methodological guideline of this investigation through a mandala, showing the dynamics that surrounds this process “to the south” in its theoretical-practical textures.

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  • KÁTIA CELYANE FARIAS SCHMITT
  • EXPERIÊNCIAS DE CRIAÇÃO CÊNICA COM ATRIZES E ATORES NA TELEVISÃO: O Programa Ciência Aberta da TV UFPB.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • WALMERI KELLEN RIBEIRO
  • Data: 08/03/2017

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  • Esta pesquisa busca analisar de que forma os processos colaborativos, amplamente difundidos nas práticas teatrais contemporâneas e em expansão no cinema brasileiro da última década, podem ser aplicados à produção em televisão. Desta forma, visa aprofundar os estudos sobre técnicas de preparação do ator e da atriz no contexto da ficção televisiva, linguagem popularmente difundida em nosso país, porém pouco estudada sob o prisma da atuação.  A investigação parte da experiência da autora na direção de teledramaturgia do programa Ciência Aberta, produzido pela TV UFPB, o qual aborda a relação entre o conhecimento científico e o saber popular utilizando-se da linguagem jornalística e da teledramaturgia, respectivamente, em uma estética que revela o processo de criação dos atores e atrizes a partir da metalinguagem. Propõe-se, então, um diálogo com estudos teóricos das áreas do cinema, do teatro e da televisão, lançando um olhar sobre as relações de fronteira e contaminação que se estabelecem entre elas, especificamente no tocante às técnicas de preparação de ator/atriz. Realiza-se ainda uma interlocução com entrevistas cedidas por atores, atrizes e diretoras de televisão, bem como com os relatos da experiência citada, em busca de um entendimento sobre as relações entre ator/atriz e câmera e seus desdobramentos na criação artística em televisão. A etapa prática da pesquisa consiste na realização de uma oficina realizada com atores, atrizes e estudantes do curso de Teatro da UFPB, resultando na construção do primeiro episódio da segunda temporada do programa Ciência Aberta, no qual se busca a radicalização do que já fora proposto na primeira temporada do programa: o aprofundamento e explicitação dos processos de criação do ator e da atriz, os modos de produção audiovisual, as metodologias e conceitos de suporte da criação. Norteiam este trabalho os autores Arlindo Machado, que explana o universo do audiovisual, Jackeline Nacache, que se concentra no ator/atriz de cinema, Constantin Stanislavski, cujos estudos sobre o ator/atriz são a base para diversas técnicas de atuação seja no teatro ou no cinema, e Walmeri Ribeiro, que aborda a relação de co-criação do ator/atriz no audiovisual. Pretende-se com esta pesquisa contribuir para a reflexão e discussão sobre a formação do ator e como as artes cênicas se integram aos modos de produção na televisão brasileira contemporânea, em particular, no âmbito da atuação para a câmera.


  • Mostrar Abstract
  • This research analyzes how the collaborative processes, widespread in contemporary theater practices and in expansion in Brazil's cinema of the last decade, can be applied to television production. Thus, aims to deepen the studies about the actor's creative process in the fiction for television context, this popularly known language, but still poorly studied under the actor´s point of view. This investigation parts from the author´s experience as director of  teledramaturgy at the Ciência Aberta show, produced by TV UFPB. This show approaches the relationship between scientific and popular knowledge using journalistic and teledramaturgic language respectively, in an aesthetic that reveals actor´s creative process through metalanguage. Therefore, it aims at the dialogue with the theoretical studies in the fields of cinema, theatre, and television, attempting to enlighten their frontiers of relation and contamination, specifically, in the actor's preparation technique.  This also performs an interlocution that attends interviews with television´s actors and directors as well as experiences reports to search an understanding about the relationship between actor\camera and its developments in television artistic creation. The practical stage of the research is to carrie out a workshop held with actors and students enrolled in theatre course of UFPB, resulting in the construction of the Ciência Aberta show's first episode of the second season,which seeks to radicalize what has been proposed in the first season of the show: the deepening and explanation of the creative process of the actor, modes of audiovisual production, methodologies and support concepts of creation. Guiding this work, the authors Arlindo Machado, who explains the world of the audiovisual, Jackeline Nacache, that focuses on the film actor Constantin Stanislavski, whose studies on the actor are the basis for various techniques of acting in the theater and cinema and Walmeri Ribeiro , addresses the co-creation relationship of the actor in the audiovisual. With this research, we intend to contribute to the reflection and discussion about actor´s formation and the production modes in Brazilian contemporary television, particularly in the context of acting for the camera.

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  • ARIANE DO NASCIMENTO MENDES
  • EXPERIÊNCIA ESTÉTICA E DRAMATURGIA EM DANÇA CONTEMPORÂNEA: um estudo de caso a partir das obras coreográficas “Ego” (2015), “ESCrito Absurdo” (2016) e “Nuance” (2016)

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 18/04/2017

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  • O objetivo desta pesquisa foi investigar a experiência estética em Dança Contemporânea a partir de obras construídas com movimentos não-representativos, considerando que sua dramaturgia prima por ser não-linear, e sua construção se dá através da materialidade do movimento e do corpo, pela sua investigação. Assim, discutimos sobre como acontecem as experiências estéticas a partir de entrevistas com apreciadores das obras coreográficas escolhidas para compor a pesquisa, além do referencial teórico sobre Dança Contemporânea e sua dramaturgia com autores como Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, entre outros. A pesquisa foi conduzida pela metodologia qualitativa, de caráter participante, e se caracteriza ainda em um estudo de caso, tendo como objeto norteador a dramaturgia e a experiência estética do espetáculo “Ego” (2015) do Grupo de Dança da UFRN, e do espetáculo “ESCrito Absurdo” (2016) dos criadores Vladimir Rodriguez (Colômbia) e Omar Carrum (México). Também buscamos informações com Diana Fontes, coordenadora geral do Encontro de Dança de Natal/RN, por ser um evento que lida diretamente com apresentações e, portanto, com experiências estéticas em Dança Contemporânea de diversas vertentes. Assim, fizemos recolhimento de material bibliográfico através das entrevistas realizadas com os artistas e apreciadores dos espetáculos supracitados. Além dos depoimentos recolhidos dos apreciadores do trabalho coreográfico “Nuance”, que foi construído para experimentar a construção de dramaturgia apenas com o movimento não-representativo e a possibilidade de uma obra coreográfica ser atividade de mediação de si mesma, bem como atividade de formação de público. A relevância da pesquisa se dá pela contribuição para as discussões sobre público e experiências estéticas em Dança Contemporânea, pois ainda há poucos estudos registrados no Brasil, e mais especificamente em Natal/RN sobre este tema.


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  • The objective of this research was to investigate the aesthetic experience in Contemporary Dance from works built with non-representative movements, considering that its dramaturgy is nonlinear, and its construction takes place through the materiality of movement and body, through its investigation. Like this, we discussed about how happen the aesthetic experiences starting from interviews with connoisseurs of the choreographic works chosen to compose the research, beyond the theoretical reference about Contemporary Dance and its dramaturgy with authors like Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, among others. The research was conducted by the qualitative methodology, of participant character, and was characterized still in a case study, having as a guiding object the aesthetic experience of the spectacle “Ego” (2015) of the Grupo de Dança da UFRN, and of the spectacle “ESCrito Absurdo” (2016) of the creators Vladimir Rodriguez (Colombia) and Omar Carrum (Mexico). We also sought information with Diana Fontes, general coordinator of the Encontro de Dança de Natal/RN, as it is an event that deals directly with presentations and, therefore, with aesthetic experiences in Contemporary Dance from various perspectives. Like this, we collected bibliographical material in field research, produced through interviews with the artists and connoisseur of the two spectacles above mentioned. Beyond the testimonials collected from the connoisseur of the choreographic work “Nuance”, which was built for to experience the construction of dramaturgy with only the non-representative movement and the possibility of a choreographic work as an activity of mediation of itself, as well as to be activity of formation of public. The relevance of the research is given by the contribution to the discussions about audiences and aesthetic experience in Contemporary Dance, because still there are few studies registered in Brazil, and more specifically in Natal/RN about this subject.

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  • JOSÉ CLEBER BARBOSA DE LIMA
  • A VIDA EM TRÂSITO: LOUCURA E PROCESSOS CRIATIVOS 

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 24/07/2017

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  • Com a reforma psiquiátrica em todo o mundo, os profissionais da saúde começam a rever mudanças no contexto histórico da loucura.  Em um cenário de criticas, fundamenta-se uma nova ideia à loucura e a sua nova estrutura psicossocial a partir dos Centros de Atenção Psicossocial, os CAPS. Estes são espaços terapêuticos que visam à substituição progressiva dos manicômios. Com uma abordagem diferenciada ao assistido, os CAPS, se diferenciam dos hospitais psiquiátricos pela sua consonância psicossocial e de reinserção frente a sociedade. Os assistidos, nesses serviços de saúde mental, participam das inúmeras atividades artísticas e terapêuticas oferecidos pelos mais diversos profissionais. Tendo o assistido como protagonista do trabalho de reinserção social do CAPS, esta pesquisa acompanha e discute o processo criativo da performance Quebrando Muros, realizados com os assistidos do Centro de Atenção Psicossocial – CAPS III Caminhar, na cidade de João Pessoa, Paraíba. A partir do acompanhamento e das observações dos indivíduos na criação e nas apresentações são abordados qualitativamente os fenômenos decorrentes deste estudo de forma descritiva e indutiva, cujos procedimentos estão enraizados e em consonância com a performance e a  loucura, discutidas por Renato Cohen (2011), Jorge Glusberg (2009) e Michael Foucault (2014). Em nosso estudo, enfatizamos a pesquisa qualitativa, porque esta é uma ferramenta de bastante relevância para o processo social dos assistidos no CAPS III – Caminhar. Buscando visualizar o contexto em que estes estão inseridos, e a partir daí, teremos uma maior integração desse objeto de estudo que implique melhor compreensão do fenômeno.


  • Mostrar Abstract
  • With psychiatric reform around the world, the madness begins to review changes in its historical context. In a critical scenario is based on a new idea madness and its new psychosocial structure from CAPS. Psychosocial Care Centers, CAPS, are therapeutic spaces aimed at the progressive substitution of asylums. With a differentiated approach to assisted CAPS, differ from psychiatric hospitals for their psychosocial line and reintegration against society. The survey monitors and discusses the creative process of Breaking Walls performance, conducted with beneficiaries of the Center for Psychosocial Care - CAPS III Walk in the city of João Pessoa. From the monitoring and observations of assisted in the creation and presentations are qualitatively addressed the phenomena arising from this study descriptive and inductively, whose procedures are rooted and in line with the performance and madness, discussed by Renato Cohen (2011) Jorge Glusberg (2009) and Michel Foucault (2014). In our study, we emphasize the qualitative research, because this is a tool very important to the social process of assisted in CAPS III - Walk. Seeking view the context in which they are inserted, and from there we will have a greater integration of this object of study involving better understanding of the phenomenon.

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  • SURAMA SULAMITA RODRIGUES DE LEMOS
  • Título: UPCYCLING COMO PERSPECTIVA CRIATIVA NO TRAJE DE CENA DO CRUOR ARTE CONTEMPORÂNEA

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FAUSTO ROBERTO POÇO VIANA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • NARA GRACA SALLES
  • Data: 28/07/2017

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  • RESUMO: Esta pesquisa trafega sobre uma investigação a respeito do processo de criação que é desenvolvido junto aos figurinos das produções cênicas da coligação Cruor Arte Contemporânea. Para tanto dialoga com o conceito de Upcycling cunhado por Alison Gwilt, cuja técnica vem sendo adotada como uma perspectiva criativa no que se refere sobretudo à moda e que aplico à construção de figurinos, trazendo como principais referências estéticas norteadoras o diálogo entre a vida e obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, do cineasta espanhol Pedro Almodóvar, do múltiplo artista francês Antonin Artaud e do artista brasileiro Artur Bispo do Rosário investigando como essas referências dialogam com a moda e com a construção de trajes para a cena. Por se tratar de um estudo que envolve a minha própria prática enquanto artista-figurinista, trago como aporte metodológico a pesquisa-ação sobretudo a partir de David Tripp enfatizando a questão da interação entre o sujeito e seu objeto de pesquisa, tendo em vista essa relação, diante desta minha ação enquanto artista-pesquisadora e adotando como método o diário de pesquisas, além do registro fotográfico e vídeo, e técnicas típicas da área de moda e da criação de figurinos como a moulage e o croqui. Inicio com uma introdução sobre a minha aproximação com o meu objeto de estudo atrelado ao diálogo entre moda e figurino sob as perspectivas de Fayga Ostrower, Adriana Leite e Lisette Guerra, além de Stanislavski e Lipovetsky. Em seguida é apresentado o objeto da pesquisa que se desenvolve na coligação intitulada Cruor Arte Contemporânea apresentando o caminho metodológico que foi percorrido. Por último descrevo as questões voltadas ao âmbito do processo de criação dos figurinos junto ao Laboratório de Criação, Execução e Manutenção de Trajes para a Cena e a abordagem do conceito de Upcycling como prática criativa e metodológica na prática do figurinista.


  • Mostrar Abstract
  • This research deals with an investigation about the creation process in developing scenic costumes in the Cruor Arte Contemporânea—a contemporary art coalition in Natal, RN, Brazil. In order to do so, this study dialogues with the Alison Gwilt’s concept of Upcycling, whose technique has been adopted as a creative perspective mainly to fashion, and that I apply when developing costumes, having as main aesthetic reference guiding the crossing between life and work of the Mexican plastic artist Frida Kahlo, the Spanish filmmaker Pedro Almodóvar, the French artist Antonin Artaud and the Brazilian artist Artur Bispo do Rosario investigating how these references dialogue with fashion and the construction of costumes for scenes. Being a study that involves my own practice as an artist-costume designer, I bring action research as the methodological base, especially from David Tripp, focusing on the interaction between the subject and his research object, in view of this relationship, considering my action as an artist-researcher and adopting as methods the research journal, photographic and video recording, and typical techniques of the fashion area and the creation of costumes such as moulage and sketch. This study starts with an introduction on my approach with my object of study linked to the dialogue between fashion and costumes under the perspectives of Fayga Ostrower, Adriana Leite and Lisette Guerra, in addition to Stanislavski and Lipovetsky. Following comes the research object that is developed in the coalition entitled Cruor Arte Contemporânea presenting the methodological paths that were taken. Finally, the issues related to the scope of the costume creation process in the Laboratory of Creation, Execution and Maintenance of Costumes for the Scene are described, as well as the Upcycling concept as a creative and methodological practice in the costume designer's practice.

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  • Everson Oliveira da Cruz
  • O que os olhos não veem: o não visível como forma de apreciação teatral

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ARÃO NOGUEIRA PARANAGUÁ DE SANTANA
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 28/07/2017

  • Mostrar Resumo
  • O presente trabalho aborda o espetáculo teatral “O que os olhos não veem”, que amparado pelo universo da cegueira, tem como prerrogativa de apreciação a cena não visível e propõe uma discussão no campo da recepção teatral, sobre o olhar do espectador no contexto de uma proposta amparada pela não vidência. A pesquisa objetiva investigar como a característica não visível da referida proposta cênica possibilita a percepção do espectador emergida da relação corpo-espaço; e compreender como a possibilidade da não visibilidade da cena potencializa a capacidade de apreciação do espectador. Para tanto são colocadas as seguintes questões: é possível a apreciação de um espetáculo teatral sem o agenciamento da visão? De que forma o corpo assiste um espetáculo teatral que dispensa o recurso da visão? Como se dá o olhar a partir de uma experiência em que a não vidência é prerrogativa da apreciação? O lócus da pesquisa é o projeto de extensão “O que os olhos não veem o coração (não) sente”, vinculado ao Centro de Educação e Departamento de Práticas Educacionais e Currículos da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. A pesquisa centra-se no campo da recepção teatral e tem a fenomenologia como aporte metodológico para compreender a experiência de apreciação do espectador interditado da visão ocular. Os relatos dos espectadores são gravados, transcritos e organizados em três temas de discussão: o espaço da cena e o espaço do corpo; a reversibilidade dos sentidos na cena; e a emancipação do olhar. O texto é conduzido pelo pensamento de Maurice Merleau-Ponty, e seus interlocutores, traçando redes de comunicação com os estudos de Flávio Desgranges,  no campo brasileiro da recepção teatral, e Jacques Rancière, no que tange a emancipação do olhar do espectador. A experiência teatral no contexto da discussão compreende o espectador como coautor da cena. A interdição da visão ocular faz esfumar os corpos no espaço cênico e configura um labirinto de caminhos a serem desbravados pelo espectador, que diante da não vidência percebe outros modos de apreciar a cena, reorganizando sua experiência para ver de corpo inteiro, tal qual Argos Panoptes. Esta situação permite desvelar uma emancipação do olhar no âmbito da cena teatral.


  • Mostrar Abstract
  • The present work deals with the theatrical spectacle "O que os olhos não veem", that supported by the universe of blindness, has the non-visible scene as prerogative of appreciation and proposes a discussion in the field of theatrical reception, on the view of the spectator in the context of a proposal supported by non-vision. The research aims to investigate how the non-visible characteristic of said scenic proposal allows the viewer's perception emerged from the body-space relationship; and to understand how the possibility of non-visibility of the scene enhances the capacity of appreciation of the spectator. Thereunto the following questions are posed: is it possible to appreciate a theatrical spectacle without the agency of vision? How does the body watch a theatrical spectacle that dispenses the resort of sight? How does one look from an experience in which the non-vision is a prerogative of appreciation? The locus of the research is the extension project "O que os olhos não veem o coração (não) sente", linked to the Education Center and Department of Educational Practices and Curricula of the Federal University of Rio Grande do Norte. The research focuses on the field of theatrical reception and has the phenomenology as a methodological contribution to understand the experience of appreciation of the viewer interdicted of the ocular vision. The accounts of the spectators are recorded, transcribed and organized into three topics of discussion: the space of the scene and the space of the body; the reversibility of the senses in the scene; and the emancipation of the look. The text is driven by the thoughts of Maurice Merleau-Ponty, and its interlocutors, drawing networks of communication with the studies of Flávio Desgranges, in the brazilian field of theatrical reception, and Jacques Rancière, regarding the emancipation of the spectator’s look. The theatrical experience in the context of the discussion understands the spectator as coauthor of the scene. The interdiction of the ocular vision makes the bodies smoke in the scenic space and forms a labyrinth of paths to be explored by the spectator, who in light of the non-vision perceives other ways of appreciating the scene, reorganizing their experience to see with the entire body, such as Argos Panoptes. This situation permits to unveil an emancipation of the look within the theatrical scene.

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  • ILANA SUELY DOS SANTOS
  • Título: memórias dos corpos e lugares sob o olhar da dança dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • JONAS DE LIMA SALES
  • Data: 31/07/2017

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  • Esta pesquisa busca investigar as memórias dos corpos entrelaçados aos lugares de memórias vividos pelos brincantes dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra- Natal/RN.  Para o desenvolvimento e compreensão da pesquisa, apoiamo-nos na Fenomenologia de Merleau-Ponty, que é capaz de desvelar o tema, ou seja, mostrar aquilo que se mostra e não aquilo que parece ser e, para isso, consideramos o olhar fenomenológico de brincantes da Vila, com ênfase no Grupo Congos de Calçolas que, ao incorporarem, construírem e reconstruírem seus corpos e ações cotidianas, lutam pelo reconhecimento e reafirmação da sua cultura. Transitamos na Vila a partir da experiência enquanto pesquisadora sobre o fenômeno desde a Graduação em Dança, e visitamos lugares de memória que, configuram-se como sendo o resultado das construções dos grupos sociais que determinam o que é memorável e os lugares onde essa memória torna-se preservada.


  • Mostrar Abstract
  • This research seeks to investigate the memories of the bodies intertwined with the places of memories lived by the players of Ponta Negra - Natal / RN. For the development and understanding of the research, we rely on Merleau-Ponty's Phenomenology, which is capable of revealing the theme, that is, showing what is shown and not what it seems to be, and for this we consider the phenomenological With emphasis on the Congos de Calçolas Group, which, by incorporating, constructing and rebuilding their bodies and daily actions, strive for the recognition and reaffirmation of their culture. We traveled in the Village from the experience as a researcher on the phenomenon since Graduation in Dance, and visited places of memory that, are configured as the result of the constructions of social groups that determine What is memorable and the places where this memory becomes preserved.

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  • CAMILA BARBOSA TIAGO
  • Reflexões sobre possibilidades pedagógicas em iluminação cênica

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDUARDO TUDELLA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 31/07/2017

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  • Esta pesquisa pretende refletir o processo de ensino/aprendizagem em Iluminação Cênica. Diante da amplitude curricular que o campo da iluminação oferece, busca-se refletir sobre quais conteúdos sejam relevantes para a formação do atuante em Teatro a fim de que esteja familiarizado com essa área específica, sobretudo para que perceba e esteja consciente da iluminação como elemento de composição da sua prática artística. Elaborar uma proposta pedagógica desta relação é o objeto de pesquisa desta dissertação. Para promovê-la, parte-se da tomada de consciência da autora sobre sua trajetória de aprendizagem em iluminação dentro do curso de graduação em Teatro da Universidade Federal de Uberlândia (UFU). Posteriormente, a autora reconhece a forma intuitiva com a qual desenvolveu os trabalhos como diretora de iluminação, junto ao mesmo curso dentro de algumas disciplinas da grade curricular, e, então, reflete sobre sua prática e constitui ações potencialmente capazes de colaborar com o processo de formação dos discentes do curso de Teatro da referida Universidade. Para tanto, busca-se o pensamento de construção do conhecimento instituído por Paulo Freire, que considera que o sujeito está em constante diálogo para a construção de seu conhecimento, tornando-se autônomo no processo de aprendizagem, e que, ainda, propõe a experiência como atitude pedagógica para o desenvolvimento de uma prática crítica/reflexiva. Assim, pretende-se pensar sobre uma proposta pedagógica que dialogue a partir da percepção da iluminação pelo sujeito para que ele possa fazê-la necessária durante a composição do seu próprio trabalho.


  • Mostrar Abstract
  • This research intends to reflect on the teaching / learning process in Scenic Lighting. In view of the breadth of curriculum offered by the subject of illumination, it is sought to reflect on which contents are relevant to a theater actor in order to familiarize oneself with this specific area, especially in order to perceive and take into account lighting as an element of Composition of your artistic practice. To elaborate a pedagogical proposal of this relation is the object of research of this dissertation. To begin with it, the author evaluates her process of learning in lighting within the undergraduate course in Theater of the Federal University of Uberlândia (UFU). The intuitive form with which she developed the work as director of lighting within the University is subsequently considered in this analysis and causes the author to reflect her practice and to constitute actions potentially capable of collaborating with the process of formation of Theater students of that University. In order to do so, the research is based on a construction of knowledge thought by Paulo Freire, which considers that the subject is in constant dialogue to elaborate his knowledge that either develops its own autonomy during the process as considers the pedagogical experience capable of resulting in a critical / reflexive practice. Therefore, the pedagogical proposal to be constructed in this work will start from the perception that the subject makes about light so that he is able to make it necessary during the composition of his own work.

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  • ABRAÃO LINCOLN ROSENDO FRAZÃO
  • Formação do Sujeito Espectador: Uma Experiência com o Projeto Encontro com o Artista/IFRN-Campus Macau

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • RUMMENIGGE MEDEIROS DE ARAÚJO
  • Data: 31/08/2017

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa considerou o espaço escolar como mundo vivido dos fazeres artísticos relacionados a arte do teatro a partir da apreciação artística do Projeto “Encontro com o Artista”, em especial no IFRN Campus Macau. O objetivo dessa pesquisa dissertativa foi compreender e refletir sobre o processo de ensino de teatro a partir da apreciação de espetáculos teatrais por meio do Programa “Encontro com o Artista”, realizado no Instituto Federal do Rio Grande do Norte – IFRN, Campus Macau, entre os anos 2015 e 2016, para as turmas da 2ª série do Ensino Médio que frequentam o componente curricular Arte/teatro.  A partir do objetivo proposto questionou-se: Como os alunos do Ensino Médio podem aprender sobre teatro por meio da apreciação de espetáculos teatrais? Como esses discentes podem compreender a linguagem teatral por meio de debates e processos de mediação? Como ampliar o acesso à arte do teatro dentro da escola e a reflexão crítica para a construção de um sujeito espectador? O aporte metodológico baseou-se na pesquisa Qualitativa tendo como abordagem a Ação-Participante. Ao adotar tal abordagem metodológica considerou-se a inserção do pesquisador no meio pesquisado, a participação efetiva da população pesquisada na pesquisa, a transformação da realidade. A pesquisa apoiou-se ainda nos estudos e reflexões de Barbosa (1991) em especial na sua Abordagem Triangular, de Desgranges (2010) quando discute a Pedagogia do Espectador, de Pavis (2003) ao analisar o espetáculo, de Freire (1996) quando considera a educação como autonomia e de Araújo (2012) e suas inter-relações entre tecnologia, espectador e cena. Considerou-se que essa experiência artístico-pedagógica denominada Encontro com artista, apresentou um caráter de extrema importância no que diz respeito ao campo do ensino da arte desenvolvido no Instituto Federal Campus Macau.


  • Mostrar Abstract
  • The research considered the school space as a lived experience of artistic activities related to the art of theater based on the artistic appreciation of the Project "Encounter with the Artist", especially at IFRN Campus Macau. The purpose of this dissertative research was to understand and reflect on the process of theater teaching through the appreciation of theatrical performances through the "Meeting with the Artist" Program, held at the Federal Institute of Rio Grande do Norte - IFRN, Macao Campus. The years 2015 and 2016, for the classes of the second grade of High School that attend the curricular component Arte / teatro.
    From the proposed objective, the question was asked: How can high school students learn about theater through the appreciation of theatrical performances? How can these students understand the theatrical language through debates and mediation processes? How to increase access to the art of theater within the school and the critical reflection for the construction of a spectator subject? The methodological contribution was based on the Qualitative research taking as an approach the Participant-Action. In adopting such a methodological approach, the insertion of the researcher in the researched environment was considered, the effective participation of the population researched in the research, and the transformation of reality. The research was also based on the studies and reflections of Barbosa (1991), especially in his Triangular Approach, by Desgranges (2010) when he discusses Pedagogy of the Spectator, by Pavis (2003) when analyzing the spectacle, by Freire (1996) when Considers education as autonomy and de Araújo (2012) and its interrelations between technology, spectator and scene. It was considered that this artistic-pedagogical experience called Meeting with artist, presented a character of extreme importance in what concerns the field of art education developed at the Federal Campus Macau Institute

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  • LUCIANO INÁCIO DA SILVA SALES
  •  

     QUANTO  MAIS  REGIONAL,  MAIS  UNIVERSAL EU SOU – O cordel de Antônio Francisco como matriz criativa para a construção da cena

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LARISSA DE OLIVEIRA NEVES CATALÃO
  • Data: 30/11/2017

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  • Este trabalho é resultado de uma pesquisa interventiva desenvolvida no programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas/UFRN, e tem caráter qualitativo.  Apresenta uma possibilidade de proposta dramatúrgica para pesquisadores interessados em trabalhar com textos não teatrais, neste caso, a literatura de cordel, utilizada como matriz criativa para a construção da cena teatral.  A fonte da presente pesquisa é a poesia popular do cordelista e historiador mossoroense Antônio Francisco, explorada durante o processo de adaptação de folhetos de cordéis em peças de teatro. Nossa tentativa de contribuição aqui talvez se encontre nos diálogos processuais, nos detalhes relatados, nas experiências comprovadas pelas apresentações públicas da adaptação da peça e nos  resultados que surgem e se renovam ao longo delas. Entendemos que cada processo criativo possui sua própria singularidade. Os instrumentos e estratégias são semelhantes, mas não idênticos. Como objeto de investigação, nos basearemos na montagem dos espetáculos ‘Dois Cabras Num Cordel Só’, 2010, e ‘Oscabra’, 2017, feitas pela Ciamargem de Teatro, de Natal, nas quais utilizamos os cordéis do livro do poeta Antônio Francisco: ‘Dez Cordéis Num Cordel Só’, 2002.


  • Mostrar Abstract
  • This work is the result of an interventional research by the Graduate Program of Performing Arts / UFRN. It has a qualitative nature. It presents a possibility of a dramaturgical proposal for researchers interested in working with non-theatrical texts. More specifically, cordel literature, used as a creative matrix for the construction of the theatrical scene. The source of this research is the popular poetry of the cordel writer and historian Antônio Francisco from the city of Mossoro. It was explored during the process of adapting cordel leaflets in plays. Our attempt to contribute here may be found in the procedural dialogues, in the details reported, in the experiences acquired through the public presentations with the adapted of the play, as well as in the results and renewing that we arrived throughout the process and conclusions of the presentations. We understand that each creative process has its own individuality. The tools and strategies are similar, but not identical. As an object of practical investigation, we will base ourselves on the assembly of the plays ‘Dois Cabras em um Cordel Só ', 2010, and 'Oscabra ', 2017, made by Cia margem de Teatro, in which we use the Cordel from the book written by the poet Antonio Francisco: ‘Ten Cordéis In a Cordel Só ', 2002.
2016
Dissertações
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  • ANDRÉ MANUEL DE OLIVEIRA SALVADOR
  • FENDA – Zonas de Negociação Temporárias: As fricções entre Inscrição e Não – Inscrição que caracterizam um sujeito português no Teatro de Metamorfoses Imperial

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 16/02/2016

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  • O objetivo desta dissertação foi estabelecer um diálogo entre arte e política, a partir dos estudos da performance (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Tomando como hipótese que as fricções entre inscrição (GIL, 2004, 2009, 2014) e não-inscrição que caracterizam o sujeito português construíram o meu percurso artístico no teatro de metamorfoses imperiais (SLOTERDIJK, 2002). Ou seja, onde o meu corpo surge como espaço de inscrição construiu-se um jogo para uma performance de metamorfoses. Para tal, desenvolvi textos autobiográficos que traduzem as metamorfoses vividas tanto em Portugal como Brasil. Incidindo sobretudo no período em que Portugal aderiu à Zona Euro e às manifestações ocorridas no Brasil desde a minha chegada. A partir da literatura consultada este contexto de crise foi nomeado como teatro da metamorfoses imperais criando o con(texto) para a performance FENDA – Zonas de Negociação Temporárias (2016), que se traduz em dois processos de criação que desenvolvi ao longo da pesquisa e nas experiências artísticas, culturais e sociais que vivi em solo brasileiro. O professor Bhabha, entre outros, ajudou-me, antropologicamente, a pensar em modos de organização do espaço nos países colonizados e nos países colonizadores. No jogo que criei na performance, busquei, então, mecanismos para a negociar a diferença (BHABHA, 2000), e criar as relações de alteridade e o saber que pretendo politizar.


  • Mostrar Abstract
  • The purpose of this dissertation was to establish a dialog between art and politics, through performance studies (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Assuming as a hypothesis that the frictions between inscription (GIL, 2004, 2009, 2014) and non-inscription that characterize the Portuguese individual make my artistic course in the theatre of imperial metamorphosis (SLOTERDIJK, 2002). Meaning, where my body emerges as a space of inscription it was built a set for a performance of metamorphosis. For such, I’ve developed autobiographical texts that translate the metamorphosis lived both in Portugal as in Brazil. Focusing mostly in the period of Portugal’s adhesion to the Euro Zone and the manifestations occurred in Brazil during my stay. Through consulted literature, this context of crisis was designated as theatre of imperial metamorphosis creating a con(text) for the performance FENDA – Zonas de Negociação Temporárias, that translates in two processes of creation that I’ve developed throughout the research and in the artistic, social and cultural experiences that I lived in Brazilian soil. Professor Bhabha, amongst others, helped me anthropologically to think in modes of space organization in colonized and colonizing countries. Therefore in the performative game I have created, I sought mechanisms to negotiate the difference (BHABHA, 2000) and create the relations of alterity and the knowledge I intend to politicize.

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  • RAFAEL LEITE FREIRE
  • O CORPO ALIENÍGENA NO ENTRE-LUGAR MÍDIAS E ARTES: UMA ANÁLISE DAS PERSONAGENS DE JORNADA NAS ESTRELAS

  • Orientador : ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • JOÃO DE LIMA GOMES
  • Data: 28/03/2016

  • Mostrar Resumo
  • Este trabalho tem como objetivo geral compreender as continuidades e descontinuidades históricas na representação dos corpos monstruosos/alienígenas no diálogo entre a linguagem televisiva, teatral e cinematográfica. Procuro, assim, o entre-lugar que o corpo transversaliza nos espaços acerca dessas linguagens com base no seriado Jornada nas Estrelas dos anos 1960, no projeto de teatro de rua “Trek in The Park” (2009-2013), e no filme homônimo ao seriado (2009). Nesses três objetos artísticos-midiáticos se verificou uma mudança na percepção ao corpo monstruoso. No decorrer da história, esse corpo foi visto em produções artísticas variadas, como a representação do feio, e produtor dos sentidos de medo, constrangimento e riso. No corpus de análise pressuponho uma mudança ao olhar esses corpos na contemporaneidade, por se tratar de um período no qual se assiste a um maior protagonismo de minorias, a exemplo de gays, negros e mulheres, e ainda maior visibilidade do corpo monstruoso - agora gerador de identificação positiva - nos âmbitos da performance e da cena em geral. Portanto, os objetivos específicos são: percorrer historicamente as concepções de corpo monstruoso, relacionar as concepções de corpo na contemporaneidade, analisar a produção de sentidos e o investimento político nos corpos alienígenas. Para tanto, o trajeto teórico-metodológico se constitui por meio do movimento intericônico proposto por Courtine (2013), o qual se refere a imagens que estão ligadas à memória interna (lembranças) e externa (diversas imagens visualizadas). Tal como ao conceito de Dispositivo, de Foucault (1979), entendido como a rede que interliga discursos, instituições, proposições filosóficas ou morais, enunciados científicos, etc. Assim como o conceito ampliado e atualizado por Agamben (2009). Analiso, pois, dois episódios de Jornada nas Estrelas encenados também pela companhia Teatral “Trek in the Park: Tempo de Loucura” e “A Caminho para Babel”, procurando de forma aprofundada debater a respeito do corpo dos Vulcanos e seu gestual. Por fim, concluo o personagem Spock como controverso e com ares de anti-herói.


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  • This study aims to understand the continuities and discontinuities in the historical representation of the monstrous / alien bodies in the dialogue among the television, theatrical and cinematic language, seeking thus the between-place distance that goes along the body in a transversal direction in the spaces between these languages based on the Star Trek television series of the 1960s, the street theater project "Trek In The Park" (2009-2013), and the eponymous to the show, the film of (2009). These three artistic-media objects have been a change in the perception of the monstrous body. Down through history, this body was seen in various artistic productions as representing the ugly and producer of fear of felt, embarrassment and laughter. The analysis corpus presupposes a change to look at these bodies in contemporary times, because it is a period in which we are witnessing a major role of minorities, such as gays, blacks and women, and greater visibility of the monstrous body - now a generator of positive identification - in the areas of performance and the overall scene. Therefore, the specific objectives are: to go historically through the monstrous body of conceptions, to relate the concepts of body in contemporary times, and to analyze the production of senses and political investment in alien bodies. Thus, the theoretical and methodological path is constituted through intericonic movement proposed by Courtine (2013), which refers to images that are linked to the internal memory (memories) and external (various images viewed). As the concept of device, of Foucault (1979), understood as the network that interconnects speeches, institutions, philosophical or moral propositions, scientific statements, etc. As well as the expanded and updated concept by Agamben (2009). Thus, I analyze, two episodes of Star Trek also staged by the Theatre Company "Trek in the Park: Amok Time" and "Journey to Babel", looking in depth to debate about the body of Vulcan and his gestual. Finally, I conclude the character Spock as controversial and with anti-hero characteristics.

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  • ALDAIR RODRIGUES DA SILVA
  • O objeto faltoso em Moema de Nelson Rodrigues: do personagem ao processo criativo

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • DENISE PEREIRA DO REGO
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • Data: 28/03/2016

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  • Este trabalho tem por objetivo dialogar com alguns conceitos da psicanálise e a relação com o “objeto faltoso”, sobretudo, em Jacques Lacan (1995), bem como refletir sobre o discurso amoroso de Roland Barthes (2003) na peça Senhora dos Afogados (2004) de Nelson Rodrigues. Para tanto, privilegia-se a personagem Moema e suas ações como elo de nossa proposta teórico-prática. Pretende-se, através da pesquisa, explorar a ideia brookiana de “espaço vazio” (BROOK, 2011) para a criação cênica e contemplar o conceito de “falta” lacaniana com a teatralidade rodrigueana. Entendemos as ações da protagonista da peça sob duas vertentes, a saber; a do sujeito amoroso enquanto preenchimento das angústias do objeto faltoso; e, a do processo criativo enquanto proposta cênica. A investigação leva em consideração, também, o estudo das pulsões, segundo Freud (1972), em relação à linha de atuação da personagem, bem como conceitos de apropriação (BEIGUI, 2006), alteridade (BEZERRA, 2007), memória (BEZERRA, 2007; IZQUIERDO, 2010) e autobiografia (BEZERRA, 2007; MONTEIRO, 2011).

     


  • Mostrar Abstract
  • This work aims to discuss some psychoanalyze concepts and their relationship with “absent object”, mainly Jacques Lacan (1995), as well as, reflect about Roland Barthes  (2003) romance discuss related to the piece Senhora dos Afogados written by Nelson Rodrigues (2004). In this sense, it focus on the character Moema and her actions as a link to the theoretical-practical propose. This research intends to explore the Brook (2011) idea of “empty space” to the scenic creation and concerns about the Lacan (1995) conception of “lack” related to the Nelson Rodrigues theatrical writings.  It comprehend the actions of this main character in two stands: the loving subject while anguish filling of the absent object; and, the creative process while a scenic propose. This investigation consider the drive study, according to Freud (1972), related to the actuation way of the character, as well as concepts of appropriation (BEIGUI, 2006), alterity (BEZERRA, 2007), memory (BEZERRA, 2007; IZQUIERDO, 2010) and autobiography (BEZERRA, 2007; MONTEIRO, 2011).

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  • JUAREZ ZACARIAS NETO
  • O ARTÍSTA-DOCENTE: A LENTIDÃO COMO ESCOLHA PROCESSUAL EM DANÇA

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • ANA CAROLINA DA ROCHA MUNDIM
  • Data: 05/04/2016

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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal investigar a lentidão como metodologia de conhecimento do corpo e como potência criativa para a dança. Compreende a lentidão como potência qualitativa, proporcionando reflexões acerca do corpo na dança. O processo de aceleração dos corpos na contemporaneidade abriu espaços potentes de investigação nesta pesquisa, como: refletir acerca do processo de desaceleração do corpo que dança, culminando em uma reflexão sobre a pausa na dança; investigar como se dá através do sabor da lentidão o processo de entendimento qualitativo do movimento dançado, no seu fazer artístico-criativo e pedagógico; propor a dança como potência, proporcionando o entendimento da mesma como área de conhecimento e de ampliação da consciência por meio das experiências vividas.

                    Os relatos da infância, do início da trajetória artística, da aplicação prática da pesquisa realizada na Escola de Dança do Teatro Alberto Maranhão, do projeto cênico Amiúde (2015) e do fazer artístico-docente, proporcionaram uma reflexão acerca das potencialidades da dança, propondo a lentidão como linguagem em dança que se constrói aos poucos e profundamente, gerando um aumento na consciência de si e do mundo.

                    A lentidão atua nesta pesquisa como objetivo de investigação principal e como metodologia de uma linguagem em dança. O estudo da Eukinética labaniana, da “dança pelos sentidos: composição coreográfica” e da “improvisação pelos sentidos” de Leal (2012) nos fez perceber que os estudos das qualidades expressivas do movimento dançado e o estudo de propostas metodológicas em dança contemporânea, baseada nos sentidos, culminaram no entendimento do movimento, da pausa e da dança como potências qualitativas que ampliam a consciência do corpo, entendendo-o em sua totalidade.  

     


  • Mostrar Abstract
  • The present research aims firstly at investigating slowness as a means of understanding the body as creative power for dance. It comprises slowness as qualitative power, providing reflections on the dancing body. The process of body acceleration of contemporaneity has opened powerful investigating fields in this research, such as the reflection about the deceleration process of the dancing body, culminating in a reflection on pauses in dance, the investigation of how the process of understanding the qualitative aspect of the danced movement occurs within the flavor of slowness, in its artistic-creative and pedagogical practice, the proposition of dance as a power, providing its understanding as a knowledge field and of increased awareness by means of lived experiences. Memories from childhood, from the beginning of the artistic career, from the practical use of the research carried out at the Theater Alberto Maranhão Dance School, from the scenic design Amiúde (2015) and from the practice as an artist and teacher, all these have made reflection possible on dance potential, proposing slowness as dance language gradually and deeply built, causing wider self and world awareness. Slowness in this research is the objective of the main investigation and the methodology of a dance language. The study of Eukinétic of Laban, "Dance by the senses: choreographic composition" and "improvisation by the senses" of Leal (2012) let us realize that the studies on the expressive qualities of the danced movement and the study of methodological proposals in contemporary dance, based on the senses, have culminated in the understanding of movement, pause and dance as qualitative power which amplifies body consciousness, understanding it entirely.

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  • ERICKALINE BEZERRA DE LIMA
  • Arquivos censurados de Nelson Rodrigues: uma leitura crítica nas redes da criação 

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LAIS GUARALDO
  • ELAINE DA GRAÇA DE PAULA CARAMELLA
  • Data: 22/04/2016

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  • Nelson Falcão Rodrigues (1912-1980) autor que introduziu a modernidade cênica no Brasil, também se tornou conhecido por retratar, em suas obras, um mundo obscuro tomado por personagens obsessivos e perturbados, tais características foram decisivas para que a censura do Rio de Janeiro e São Paulo o acompanhassem em toda sua trajetória artística. Nesta dissertação, trazemos à luz processos da censura paulistana, das décadas de 40 a 60, referente à três obras teatrais: Senhora dos Afogados, Perdoa-me por me traíres e Boca de Ouro; os quais foram disponibilizados pelo Arquivo Miroel Silveira – AMS da Escola de Comunicação e artes-ECA da Universidade de São Paulo- USP. Através da abordagem denominada Crítica de Processo (SALLES, 2008a), enquanto extensão da Crítica Genética, problematizamos alguns fatores que atravessaram o processo criativo das obras teatrais do dramaturgo. Para tal explanação, fomos guiados pelo conceito de Redes da Criação, do qual foi possível propor a construção de uma rede da criação rodriguiana, que em nossa leitura abarca: o termo filosófico deformação (DIDI-HUBERMAN, 2010); a autocrítica; e a Censura. Propomos uma leitura das 17 peças teatrais do dramaturgo e, em particular dos arquivos em censura, uma vez que indicam um momento específico da construção da obra por conterem originais que foram afastados do alcance do autor. No confronto Documentos de processo versus obra publicada foram mapeadas diversas modificações. Construímos, portanto, essa complexa rede, delimitada pela nossa leitura crítica, porém, capaz de nos aproximar ainda mais do dramaturgo que marcou uma época e continua na contemporaneidade a nos inquietar com seu Teatro desagradável.


  • Mostrar Abstract
  • Nelson Rodrigues (1912-1980) author who introduced the scenic modernity in Brazil, also became known for portraying in his works, an obscure world taken by obsessive and disturbed characters, such characteristics were decisive for the censorship of Rio de Janeiro and Sao Paulo accompany him throughout his artistic career. In this thesis, we bring to light cases of censorship São Paulo, of the 40 to 60, referring to the three theatrical works: Lady of the Drowned, Forgive me for me and betray Golden Mouth; which were provided by Miroel Silveira Archive - AMS School of Communication and Arts ECA-University of São Paulo USP. Through the process called Critical approach (SALLES, 2008a), as an extension of Genetic Critic, problematize some factors that have gone through the creative process of theatrical works of the playwright. For this explanation, we were guided by the concept of Creation Network, which was proposed the construction of a Rodriguean creation, which in our reading includes: the philosophical term deformation (DIDI-HUBERMAN, 2010); self-criticism; and censorship. We propose a reading of 17 theatrical playwright parts and, in particular files on censorship, because they indicate a specific time of the construction work to contain documents that were kept out of reach of the author. In comparison process documents versus work published several modifications were mapped. Built, so this complex network bounded by our critical reading, however, able to bring us closer to the playwright that marked an era and continues the contemporary to unsettle us with their unpleasant Theatre.

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  • FELIPE CABRAL DE ARAÚJO FAGUNDES
  • MONTAGEM E ENCENAÇÃO PERFORMATIVA: PODE SER QUE SEJA CAIO FERNANDO ABREU

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCOS AURELIO BULHOES MARTINS
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 31/05/2016

  • Mostrar Resumo
  • Abordo nesta pesquisa de forma prática-teórica, o conceito de teatro performativo de Josette Féral (2008) a partir da criação da encenação “Pode Ser Que Seja...” baseada na obra “Pode ser que seja só o leiteiro lá fora” (1974) do escritor gaúcho Caio Fernando Abreu (1948-1996). Procuro, portanto, aliar os conceitos propostos pelos autores Jean Baudrillard (1990) e Jean-François Lyotard (2013) a um estudo comparativo sobre procedimentos de criação, tomando por base os encenadores Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antônio Araújo (2011) e Robert Wilson (2011) alicerçados pela discussão proposta por Ferál (2015) a respeito dos limites entre a teoria e a prática no fazer teatral. A fim se tensionar a relação entre a prática e a teoria, nesta dissertação, apresento na introdução os conceitos que foram trabalhados tanto na escrita quanto na encenação e desenvolvo a pesquisa sobre a montagem de uma encenação performativa no capítulo único que se dedica a descrever o processo de criação da encenação “Pode Ser Que Seja...”, articulando a minha voz enquanto encenador com as vozes dos artistas que fizeram parte deste projeto.

     


  • Mostrar Abstract
  • I approach this practical-theoretical research from the concept of performative theater by Josette Feral (2008) from the creation of staging "It may be..." based on the work "It may be only the milkman out there" (1974) writing by the brazilian Caio Fernando Abreu (1948-1996). Therefore, I seek to combine the concepts proposed by the authors Jean Baudrillard (1990) and Jean-Francois Lyotard (2013) to do a comparative study on the creation of procedures based on the directors Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antonio Araújo (2011) and Robert Wilson (2011) grounded by the discussion proposed by Feral (2015) about the boundaries between theory and practice in theater do. In order to tighten the relationship between practice and theory, on this dissertation, I present in the introduction the concepts that have worked both in writing and in staging, developing research on the montage of a performative theatre in a single chapter dedicated to describing the creation process of play "It may be ...", articulating my voice as a director with the voices of the artists who participated in this project.

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  • MARIA CAROLINA DE HOLLANDA CAVALCANTI PIÑEIRO
  • Estudos em Reperformance: registro da prática Pina, Marina em Carolina

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LUCIO JOSÉ DE SÁ LEITÃO AGRA
  • MARCOS AURELIO BULHOES MARTINS
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 15/07/2016

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  • Esta dissertação descreve o percurso de criação de sete performances feitas a partir da metodologia inspirada pela série "Seven Easy Pieces" da artista Marina Abomovic. As performances citam trabalhos de Pina Bausch e da própria Abromovic como "1980" e "Art Must Be Beautiful" e foram feitas a partir de laboratórios e investigações desenvolvidas com artistas pesquisadores da região metropolitana de Natal, Rio Grande do Norte e em Bogotá, Colômbia.  Para tal, foi realizado um estudo preliminar com visita à exposição de Marina Abramovic no SESC Pompéia, em seguida foi feito um levantamento bibliográfico a fim de contemplar o conceito de performance e finalizado com um mapeamento afetivo da história da performance em Natal no período de 2007 a 2016.

     


  • Mostrar Abstract
  • This research describes the course the creation of seven performances made using the methodology inspired from the "Seven Easy Pieces" series by Marina Abomovic. The performances cite works by Pina Bausch and Abromovic’s as "1980" and "Art Must Be Beautiful" and it was made from laboratories and researches developed with artists and researchers from the region of Natal, Rio Grande do Norte and Bogota, Colombia. To accomplish this, we conducted a preliminary study by visiting Marina Abramovic’s exhibition at SESC Pompeia-SP, then it was made a literature review in order to contemplate the concept of performance and it was finished with an emotional map of the history of performance in Natal from 2007 to 2016.

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  • ANA RUTH ROCHA MACIEL
  • DUETO DE SENTIDOS: figuras de linguagem e dança contemporânea compondo poéticas no corpo adolescente.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 18/08/2016

  • Mostrar Resumo
  • A presente investigação propõe uma reflexão a partir das contribuições da dança e da literatura no contexto educacional. Para tanto, dialoga a vertente da dança contemporânea com elementos do texto poético, dando ênfase às figuras de linguagem. Traz como suporte teórico o Método Recepcional, desenvolvido por Vera Teixeira de Aguiar e Maria da Glória Bordini (1993), a partir da Estética da Recepção, proposta por Hans Robert Jauss (2002). A pesquisa contou com uma aplicação prática realizada com alunos do nível médio de uma escola da rede estadual de ensino, na cidade de Natal/RN. Usamos como suporte para coleta de dados questionários, diário de bordo, além de registro fotográfico e por vídeo. O intuito foi pensar dança e literatura como áreas possíveis de se conectarem e despertarem no adolescente seu potencial criativo, capaz de perceber os vários níveis de relações que se estabelecem a sua volta, de interagir com o outro de maneira mais madura, atentando para a importância de se fazer ativo e consciente na dinâmica de nossa sociedade.


  • Mostrar Abstract
  •                This research proposes a reflection on the contribution of dance and literature in the educational context. For this purpose, it dialogues the strand of contemporary dance with elements of the poetic text, emphasizing the figures of speech. It brings as theoretical support the Reception Method, developed by Vera Teixeira de Aguiar and Maria da Glória Bordini (1993), from the Reception Aesthetics, proposal by Hans Robert Jauss (2002). The survey counted on a practical application performed with high school students from a public school school, located in Natal/RN. The data was collected with questionnaires, Logbooks and a photographic record and video. The aim was to think dance and literature as possible areas to connect and awaken adolescents in their creative potential, being able to perceive the various levels of relationships that are established around them, to interact with each other in a more mature way, paying attention to the importance of making them active and conscious in the dynamics of our society.

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  • JOSADAQUE ALBUQUERQUE DA SILVA PIRES
  • (LOU)CURE-SE!: CORPOS VIVIDOS EM INSTAURAÇÕES CÊNICAS NO HOSPITAL DR. JOÃO MACHADO

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 27/08/2016

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação enfoca uma proposta de investigação com metodologia de pesquisa ação; sobre o denominado ser louco, sua corporeidade e as relações intersubjetivas que esses corpos travam e que se revelam na cena cotidiana de uma instituição psiquiátrica, quando em contato direto com processos artísticos de instaurações de cenas; lembrando sempre que, esses corpos sob o signo da loucura lidam com o estigma.  Trata-se de pesquisar o modo de ser corporalmente predominante por restrições e desorganização na relação que essas pessoas têm com o outro, com o tempo e com o espaço, para tanto observa-se o modo como esses corpos se estruturam e se movimentam nos espaços sociais que parecem estar impregnados por uma ideologia de valores,  crenças e preconceitos adquiridos no processo histórico-social.

    O tratamento dado ao louco é definido historicamente por uma prática de exclusão e pela diferença que faz do louco um ser desprovido de razão e consciência, amoral e nocivo, e deste modo, a discriminação é efetivada pelo controle através do enclausuramento e/ou da medicação exacerbada; As marcas cruéis desta ideologia opressora que caracterizam a história da loucura, onde o louco ainda ocupa o lugar do oprimido, são visíveis neste recorte pesquisado e percebidas nas gestualidades e expressões orais e corporais; A história desses corpos são presentificadas em dramas narrados e pela carga emocional impregnada nos gestos, na tonalidade da voz em falas, cantos e gritos que se revelam na cena cotidiana. Deste modo, este trabalho se propõe a uma articulação entre loucura e arte e para isto, procura-se encontrar conexões entre conceitos e questões que permeiam o tema da loucura e os processos de criação, enfatizando a importância do contato e da vivência humana com a linguagem da arte através do contato dos internos no Hospital Psiquiátrico Dr. João Machado com a coligação Cruor Arte Contemporânea, grupo permanente de Arte e Cultura, residente no DEART/UFRN, grupo de prática cênica do Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares. Articular arte e loucura neste estudo está vinculado a experiência vivida na interação desses corpos nos encontros. Trata-se da relação desses corpos rotulados e institucionalizados nomeados como doentes mentais, por terem um histórico de enclausuramento em internações hospitalares, denominadas de manicômio, que contém uma cultura de controle social coercitivo. Investiga-se o encontro os corpos de artistas que trazem em si a experiência da arte e a partir dai se pensa na possibilidade de uma estética existencial das relações entre corpo, espaço, tempo e movimento nas instituições totalitárias e em um sentido mais amplo, nas condições determinadas historicamente ao louco, marcadas pelo abandono e ausência desse corpo, como também pela desorientação temporal e espacial, para tanto tenho o aporte da Psicologia Corporal em uma leitura fenomenológica existencial e da Psicologia Analítica através do estudo do significado dos símbolos na relação do ser humano consigo mesmo e com o ambiente. Essas perspectivas teóricas apresentadas foram escolhidas por trazerem contribuições para o estudo do ser humano em seus aspectos simbólicos, corporais e existenciais sob a ótica da arte.  Estudos estes, essenciais para a construção da experiência fenomenológica do sujeito enquanto trajeto de vida, em sua relação consigo mesmo e com o outro através da vivência da loucura com a presença da arte.

    No decorrer deste processo investigativo compreendemos que estudar as atuais cenas cotidianas protagonizadas no hospital Dr. João Machado por subjetividades diferenciadas como portadoras de transtorno mental ou pessoas em sofrimento psíquico perpassa pelo entendimento de que na sociedade atual temos novas formas de produção da loucura, novos modos de ser louco, e reafirmando pois que a fabricação dessas emergentes formas subjetivas de ser louco é social e histórica e a arte pode ser um caminho para esta compreensão. Pois, é possível permitir a plasticidade e estéticas para outras formas de vivências, e “ser” com abertura para ousar, criar e refletir suas questões, seus estranhamentos, suas posturas adotadas e lugares assumidos na coletividade. E neste sentido, pela arte, em um espaço de saúde e ciência produzir conhecimento sobre o real e o vivido, com a linguagem artística das artes cênicas, pois esta facilita ao ser humano expressar e perceber o mundo de uma forma mais intensa. Vislumbrou-se pensar pedagogias vivenciais e corporais para lidar com as cenas e os corpos que circulam e se fazem presentes naquela realidade institucionalizada, assim foi criada com alguns pacientes a instauração cênica (Lou)Cure-se!, apresentada ao público nos meses de julho e agosto de 2016, nas dependências do hospital psiquiátrico Dr. João Machado.


  • Mostrar Abstract
  • This thesis focuses on a research proposal, with a research-action methodology, on the so-called be crazy, its corporeality and interpersonal relations established by these bodies and that are revealed in everyday scene of a psychiatric institution, when in direct contact with artistic processes of the instauration of scenes; always remembering that these bodies under the sign of madness deal with stigma. It is about finding the way of being bodily predominant by restrictions and disruption in the relationship that these people create with one another, with time and space. With that in mind, it is observed how these bodies are structured and how they move in social spaces that appear to be impregnated by an ideology of values, beliefs and prejudices acquired in the socio-historical process.

    The treatment of the insane is historically defined by a practice of exclusion and difference that makes the crazy a being destitute of reason and conscience, amoral and harmful, and thus discrimination is effected by control through the enclosure and/or exacerbated medication; The cruel marks of this oppressive ideology that characterizes the history of madness, where the crazy still occupies the place of the oppressed, are still visible in this research and perceived in gestures and oral and body expressions; the history of these bodies is personalized in narrated dramas and by the emotional charge impregnated in gestures, the tone of voice in speeches, songs and screams that are revealed in the everyday scene. Thus, this work proposes a link between madness and art and for this, we try to find connections between concepts and issues that permeate the theme of madness and creation processes, emphasizing the importance of the contact and of the human experience with the language of art through the contact with the residents of the Psychiatric Hospital Dr. João Machado, working together with Cruor Arte Contemporânea, a permanent group of art and culture,  from the DEART/UFRN (Art Department), a dramaturgy group from the Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares (Interdisciplinary Center for Research on Performing and Spectacular Arts). Articulating art and madness in this study is linked to the experience obtained in the interaction of these bodies in the meetings. This is the relationship of these labeled and institutionalized bodies appointed as mentally ill, for having a record of enclosure in hospital stays, places termed madhouse, which contains a coercive social control culture. We investigate the encounter of the bodies of artists who bring in themselves the experience of art and, from there, we consider the possibility of an existential aesthetic of the relationship between body, space, time and movement in totalitarian institutions and in a wider sense, in conditions historically determined for the crazy, marked by abandonment and absence of this body, as well as the temporal and spatial disorientation. In order to study this scenario, we took advantage of the contribution of the Body Psychology added to an existential phenomenological reading and of the Analytical Psychology, by studying the meaning of the symbols in the relationship of the human with themselves and the environment. These theoretical perspectives presented were chosen for bringing contributions to the study of the human being in its symbolic, bodily and existential aspects, from the perspective of art. Such studies are essential to the construction of the phenomenological experience of the subject as a way of life in their relationship with themselves and the other through the experience of madness with the presence of art.

    During this investigative process, we understood that studying the current everyday scenes enthralled in the hospital Dr. João Machado by considering differentiated subjectivities as mentally disabled or people in psychological distress pervades the understanding that in today's society there are new forms of production of madness, e.g., new ways to be crazy, and therefore reaffirming that the manufacture of these emerging subjective ways of being crazy is social and historical and the art can show a way for this understanding. Then, it is possible to allow the plasticity and aesthetics to other forms of experiences, and "be" with openness to dare, create and reflect their issues, their strangeness, their adopted positions and places undertaken in the community. In this sense, by the art, in a space of health and science to produce knowledge about the real and the lived, with the artistic language of the performing arts, as this makes the human being being able to express and perceive the world in a more intense way. It was in sight to consider experiential and body pedagogies to handle the scenes and the bodies that circulate and are present in that institutionalized reality, and it was created, with some patients, the scenic instauration (Lou)Cure-se! [(Un)Heal Yourself!], presented to the public in July and August 2016, on the premises of the psychiatric hospital Dr. João Machado.

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  • JOANA VIEIRA VIANA
  • Teatro de animação em sala de aula: Universidade e Fundamental 1

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • PAULO CÉZAR BALARDIM BORGES
  • Data: 31/08/2016

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  • A presente pesquisa tem como objetivo investigar a formação do professor de teatro que utiliza o teatro de animação como linguagem principal em suas atividades formativas. Tem como referência a experiência vivenciada na disciplina Teatro de Formas Animadas, na UFRN, no semestre de 2014.1, ministrada pelo Professor Dr. Sávio Araújo, na qual a pesquisadora realizou docência assistida. Também relata e analisa sua prática docente junto às turmas do Fundamental 1, da Escola Municipal José Peregrino de Carvalho, em João Pessoa, PB, nos anos de 2015 e 2016. Em ambas experiências, tanto na formação de professores como de crianças, são enfrentados desafios referentes ao planejamento e seleção conteúdos, estratégias de motivação das turmas e melhor forma de fazer com que os alunos tenham autonomia e discernimento para desenvolver seus potenciais artísticos e pessoais. Com relação à formação dos professores, ao definir conceitualmente, o que se entende por teatro de animação, ator animador, objeto, animar, e ao se estabelecer escolhas terminológicas e metodológicas, principalmente a partir da relação de diálogo estabelecida entre ator o animador e o objeto, delineia-se qual caminho percorrer no vasto universo do teatro de animação. A partir do entendimento de que a criação artística é parte fundamental no processo de ensino-aprendizagem, problematiza-se como a disciplina pode ter o melhor aproveitamento por parte dos seus alunos. Da mesma forma, com relação ao trabalho desenvolvido na escola pública, a criação de cenas configura-se como instrumento potente na construção do conhecimento, embora uma série de desafios sejam enfrentados diariamente. 


  • Mostrar Abstract
  • This study aims investigate the utilization of Puppet Theater techniques as language in the drama teacher formation and in the elementary classroom activities. For this purpose, two experiences are taken as references. The first one is based in the internship as teacher assistant in the Dr. Savio Araujo’s classes of Theatre of Animated Forms in the first semester of 2014 in the Federal University of Rio Grande do Norte. The second is derivate of the researcher's work as teacher of arts in the Municipal School José Peregrino de Carvalho of elementary level, in the city João Pessoa, PB, during the years of 2015 and 2016. In the both cases, as for undergraduate students as elementary school children, it is observed that there are challenges related to the planning and selection of contents, to the strategies to motivate the classes and the best way to make the students have autonomy and discretion to develop their artistic and personal potential. Regarding the formation of the teacher, the way to go through the vast universe of animation theatre is lineated by the conceptual definitions and terminological and methodological choices related of the assumed meaning for animation theatre, animator actor, object, give life, and mainly from the relationship of the dialogue established between the actor, the animator and the object. They are highlighted reflections about the artistic creation as fundamental part in the teaching-apprenticeship process and its relationship with the improvement by the students. Similarly, in relation to work in primary school 1, scenes creation is configured as a powerful methodological strategy in the construction of knowledge, although a number of challenges are faced daily in the school locus.

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  • JEFFERSON MELO DE ARAÚJO
  • REFLEXÕES SOBRE A DANÇA CORAL NA EDUCAÇÃO ESCOLAR: POR UM COMPOR COMPARTILHADO.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ROSIE MARIE NASCIMENTO DE MEDEIROS
  • MARIA ISABEL DANTAS
  • Data: 14/10/2016

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  • A presente pesquisa busca uma reflexão sobre o movimento coral proposto pelo estudioso de Rudolf Von Laban. A discussão foca a possibilidade de trabalhar essa proposição no âmbito escolar em uma experiência desenvolvida em uma escola pública com um grupo de crianças em Projeto pedagógico. Trata-se assim de um estudo de natureza qualitativa que conjuga a narrativa da trajetória docente, pesquisa bibliográfica e o estudo de caso. O objetivo foi analisar os aspectos artísticos-estéticos-pedagógicos da proposição da Dança Coral, evidenciando elementos de sua poética e compor uma reflexão a partir da relação entre os conceitos estudados e a vivência compartilhada com os alunos no processo de sensibilização e composição em Dança na escola. As relações tecidas nas reflexões que a poética da aprendizagem da Dança Coral propicia um processo de aguçamento focal de percepções da dança, processo ativado pela ludicidade, pela improvisação dirigida, pelo diálogo intercorporal, contribuindo para uma memória de sensibilização inicial em dança, considerando os desafios do contexto escolar em sua dinamicidade, ampliando as percepções e repertórios dos participantes em um processo educativo, artístico e estético, implicando as dimensões individual e social no compor da aprendizagem.


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  • This research seeks to reflect on the coral motion proposed by a student of Rudolf von Laban. The discussion focuses on the possibility of working this proposition in schools in an experiment developed in a public school with a group of children in pedagogical project. It is thus a qualitative study that combines the narrative of teaching history, literature and the case study. The aim was to analyze the artistic-aesthetic-pedagogical aspects of dance Coral proposition, showing elements of his poetry and compose a reflection from the relationship between the concepts studied and shared experiences with students in the sensitization process and composition in dance in school. The links created in the reflections that the poetics of Coral Dance learning provides a focal sharpening process dance perceptions, process activated by the playfulness, the improvisation directed by interbody dialogue, contributing to an initial awareness of memory in dance, considering the challenges the school context in its dynamism, expanding perceptions and repertoires of participants in an educational, artistic and aesthetic process, involving the individual and social dimensions in the writing of learning.

2015
Dissertações
1
  • LUANA MENEZES DE OLIVEIRA
  • Corpo-diário: da escrita de si à escrita da cena

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • NARCISO LARANGEIRA TELLES DA SILVA
  • Data: 02/03/2015

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  •  

    A presente pesquisa debruça-se sobre o corpo e os diários, utilizando a metáfora do diário para pensar o corpo como registro, desejo e totalidade aberta. Investiga o trânsito criativo entre a escrita de si (especificamente na forma de diários) e a escrita da cena, compreendendo a primeira como o produto da escrita autobiográfica e a segunda como a composição da cena como um todo. Entende a passagem de uma linguagem para a outra como um processo de tradução e ficcionalização do material memorial do artista e por isso transpõe a ideia de autoficção para a cena. A cena é estudada a partir do seu caráter confessional e da utilização do depoimento pessoal, considerando que ele requer um gesto de desnudamento por parte do artista criador. Tal desnudamento agencia o encontro com o espectador e faz da cena um lugar potencial de promoção de experiência. A pesquisa é teórica-prática e descreve alguns dos percursos e percalços do processo criativo do experimento Desnude.

     

     


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  • Corpo-diário: da escrita de si à escrita da cena

2
  • HELOISA HELENA PACHECO DE SOUSA
  • Vestimentas em Performance – Composições em Modos do Corpo

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AMABILIS DE JESUS DA SILVA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 05/03/2015

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  • Essa pesquisa trata das relações possíveis entre o corpo e a vestimenta nos estados cênicos performáticos cruzando a cena contemporânea, a filosofia da moda e os argumentos filosóficos de profanação e dos dispositivos. Entre as obras observadas e citadas nesta dissertação, realizei entrevistas estruturadas com oito artistas da performance, como estratégia metodológica que pudesse trazer dados sobre as experiências dos corpos vestidos e despidos em cena, para além da pesquisa bibliográfica e revelando a ação da vestimenta sobre o corpo, assim como sua influência nas subjetividades do performador e do público. Essas relações podem ser experienciadas no processo de criação de figurinos na cena contemporânea nomeando a possibilidade da existência de modos do corpo, como maneiras que emergem e que se constituem como possibilidades estéticas, criativas e discursivas.


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  • Essa pesquisa trata das relações possíveis entre o corpo e a vestimenta nos estados cênicos performáticos cruzando a cena contemporânea, a filosofia da moda e os argumentos filosóficos de profanação e dos dispositivos. Entre as obras observadas e citadas nesta dissertação, realizei entrevistas estruturadas com oito artistas da performance, como estratégia metodológica que pudesse trazer dados sobre as experiências dos corpos vestidos e despidos em cena, para além da pesquisa bibliográfica e revelando a ação da vestimenta sobre o corpo, assim como sua influência nas subjetividades do performador e do público. Essas relações podem ser experienciadas no processo de criação de figurinos na cena contemporânea nomeando a possibilidade da existência de modos do corpo, como maneiras que emergem e que se constituem como possibilidades estéticas, criativas e discursivas.

3
  • HERÁCLITO CARDOSO DE OLIVEIRA
  • A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • Data: 06/03/2015

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  • Ao longo de nossa trajetória como ator, encenador e docente, pudemos apreciar espetáculos cômicos que se propunham a um diálogo com o público por meio da linguagem corporal dos artistas, cujas encenações abdicavam do uso da fala dos atores. Esta forma de representar, no silêncio do palco, nos chamou a atenção e provocou a nossa curiosidade científica sobre o assunto, que está diretamente relacionado com as construções poéticas do corpo em cena. Diante de leituras iniciais sobre o assunto, começamos a compreender que durante muito tempo na história da humanidade, sobretudo no ocidente, o entendimento de Corpo foi construído a partir de vários olhares epistemológicos que desconsideravam o corpo como uma unidade, uma encarnação do sujeito numa totalidade. Esse tipo de pensamento, reflexo da filosofia da modernidade, reverberou enfaticamente sobre as questões estéticas do fazer artístico, aqui, especificamente, no Teatro. Por vários séculos o fazer teatral se moldava a partir de vários elementos estéticos, mas desconsiderando os potenciais da corporeidade do artista, isto é, o texto teatral, por exemplo, foi considerado, por muito tempo, como o elemento principal da cena e se dava pouca ênfase para uma dramaturgia elaborada do corpo.  Com o surgimento das reflexões acerca do assunto, instauradas, sobretudo, a partir do início do século XX, a percepção do corpo como elemento criativo e criador, também passou a ganhar espaço. Ao longo do tempo as práticas artísticas começaram a vislumbrar as possibilidades criativas do corpo, repensando inclusive a sua relação com o texto escrito, com a palavra falada. E como parte dessas novas reflexões acerca do corpo em processo de criação, propusemos a presente pesquisa, que intitulamos de “A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena”. Nosso principal objetivo nessa pesquisa é estudar a poética do corpo cômico do ator, na perspectiva de uma linguagem não-verbal. Em nossa investigação sobre este assunto, buscaremos também compreender como a corporeidade do ator poderá nos dar pistas para percebermos/construirmos o corpo não-verbal e cômico em cena. Dentro desta perspectiva poderemos analisar como se daria a construção de uma dramaturgia cômica e não-verbal a partir da fenomenologia do riso. E com esse olhar, pretendemos apontar alguns aspectos e procedimentos, advindos das reflexões acerca da corporeidade e da comicidade, que configurem, entre outras possíveis, uma metodologia de construção cênica não-verbal.


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  • Ao longo de nossa trajetória como ator, encenador e docente, pudemos apreciar espetáculos cômicos que se propunham a um diálogo com o público por meio da linguagem corporal dos artistas, cujas encenações abdicavam do uso da fala dos atores. Esta forma de representar, no silêncio do palco, nos chamou a atenção e provocou a nossa curiosidade científica sobre o assunto, que está diretamente relacionado com as construções poéticas do corpo em cena. Diante de leituras iniciais sobre o assunto, começamos a compreender que durante muito tempo na história da humanidade, sobretudo no ocidente, o entendimento de Corpo foi construído a partir de vários olhares epistemológicos que desconsideravam o corpo como uma unidade, uma encarnação do sujeito numa totalidade. Esse tipo de pensamento, reflexo da filosofia da modernidade, reverberou enfaticamente sobre as questões estéticas do fazer artístico, aqui, especificamente, no Teatro. Por vários séculos o fazer teatral se moldava a partir de vários elementos estéticos, mas desconsiderando os potenciais da corporeidade do artista, isto é, o texto teatral, por exemplo, foi considerado, por muito tempo, como o elemento principal da cena e se dava pouca ênfase para uma dramaturgia elaborada do corpo.  Com o surgimento das reflexões acerca do assunto, instauradas, sobretudo, a partir do início do século XX, a percepção do corpo como elemento criativo e criador, também passou a ganhar espaço. Ao longo do tempo as práticas artísticas começaram a vislumbrar as possibilidades criativas do corpo, repensando inclusive a sua relação com o texto escrito, com a palavra falada. E como parte dessas novas reflexões acerca do corpo em processo de criação, propusemos a presente pesquisa, que intitulamos de “A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena”. Nosso principal objetivo nessa pesquisa é estudar a poética do corpo cômico do ator, na perspectiva de uma linguagem não-verbal. Em nossa investigação sobre este assunto, buscaremos também compreender como a corporeidade do ator poderá nos dar pistas para percebermos/construirmos o corpo não-verbal e cômico em cena. Dentro desta perspectiva poderemos analisar como se daria a construção de uma dramaturgia cômica e não-verbal a partir da fenomenologia do riso. E com esse olhar, pretendemos apontar alguns aspectos e procedimentos, advindos das reflexões acerca da corporeidade e da comicidade, que configurem, entre outras possíveis, uma metodologia de construção cênica não-verbal.

4
  • GIRLANE CRISTINA SIQUEIRA DA SILVA
  • Atuações e papéis femininos: o corpo a corpo da atriz no teatro pernambucano durante a ditadura militar

  • Orientador : RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • ÉRICO JOSÉ SOUZA DE OLIVEIRA
  • Data: 10/03/2015

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  • Esta pesquisa visa investigar a atuação feminina no teatro pernambucano durante a ditadura militar brasileira na década de 1970, analisando os trabalhos de quatro atrizes dos grupos Teatro Hermilo Borba Filho, Vivencial e Expressão, que atuaram no período. Lança-se um olhar sobre o corpo feminino no teatro a partir de uma transgressão cênica corporal: a consciência de uma insubordinação corpórea em resposta a um determinado contexto. No entanto, antes delineou-se um panorama sobre a posição artística e sociocultural da mulher no teatro, nos períodos que antecedem a ditadura no Brasil e em Pernambuco, abrangendo referências teatrais e históricas, com o objetivo de refletir sobre como estas colocações interferiram na imagem social da atriz no contexto ditatorial. Em paralelo, desenvolve-se uma reflexão sobre o corpo cênico que se opunha à ditadura, um corpo que viola as normas estabelecidas, o Corpo Transgressor. Partindo de análises feitas com as entrevistas realizadas com as atrizes, o estudo é desenvolvido construindo-se conexões entre as falas das artistas e os pressupostos filosóficos de Henri Bergson. É também elaborada uma reflexão sobre as mudanças do corpo feminino no teatro na História, em consonância com o conceito também filosófico do Devir Mulher de Felix Guattari.


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  • Esta pesquisa visa investigar a atuação feminina no teatro pernambucano durante a ditadura militar brasileira na década de 1970, analisando os trabalhos de quatro atrizes dos grupos Teatro Hermilo Borba Filho, Vivencial e Expressão, que atuaram no período. Lança-se um olhar sobre o corpo feminino no teatro a partir de uma transgressão cênica corporal: a consciência de uma insubordinação corpórea em resposta a um determinado contexto. No entanto, antes delineou-se um panorama sobre a posição artística e sociocultural da mulher no teatro, nos períodos que antecedem a ditadura no Brasil e em Pernambuco, abrangendo referências teatrais e históricas, com o objetivo de refletir sobre como estas colocações interferiram na imagem social da atriz no contexto ditatorial. Em paralelo, desenvolve-se uma reflexão sobre o corpo cênico que se opunha à ditadura, um corpo que viola as normas estabelecidas, o Corpo Transgressor. Partindo de análises feitas com as entrevistas realizadas com as atrizes, o estudo é desenvolvido construindo-se conexões entre as falas das artistas e os pressupostos filosóficos de Henri Bergson. É também elaborada uma reflexão sobre as mudanças do corpo feminino no teatro na História, em consonância com o conceito também filosófico do Devir Mulher de Felix Guattari.

5
  • BERTTONY DA SILVA NINO
  • Um retrato do marginal brasileiro mediante o trabalho do ator com as personagens de Plínio Marcos em “Navalha na carne"

  • Orientador : RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • PAULA ALVES BARBOSA COELHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • Data: 13/03/2015

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  • Esta dissertação apresentada tem como investigação o trabalho do ator na construção das ações físicas, conforme a metodologia desenvolvida por Constantin Stanislavski em sua análise da ação dramática, denominada “método da ação física”, aplicada às questões da representação cênica do marginal brasileiro, segundo o olhar “cruel” e realista/naturalista do dramaturgo Plínio Marcos. Partindo das circunstâncias dadas pelo universo Pliniano, a intenção é contribuir para a reflexão sobre o trabalho do ator na cena com os personagens marginais de “Navalha na carne”, destacando alguns aspectos importantes, que auxiliem na construção deste mundo ficcional. Deseja-se criar condições para a formação de um ator que potencialize na cena as contradições e conflitos desta obra. A investigação pretende partir do estudo teórico-prático como hipótese metodológica, produzindo reflexão crítica a partir do processo criativo do ator com a realização de um experimento cênico centrado na técnica psicofísica deste pedagogo russo. Assim, pretende-se lançar um olhar sobre o “método das ações físicas” com foco na sua última grande contribuição para a atuação, notadamente o procedimento da análise ativa, ao fazer uma leitura a partir de “Navalha na carne” por meio deste exercício cênico criativo, ampliando os estudos que se ocupam da arte do ator. Esta pesquisa faz uma explanação geral sobre a trajetória de Stanislavski até seu encontro com a ação física, ao mesmo tempo que, destaca os desencontros de entendimento do seu trabalho pelo mundo. Stanislavski desenvolveu inicialmente o “método” tendo como pano de fundo, a estética realista - uma relação de diálogo entre realidade e a cena – através de uma estilização que cria uma realidade teatral, e consequentemente, artística, e não de forma literalmente naturalista através de um mimetismo integral. Ou seja, o trabalho de representação na estética realista do teatro deve ser elaborado a fim de criar uma realidade teatralizada. Stanislavski entende que teatro é convenção, já que o trabalho do ator sobre si próprio deve estimular essa segunda natureza, a cênica. 


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  • Esta dissertação apresentada tem como investigação o trabalho do ator na construção das ações físicas, conforme a metodologia desenvolvida por Constantin Stanislavski em sua análise da ação dramática, denominada “método da ação física”, aplicada às questões da representação cênica do marginal brasileiro, segundo o olhar “cruel” e realista/naturalista do dramaturgo Plínio Marcos. Partindo das circunstâncias dadas pelo universo Pliniano, a intenção é contribuir para a reflexão sobre o trabalho do ator na cena com os personagens marginais de “Navalha na carne”, destacando alguns aspectos importantes, que auxiliem na construção deste mundo ficcional. Deseja-se criar condições para a formação de um ator que potencialize na cena as contradições e conflitos desta obra. A investigação pretende partir do estudo teórico-prático como hipótese metodológica, produzindo reflexão crítica a partir do processo criativo do ator com a realização de um experimento cênico centrado na técnica psicofísica deste pedagogo russo. Assim, pretende-se lançar um olhar sobre o “método das ações físicas” com foco na sua última grande contribuição para a atuação, notadamente o procedimento da análise ativa, ao fazer uma leitura a partir de “Navalha na carne” por meio deste exercício cênico criativo, ampliando os estudos que se ocupam da arte do ator. Esta pesquisa faz uma explanação geral sobre a trajetória de Stanislavski até seu encontro com a ação física, ao mesmo tempo que, destaca os desencontros de entendimento do seu trabalho pelo mundo. Stanislavski desenvolveu inicialmente o “método” tendo como pano de fundo, a estética realista - uma relação de diálogo entre realidade e a cena – através de uma estilização que cria uma realidade teatral, e consequentemente, artística, e não de forma literalmente naturalista através de um mimetismo integral. Ou seja, o trabalho de representação na estética realista do teatro deve ser elaborado a fim de criar uma realidade teatralizada. Stanislavski entende que teatro é convenção, já que o trabalho do ator sobre si próprio deve estimular essa segunda natureza, a cênica. 

6
  • MIRTTHYA MARK LUCENA GUIMARÃES
  • O Ator na rua: uma expressividade caótica

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • ALEXANDRE SILVA NUNES
  • Data: 19/03/2015

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  • Este trabalho investigou o processo de preparação corporal\vocal\energético do ator para a rua, desenvolvido no Grupo de Teatro Quem Tem Boca é Pra Gritar. Nossa principal busca foi entender os processos que o ator percorre para desenvolver uma energia para cena na rua. Que energia é esta que se estabelece e se relaciona com os transeuntes\espectadores? O que será que chama atenção do transeunte\espectador? Será a história? A indumentária ou será uma expressividade potencializada? Será uma energia presente no corpo do ator que se relaciona com o transeunte? Como o ator se relaciona com o espaço urbano? Na tentativa de responder tais questionamentos, utilizamos alguns princípios da Física Moderna, como: Teoria Quântica e Princípio da Incerteza, além da Teoria do Caos. O teatro realizado nas ruas, em sua maioria, passa por longos processos de construção cênica, contudo, quando levado ao público, é tomado por outras causalidades, pois estando na rua o ator se torna sujeito daquele espaço, não podendo negar a eventualidade dos fatos que ali podem ocorrer. Segundo a física quântica a energia se propaga em um espaço vazio, a quantidade de energia física sendo trocada no espaço da rua, resulta no mágico momento em que os corpos dos atores, em constantes trocas com os espectadores, permitem acontecer o salto quântico[1]: o espetáculo teatral de rua. 



    [1] Utilizo este termo aqui como uma metáfora, no qual salto quântico diz respeito ao elétron que recebe uma grande quantidade de energia e salta para os níveis mais afastados do núcleo.


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  • Este trabalho investigou o processo de preparação corporal\vocal\energético do ator para a rua, desenvolvido no Grupo de Teatro Quem Tem Boca é Pra Gritar. Nossa principal busca foi entender os processos que o ator percorre para desenvolver uma energia para cena na rua. Que energia é esta que se estabelece e se relaciona com os transeuntes\espectadores? O que será que chama atenção do transeunte\espectador? Será a história? A indumentária ou será uma expressividade potencializada? Será uma energia presente no corpo do ator que se relaciona com o transeunte? Como o ator se relaciona com o espaço urbano? Na tentativa de responder tais questionamentos, utilizamos alguns princípios da Física Moderna, como: Teoria Quântica e Princípio da Incerteza, além da Teoria do Caos. O teatro realizado nas ruas, em sua maioria, passa por longos processos de construção cênica, contudo, quando levado ao público, é tomado por outras causalidades, pois estando na rua o ator se torna sujeito daquele espaço, não podendo negar a eventualidade dos fatos que ali podem ocorrer. Segundo a física quântica a energia se propaga em um espaço vazio, a quantidade de energia física sendo trocada no espaço da rua, resulta no mágico momento em que os corpos dos atores, em constantes trocas com os espectadores, permitem acontecer o salto quântico[1]: o espetáculo teatral de rua. 



    [1] Utilizo este termo aqui como uma metáfora, no qual salto quântico diz respeito ao elétron que recebe uma grande quantidade de energia e salta para os níveis mais afastados do núcleo.

7
  • LUIZ FELIPE FERREIRA DA ROCHA
  • Dançando a carne: uma poética do corpo no mito adâmico

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 20/03/2015

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  •  Neste estudo dissertativo refletimos sobre a dimensão sensível do corpo, que nos possibilita participar do espaço mítico e constituí-lo como espaço potencial para a criação artística em dança, experiência atribuidora de sentidos ao mundo, à vida, à existência. Trata-se de um escrito que debulha algumas reflexões acerca da condição humana a partir de um olhar lançado sobre o mito de Adão, excitando-nos a pensar sobre as possíveis relações entre a arte e o mito na contemporaneidade, como campos do saber abertos à criação, como espaços semânticos capazes de atribuir novos sentidos ao vivido por meio das pulsações de um corpo que é mito e que é dança. Esse estudo tem dentre seus objetivos a intenção de aventurar um olhar sobre o referido mito, possibilitando-nos novas leituras, significados, e compreensões do mesmo a partir da experiência e vivência num processo de criação em dança contemporânea. Para tanto, referencia-se metodologicamente na Fenomenologia, ou melhor, na atitude fenomenológica proposta por Merleau-Ponty (1994), que considera a experiência vivida do corpo como fonte primordial de conhecimento. Debruçamo-nos assim sobre esse processo de criação em dança contemporânea, que veio a originar uma obra artístico-coreográfica, à qual intitulamos de “A Carne que Sou”, e nos colocando em contemplação dessa dança que ecoa do mistério, que emerge das profundezas do corpo, e que traz à superfície o humano e o seu mundo, suas relações. Compreendemos aqui, portanto, a dança como nossa sensível guia e orientadora de reflexões de ordem ontológica e epistemológica, capaz de validar e perpetuar o mito enquanto herança de sabedoria ancestral.


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  •  Neste estudo dissertativo refletimos sobre a dimensão sensível do corpo, que nos possibilita participar do espaço mítico e constituí-lo como espaço potencial para a criação artística em dança, experiência atribuidora de sentidos ao mundo, à vida, à existência. Trata-se de um escrito que debulha algumas reflexões acerca da condição humana a partir de um olhar lançado sobre o mito de Adão, excitando-nos a pensar sobre as possíveis relações entre a arte e o mito na contemporaneidade, como campos do saber abertos à criação, como espaços semânticos capazes de atribuir novos sentidos ao vivido por meio das pulsações de um corpo que é mito e que é dança. Esse estudo tem dentre seus objetivos a intenção de aventurar um olhar sobre o referido mito, possibilitando-nos novas leituras, significados, e compreensões do mesmo a partir da experiência e vivência num processo de criação em dança contemporânea. Para tanto, referencia-se metodologicamente na Fenomenologia, ou melhor, na atitude fenomenológica proposta por Merleau-Ponty (1994), que considera a experiência vivida do corpo como fonte primordial de conhecimento. Debruçamo-nos assim sobre esse processo de criação em dança contemporânea, que veio a originar uma obra artístico-coreográfica, à qual intitulamos de “A Carne que Sou”, e nos colocando em contemplação dessa dança que ecoa do mistério, que emerge das profundezas do corpo, e que traz à superfície o humano e o seu mundo, suas relações. Compreendemos aqui, portanto, a dança como nossa sensível guia e orientadora de reflexões de ordem ontológica e epistemológica, capaz de validar e perpetuar o mito enquanto herança de sabedoria ancestral.

8
  • ALGONIZ ALEX CORDEIRO DINIZ
  • Poética da Travessia:a topografia do encenador das águas refletida no processo "Memórias de quintal"

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 30/03/2015

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  • A presente pesquisa discuti aspectos inerentes ao ato de conduzir um processo criativo em teatro partindo da ideia de que o encenador, uma vez introduzido na concepção de cena, concebe um método particular intitulado travessia poética, desse modo, nutre em seu instinto o que Gaston Bachelard denomina de “intencionalidade poética” e “imaginação simbólica”. Este estudo busca analisar as estratégias adotadas pelo encenador na criação do espetáculo “Memórias de Quintal”, correlacionando conceitos voltados à prática da direção teatral e a escrita de cadernos de direção teatral.


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  • This research aimed to discuss inherent aspects of the act of conduction a creative process in theater from the idea that the director, once introduced in the design scene, conceives a particular method called poetic crossing, and create in your instinct what Gaston Bachelard calls “poetic intentionality” and “symbolic imagination”. This study also analized the strategies adopted by the director in the creation of the theater play “Memórias de Quintal”, correlating the concepts focused in the practice of the theater directing and the writing of the notebooks of the theatral directing.

9
  • PAULA LAÍS ARAÚJO DE MEDEIROS
  • Memórias de Quintal: A arte do Encontro com a Criança Interior e os Afetos de Infância

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 30/03/2015

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  • Este trabalho é parte do processo de criação do espetáculo “Memórias de Quintal” sob a perspectiva de uma das atrizes e dramaturga da peça. As discussões aqui levantadas partem de alguns conceitos ou eixos-norteadores: o teatro enquanto “arte do encontro”, o arquétipo da criança associado ao estado de jogo proposto pelo espetáculo, e a imaginação como agente motivadora de reconstrução de memórias afetivas para os conteúdos das cenas. O trato com as memórias de quintal ou afetos de infância traz para a escrita o sujeito em primeira pessoa através da voz da criança interior, que reflete acerca de sua própria trajetória de vida, de arte, e utiliza suas experiências para nutrir o processo criativo e, dessa maneira, alcançar também as histórias dos espectadores. Os autores que mais colaboram com esta pesquisa são o encenador Jerzy Grotowski, os psicólogos Carl Gustav Jung e James Hillman, os filósofos Gaston Bachelard e Johan Huizinga, e o poeta Manoel de Barros.


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  • Memórias de Quintal: A arte do Encontro com a Criança Interior e os Afetos de Infância

10
  • JORDANA LUCENA DE SOUZA
  • DANÇAS NO RN: Motivações, Dificuldades e Configurações

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 15/04/2015

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  • Neste trabalho abordamos o cenário da Dança no Rio Grande do Norte, a partir da investigação de Grupos evidentes nas mesorregiões do Leste Potiguar, Agreste Potiguar, Central Potiguar e Oeste Potiguar, e mais especificamente nos municípios Major Sales, Jardim do Seridó, Pedro Velho e Passa e Fica. Com isso objetivamos compreender, do ponto de vista fenomenológico, os sentidos e os significados que motivam os sujeitos das danças lá situadas, a serem agentes fazedores-transformadores da dança no Rio Grande do Norte. Para tanto, elegemos as seguintes questões de estudo que nortearam o desenvolvimento dessa investigação: 1. Que motivações impulsionam os sujeitos fazedores da dança a contribuírem para mantê-la viva-pulsante e/ou resistirem às dificuldades cotidianas? 2. Que dificuldades estão presentes nesse cenário da dança no RN e como são enfrentadas?  3. Como vem se configurando o cenário da dança no RN? Dessa forma foi possível, nesse contexto de sentidos e significados, desvelar motivações, dificuldades e configurações das danças nesses municípios representativos do RN; isto é, percebermos as identidades e identificações desses brincantes com a dança enquanto manifestação cultural simbólica, cidadã e política; a presença/ausência de políticas públicas voltadas a essas expressões artísticas e o impacto decorrente do envolvimento das comunidades para que esse cenário cultural se propague pelas novas gerações.

     


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  • Neste trabalho abordamos o cenário da Dança no Rio Grande do Norte, a partir da investigação de Grupos evidentes nas mesorregiões do Leste Potiguar, Agreste Potiguar, Central Potiguar e Oeste Potiguar, e mais especificamente nos municípios Major Sales, Jardim do Seridó, Pedro Velho e Passa e Fica. Com isso objetivamos compreender, do ponto de vista fenomenológico, os sentidos e os significados que motivam os sujeitos das danças lá situadas, a serem agentes fazedores-transformadores da dança no Rio Grande do Norte. Para tanto, elegemos as seguintes questões de estudo que nortearam o desenvolvimento dessa investigação: 1. Que motivações impulsionam os sujeitos fazedores da dança a contribuírem para mantê-la viva-pulsante e/ou resistirem às dificuldades cotidianas? 2. Que dificuldades estão presentes nesse cenário da dança no RN e como são enfrentadas?  3. Como vem se configurando o cenário da dança no RN? Dessa forma foi possível, nesse contexto de sentidos e significados, desvelar motivações, dificuldades e configurações das danças nesses municípios representativos do RN; isto é, percebermos as identidades e identificações desses brincantes com a dança enquanto manifestação cultural simbólica, cidadã e política; a presença/ausência de políticas públicas voltadas a essas expressões artísticas e o impacto decorrente do envolvimento das comunidades para que esse cenário cultural se propague pelas novas gerações.

     

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  • PEDRO HENRIQUE DA SILVA FILGUEIRA
  • As personagens negras de Capitães da Areia em cena

  • Orientador : ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • RONALDO LAURENTINO DE SALES JUNIOR
  • Data: 27/08/2015

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  • A pesquisa que resultou no trabalho “As personagens negras de Capitães da Areia em cena” analisou parte do rico universo de um dos principais autores nacionais e a sua relação com o cinema. Jorge Amado tem uma relação intrínseca com a Indústria Cultural. Desde a década de 1940, o escritor, de alguma forma, tem emprestado suas obras para o cinema. Dentre elas, escolhemos como objeto de estudo, o livro Capitães da Areia, romance lançado na década de 30. O romance relata a história de um grupo de meninos abandonados e que moram em um trapiche à beira mar, em Salvador. O romance foi traduzido em 2011 para o cinema, cuja direção ficou por conta de Cecília Amado, neta de Jorge Amado. O elenco principal é composto por adolescentes, não atores, afrodescendentes, que foram selecionados para os papéis, indicando que a diretora tinha um desejo de realismo em sua obra. O trabalho teve como objetivo geral a representação das personagens negras no filme Capitães da Areia, trazendo o debate dos arquétipos e estereótipos do negro no cinema. Consideramos que o objetivo geral tenha sido atingido, pois através da análise comparativa texto-fonte e filme, pudemos compreender a construção das personagens baseadas no paradigma da fidelidade fílmica.


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  • A pesquisa que resultou no trabalho “As personagens negras de Capitães da Areia em cena” analisou parte do rico universo de um dos principais autores nacionais e a sua relação com o cinema. Jorge Amado tem uma relação intrínseca com a Indústria Cultural. Desde a década de 1940, o escritor, de alguma forma, tem emprestado suas obras para o cinema. Dentre elas, escolhemos como objeto de estudo, o livro Capitães da Areia, romance lançado na década de 30. O romance relata a história de um grupo de meninos abandonados e que moram em um trapiche à beira mar, em Salvador. O romance foi traduzido em 2011 para o cinema, cuja direção ficou por conta de Cecília Amado, neta de Jorge Amado. O elenco principal é composto por adolescentes, não atores, afrodescendentes, que foram selecionados para os papéis, indicando que a diretora tinha um desejo de realismo em sua obra. O trabalho teve como objetivo geral a representação das personagens negras no filme Capitães da Areia, trazendo o debate dos arquétipos e estereótipos do negro no cinema. Consideramos que o objetivo geral tenha sido atingido, pois através da análise comparativa texto-fonte e filme, pudemos compreender a construção das personagens baseadas no paradigma da fidelidade fílmica.

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  • ALYSSON AMANCIO DE SOUZA
  • E...5,6,7,8: Reflexões sobre processos formativos em dança na contemporaneidade

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GILSAMARA MOURA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 24/09/2015

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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal refletir sobre os processos não formais desenvolvidos em dança na contemporaneidade. Os cursos livres, escolas, academias, ONGs e associações ainda são as instituições que mais formam bailarinos no Brasil (STRAZZACAPPA, 2012), nesse sentido julgamos necessário contínuas pesquisas que possam discutir e contribuir para a potencialização destes espaços. Por conseguinte, este trabalho é fundamentado metodologicamente na abordagem fenomenológica e mais especificamente na análise do fenômeno situado, tendo como campo constitutivo de estudo uma instituição de ensino não formal do interior do Ceará, a Associação Dança Cariri (ADC), existente desde 2007, a qual vem fomentando diversas atividades culturais na região do Cariri, sul deste estado. A partir desse contexto, a presente pesquisa aborda uma reflexão sobre como a formação de ensino híbrida, proposta pela ADC, vem influenciando os artistas locais e modificando os corpos sujeitos e o ambiente da dança do Cariri, através de composições coreográficas, aumento de eventos de dança, implementação de novos espaços e pesquisas em dança, traduzindo-se, portanto, em um campo constitutivo voltado à formação, a difusão e ao desenvolvimento da dança na contemporaneidade.  

     


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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal refletir sobre os processos não formais desenvolvidos em dança na contemporaneidade. Os cursos livres, escolas, academias, ONGs e associações ainda são as instituições que mais formam bailarinos no Brasil (STRAZZACAPPA, 2012), nesse sentido julgamos necessário contínuas pesquisas que possam discutir e contribuir para a potencialização destes espaços. Por conseguinte, este trabalho é fundamentado metodologicamente na abordagem fenomenológica e mais especificamente na análise do fenômeno situado, tendo como campo constitutivo de estudo uma instituição de ensino não formal do interior do Ceará, a Associação Dança Cariri (ADC), existente desde 2007, a qual vem fomentando diversas atividades culturais na região do Cariri, sul deste estado. A partir desse contexto, a presente pesquisa aborda uma reflexão sobre como a formação de ensino híbrida, proposta pela ADC, vem influenciando os artistas locais e modificando os corpos sujeitos e o ambiente da dança do Cariri, através de composições coreográficas, aumento de eventos de dança, implementação de novos espaços e pesquisas em dança, traduzindo-se, portanto, em um campo constitutivo voltado à formação, a difusão e ao desenvolvimento da dança na contemporaneidade.  

     

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  • RENATA CELINA DE MORAIS OTELO
  • CORPOS DA CIRANDA: ANÁLISE ARTÍSTICO/ESTÉTICA DA CIRANDA DE LIA DE ITAMARACÁ

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MARIA DE LOURDES MACENA DE SOUZA
  • Data: 14/12/2015

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  • O presente trabalho é uma pesquisa que versa sobre a linguagem dos corpos brincantes da Ciranda – especificamente de Lia de Itamaracá. Interessa-nos observar como esse corpo dança, comunica-se, escreve-se no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Assim, de maneira circular e em uma energia que é transmitida no contato com as mãos, na força da canção, em uma roda que pode ser vista de vários lugares, mas por ângulos diferentes, cabendo aí as particularidades dos seus sujeitos brincantes/dançadores/observadores, é que nos propomos a pensar: quem são esses corpos brincantes e como eles constituem as rodas de Ciranda? Para tanto, durante o caminho da pesquisa, fomos conduzidos pelo método fenomenológico e, dele, utilizamos as categorias de descrição, mundo vivido e sensível. Interessa-nos, ainda, nessa manifestação, o corpo que dança e se insere na expressão artística, que significa e se abre ao conhecimento pela via da experiência. Assumimos, portanto, uma concepção de corpo que se referencia na abordagem fenomenológica merleaupontyana, assim como, na sua criticidade em relação ao corpo como um ser fragmentado, tal qual aponta a teoria Cartesiana. Nessa perspectiva, entendemos o corpo na sua relação com os fazeres culturais, sociais, econômicos e artísticos que integram a formação dele. Ou seja, nas relações que nos ajudaram a compreender melhor o corpo que se é. Dessa maneira, a pesquisa tem como objetivo fundante apresentar reflexões sobre os corpos brincantes da Ciranda, especificamente, de Lia de Itamaracá e como esse corpo dança, se comunica, se escreve no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Tal afirmação nos leva, neste trabalho, a questionar, por exemplo: o que mobiliza esses sujeitos nessa dança? Por fim, asseveramos que essa investigação vem à tona em razão da dimensão que as rodas de Ciranda vêm alcançando no país, em especial no Nordeste brasileiro, assim como a existência de pouca referência e registro da manifestação pesquisada nas esferas acadêmicas. É possível verificar, com a pesquisa, que, em razão dessa disseminação, as nuances da movimentação dos brincantes está cada vez mais diversificada e que a ausência de vivências na Ilha de Itamaracá-PE, seu berço, tem distanciado o caráter genuíno e comunitário, tornando-se, cada vez mais, uma dança de outros palcos e praças.

     


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  • O presente trabalho é uma pesquisa que versa sobre a linguagem dos corpos brincantes da Ciranda – especificamente de Lia de Itamaracá. Interessa-nos observar como esse corpo dança, comunica-se, escreve-se no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Assim, de maneira circular e em uma energia que é transmitida no contato com as mãos, na força da canção, em uma roda que pode ser vista de vários lugares, mas por ângulos diferentes, cabendo aí as particularidades dos seus sujeitos brincantes/dançadores/observadores, é que nos propomos a pensar: quem são esses corpos brincantes e como eles constituem as rodas de Ciranda? Para tanto, durante o caminho da pesquisa, fomos conduzidos pelo método fenomenológico e, dele, utilizamos as categorias de descrição, mundo vivido e sensível. Interessa-nos, ainda, nessa manifestação, o corpo que dança e se insere na expressão artística, que significa e se abre ao conhecimento pela via da experiência. Assumimos, portanto, uma concepção de corpo que se referencia na abordagem fenomenológica merleaupontyana, assim como, na sua criticidade em relação ao corpo como um ser fragmentado, tal qual aponta a teoria Cartesiana. Nessa perspectiva, entendemos o corpo na sua relação com os fazeres culturais, sociais, econômicos e artísticos que integram a formação dele. Ou seja, nas relações que nos ajudaram a compreender melhor o corpo que se é. Dessa maneira, a pesquisa tem como objetivo fundante apresentar reflexões sobre os corpos brincantes da Ciranda, especificamente, de Lia de Itamaracá e como esse corpo dança, se comunica, se escreve no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Tal afirmação nos leva, neste trabalho, a questionar, por exemplo: o que mobiliza esses sujeitos nessa dança? Por fim, asseveramos que essa investigação vem à tona em razão da dimensão que as rodas de Ciranda vêm alcançando no país, em especial no Nordeste brasileiro, assim como a existência de pouca referência e registro da manifestação pesquisada nas esferas acadêmicas. É possível verificar, com a pesquisa, que, em razão dessa disseminação, as nuances da movimentação dos brincantes está cada vez mais diversificada e que a ausência de vivências na Ilha de Itamaracá-PE, seu berço, tem distanciado o caráter genuíno e comunitário, tornando-se, cada vez mais, uma dança de outros palcos e praças.

     

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  • ILDISNEI MEDEIROS DA SILVA
  • Ensino de Teatro e Diálogo Freireano: Uma experiência junto ao PIBID-Teatro/UFRN.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA VIEIRA SILVA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 21/12/2015

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  • O presente trabalho possui como objetivo, a partir da troca e do diálogo com os agentes envolvidos nesse processo de pesquisa participante, problematizar o planejamento pedagógico dialógico do Ensino de Teatro desenvolvido sob a ótica do Diálogo em Paulo Freire, a fim de perceber como esse conceito é compreendido, e como isso influencia e reverbera na estruturação desse planejamento pedagógico e sua execução em salas de aula do Ensino Fundamental I, onde os integrantes do Programa Institucional de Bolsas de Iniciação à Docência subprojeto Teatro da UFRN (PIBID-Teatro/UFRN) atuam. Por meio da observação participante é que se tem trilhado e construído o caminho dessa pesquisa, vivenciando e questionando essa experiência inspirada na proposta pedagógica freireana. A investigação desenvolve um trabalho conjunto com os envolvidos contando com a “dialogicidade” e a “abordagem problematizadora” como fundamentos metodológicos mobilizadores para a construção de conhecimentos, tanto no grupo do PIBID-Teatro/UFRN, quanto no grupo atendido pelos bolsistas desse programa. Desse modo, os referenciais teóricos desta dissertação situam-se nos trabalhos de Paulo Freire no que se refere principalmente ao diálogo, nas sistematizações pedagógicas do Grupo de Estudos e Práticas Educativas em Movimento (GEPEM/UFRN), e nas produções do Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena (CENOTEC/UFRN), no que diz respeito à construção de um processo educativo dialógico que considera as realidades dos sujeitos, estabelecendo relações entre essas realidades e os conhecimentos específicos da área ensinada, relações entre a área específica e outras áreas do conhecimento, e reconhecendo a escola como espaço de diálogo.


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  • O presente trabalho possui como objetivo, a partir da troca e do diálogo com os agentes envolvidos nesse processo de pesquisa participante, problematizar o planejamento pedagógico dialógico do Ensino de Teatro desenvolvido sob a ótica do Diálogo em Paulo Freire, a fim de perceber como esse conceito é compreendido, e como isso influencia e reverbera na estruturação desse planejamento pedagógico e sua execução em salas de aula do Ensino Fundamental I, onde os integrantes do Programa Institucional de Bolsas de Iniciação à Docência subprojeto Teatro da UFRN (PIBID-Teatro/UFRN) atuam. Por meio da observação participante é que se tem trilhado e construído o caminho dessa pesquisa, vivenciando e questionando essa experiência inspirada na proposta pedagógica freireana. A investigação desenvolve um trabalho conjunto com os envolvidos contando com a “dialogicidade” e a “abordagem problematizadora” como fundamentos metodológicos mobilizadores para a construção de conhecimentos, tanto no grupo do PIBID-Teatro/UFRN, quanto no grupo atendido pelos bolsistas desse programa. Desse modo, os referenciais teóricos desta dissertação situam-se nos trabalhos de Paulo Freire no que se refere principalmente ao diálogo, nas sistematizações pedagógicas do Grupo de Estudos e Práticas Educativas em Movimento (GEPEM/UFRN), e nas produções do Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena (CENOTEC/UFRN), no que diz respeito à construção de um processo educativo dialógico que considera as realidades dos sujeitos, estabelecendo relações entre essas realidades e os conhecimentos específicos da área ensinada, relações entre a área específica e outras áreas do conhecimento, e reconhecendo a escola como espaço de diálogo.

2014
Dissertações
1
  • ISABELLE INGRID FREITAS RODRIGUES
  • Criação em processo no espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • Data: 07/02/2014

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  • Este trabalho tem como objetivo investigar o processo criativo do espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment, do coletivo paraibano Tribo Éthnos, fundado na década de 1990 e ainda em atividade. A estratégia metodológica se dá através de estudos descritivos, valendo-se da teoria e prática de diversas linguagens artísticas presentes na obra apontada: artes visuais, performance, literatura e histórias em quadrinho; em ações realizadas pelo coletivo ao longo dos anos, objetivado descrever e analisar o processo de criação do como já apontado do espetáculo de dança Ethnotron-Ghetto Experiment, através da minuciosa coleta de dados por meio entrevistas abertas e semiestruturadas e da pesquisa e também da captação de materiais audiovisuais. A Tribo Éthnos destaca-se na cena local na cidade de João Pessoa e estadual, na Paraíba, visto que, nesse longo percurso de existência do coletivo, além da preocupação em fundir muitas formas artísticas bem como os artistas da Paraíba, aglutina pessoas que fazem arte em outros países e faz das danças urbanas algo instigante. A Tribo ainda preocupa-se com a troca de saberes através de palestras, oficinas, cursos e intercâmbios. A dissertação investiga o processo de criação dos artistas e, especificamente, dos dançarinos utilizando-se principalmente do conceito work in progress, proposto por Renato Cohen, e aplicado ao espetáculo estudado. Apresentam-se descrições dos movimentos coreográficos, do espetáculo de dança paraibano Ethnotron-Ghetto Experiment, de dança de rua da Era Funky, especificamente, com estilos como popping, waving, animation, strobing, floatine/ slidini, tiokine, trebing, breaking, waving, sliding, entre outros; porque estes são parte integrante do processo de criação. Tais estilos remetem ao ilusionismo ou mimetismo, sugerindo em seus movimentos truques, câmeras lentas, flutuações com os pés, entre outros. O coletivo, através do espetáculo, busca a integração dos corpos, procura uma libertação individual e sugere uma sensação de querer voar nas coreografias/cenas. Abordam-se os aspectos do processo criativo: o espaço cênico, o trabalho corporal, a sonoplastia e a roupa/indumentária. Trabalha-se o conceito do corpo virtual de José Gil no aspecto do corpo cênico.

    Abstract: This work aims to investigate the creative process of the show Ethnotron-Ghetto Experiment of the collectiveTribo Éthnos“, from Paraíba, founded in 1990 and is still active. The methodological strategy takes place through descriptive studies, drawing on the theory and practice of various artistic languages present in the pointed work: visual arts, performance, literature and comic books; on actions taken by the collective over the years, aiming to describe and analyze the process of creating the aforementioned dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, through a careful collection of data through open and semi-structured interviews and research and also through uptake of audiovisual materials. The "Tribo Ethnos" stands out in the local scene in the city of João Pessoa and in the State of Paraiba, since, in this long path of the collective existence, beyond the concern for merging many art forms and artists from Paraíba, binds people who make art in other countries and do something exciting through urban dances. The "Tribo" is also concerned with the exchange of knowledge through lectures, workshops, courses and exchanges. This dissertation investigates the creative process of artists, specifically dancers, using mostly the work in progress-concept, proposed by Renato Cohen, studied and applied to the spectacle. We present descriptions of choreographic movements of the dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, specifically street dance from the „Funky Era“ with styles such as popping, waving, animation, strobing, floatine / slidini, tiokine, trebing, breaking, waving , sliding, among others, because they are an integral part of the creation process. These styles  refer to illusionist mimicry, suggesting tricks in his movements, slow motion, fluctuations with the feet, among others. The collective, through this spectacle, aims to integrate the body, seeks an individual liberation and suggests a feeling of wanting to fly in its choreography / scenes. It addresses aspects of the creative process: the scenic area, the body work, the sound, the design and the clothing / costumes. This work also analyses the José Gil's concept of the virtual body  into the aspect of the scenic body.


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  • Este trabalho tem como objetivo investigar o processo criativo do espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment, do coletivo paraibano Tribo Éthnos, fundado na década de 1990 e ainda em atividade. A estratégia metodológica se dá através de estudos descritivos, valendo-se da teoria e prática de diversas linguagens artísticas presentes na obra apontada: artes visuais, performance, literatura e histórias em quadrinho; em ações realizadas pelo coletivo ao longo dos anos, objetivado descrever e analisar o processo de criação do como já apontado do espetáculo de dança Ethnotron-Ghetto Experiment, através da minuciosa coleta de dados por meio entrevistas abertas e semiestruturadas e da pesquisa e também da captação de materiais audiovisuais. A Tribo Éthnos destaca-se na cena local na cidade de João Pessoa e estadual, na Paraíba, visto que, nesse longo percurso de existência do coletivo, além da preocupação em fundir muitas formas artísticas bem como os artistas da Paraíba, aglutina pessoas que fazem arte em outros países e faz das danças urbanas algo instigante. A Tribo ainda preocupa-se com a troca de saberes através de palestras, oficinas, cursos e intercâmbios. A dissertação investiga o processo de criação dos artistas e, especificamente, dos dançarinos utilizando-se principalmente do conceito work in progress, proposto por Renato Cohen, e aplicado ao espetáculo estudado. Apresentam-se descrições dos movimentos coreográficos, do espetáculo de dança paraibano Ethnotron-Ghetto Experiment, de dança de rua da Era Funky, especificamente, com estilos como popping, waving, animation, strobing, floatine/ slidini, tiokine, trebing, breaking, waving, sliding, entre outros; porque estes são parte integrante do processo de criação. Tais estilos remetem ao ilusionismo ou mimetismo, sugerindo em seus movimentos truques, câmeras lentas, flutuações com os pés, entre outros. O coletivo, através do espetáculo, busca a integração dos corpos, procura uma libertação individual e sugere uma sensação de querer voar nas coreografias/cenas. Abordam-se os aspectos do processo criativo: o espaço cênico, o trabalho corporal, a sonoplastia e a roupa/indumentária. Trabalha-se o conceito do corpo virtual de José Gil no aspecto do corpo cênico.

    Abstract: This work aims to investigate the creative process of the show Ethnotron-Ghetto Experiment of the collectiveTribo Éthnos“, from Paraíba, founded in 1990 and is still active. The methodological strategy takes place through descriptive studies, drawing on the theory and practice of various artistic languages present in the pointed work: visual arts, performance, literature and comic books; on actions taken by the collective over the years, aiming to describe and analyze the process of creating the aforementioned dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, through a careful collection of data through open and semi-structured interviews and research and also through uptake of audiovisual materials. The "Tribo Ethnos" stands out in the local scene in the city of João Pessoa and in the State of Paraiba, since, in this long path of the collective existence, beyond the concern for merging many art forms and artists from Paraíba, binds people who make art in other countries and do something exciting through urban dances. The "Tribo" is also concerned with the exchange of knowledge through lectures, workshops, courses and exchanges. This dissertation investigates the creative process of artists, specifically dancers, using mostly the work in progress-concept, proposed by Renato Cohen, studied and applied to the spectacle. We present descriptions of choreographic movements of the dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, specifically street dance from the „Funky Era“ with styles such as popping, waving, animation, strobing, floatine / slidini, tiokine, trebing, breaking, waving , sliding, among others, because they are an integral part of the creation process. These styles  refer to illusionist mimicry, suggesting tricks in his movements, slow motion, fluctuations with the feet, among others. The collective, through this spectacle, aims to integrate the body, seeks an individual liberation and suggests a feeling of wanting to fly in its choreography / scenes. It addresses aspects of the creative process: the scenic area, the body work, the sound, the design and the clothing / costumes. This work also analyses the José Gil's concept of the virtual body  into the aspect of the scenic body.

2
  • LUIZ RENATO GOMES MOURA
  • A Iluminação Cênica no Trabalho do Ator de Teatro

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDUARDO TUDELLA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 24/02/2014

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  • A presente pesquisa tem como foco principal, investigar como a iluminação cênica pode ser articulada no processo de criação do ator de teatro. Para chegarmos a essa reflexão, se faz necessário compreendermos o espaço da sala de ensaio, no qual o ator trabalha, como um lugar em que sua função recebe influências dos demais artistas que estão também criando o espetáculo. São analisados três processos colaborativos da Cia. de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”, “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, com a finalidade de compreendermos que, o teatro colaborativo potencializa o cruzamento e a troca de experiências na sala de ensaio, colaborando ativamente para a formação dos sujeitos envolvidos na criação. A pesquisa propõe uma investigação de como o processo criativo da iluminação cênica ganhou espaço na encenação teatral e evidencia principalmente como se dá sua criação “co-evolutiva” com o processo criativo do ator. 

     Abstract:This research aims to investigate how the stage lighting can be articulated in the creation of theater actor process. To we reach this reflection, it is necessary to understand the space of the rehearsal room, where the actor works as a place where their function receives influences of other artists who are creating the spectacle.Collaborative processes are analyzed three Cia de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”,   “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, aiming to understand the collaborative theater potentializes, the intersection and the exchange of experiences in the rehearsal room, collaborating actively for the training of persons involved in creating the show. The research proposes an investigation of how the creative process of stage lighting is gaining ground in the rehearsal room in the language of theater directing, showing mainly how is your "co-evolutionary" creation with the creative process of the actor.


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  • A presente pesquisa tem como foco principal, investigar como a iluminação cênica pode ser articulada no processo de criação do ator de teatro. Para chegarmos a essa reflexão, se faz necessário compreendermos o espaço da sala de ensaio, no qual o ator trabalha, como um lugar em que sua função recebe influências dos demais artistas que estão também criando o espetáculo. São analisados três processos colaborativos da Cia. de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”, “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, com a finalidade de compreendermos que, o teatro colaborativo potencializa o cruzamento e a troca de experiências na sala de ensaio, colaborando ativamente para a formação dos sujeitos envolvidos na criação. A pesquisa propõe uma investigação de como o processo criativo da iluminação cênica ganhou espaço na encenação teatral e evidencia principalmente como se dá sua criação “co-evolutiva” com o processo criativo do ator. 

     Abstract:This research aims to investigate how the stage lighting can be articulated in the creation of theater actor process. To we reach this reflection, it is necessary to understand the space of the rehearsal room, where the actor works as a place where their function receives influences of other artists who are creating the spectacle.Collaborative processes are analyzed three Cia de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”,   “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, aiming to understand the collaborative theater potentializes, the intersection and the exchange of experiences in the rehearsal room, collaborating actively for the training of persons involved in creating the show. The research proposes an investigation of how the creative process of stage lighting is gaining ground in the rehearsal room in the language of theater directing, showing mainly how is your "co-evolutionary" creation with the creative process of the actor.

3
  • ANDRE LUIZ RODRIGUES BEZERRA
  • Circuito Regional de Performance BodeArte: encontros, coletividade e porítica na performance do Rio Grande do Norte.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LUCIO JOSÉ DE SÁ LEITÃO AGRA
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 14/03/2014

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  • Esta dissertação tem por objetivo voltar-se à estrutura do evento Circuito Regional de Performance BodeArte, para pensar, desde seu formato conceitual até seu acontecimento e limitações práticas, como ele em sua proposta aponta questões relevantes para a compreensão da performance brasileira na contemporaneidade. A partir desta proposição, a dissertação organiza-se em três capítulos pautados nos seguintes aspectos: a retomada dos acontecimentos e dados reunidos na ocorrência do Circuito BodeArte, a apresentação de suas escolhas conceituais, e as metáforas conduzidas pelo uso do termo performance e como elas podem nos conduzir a ideia de uma performance-como-BodeArte. As estruturas metodológicas para tanto são de caráter qualitativo, e tomam como base materiais impressos, textos, programas, blog, vídeos, fotografias, entrevistas, palestras e fóruns, além de nossa própria memória como produtor e performer do evento, procurando através destes estabelecer pontos de organização epistemológica da proposta do Circuito, ampliando-os e discutindo-os. Deste modo esta pesquisa desloca-se pelas proposições do evento em suas três edições, promovendo discussões que interpelam e dialogam com conceitos como a emergência de Steve Johnson (2004), as metáforas do pensamento de Christine Greiner, a ideia de performance hacker de Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), assim como outras proposições lançadas por Jan Swidzinski (2005) e Eleonora Fabião (2012).

     ABSTRACT: This dissertation aims to look into the structure of the event Circuito Regional de Performance BodeArte[1] to think how it collaborate with its proposal providing theoretical points to relevant questions to the comprehension of Brazilian performance art in contemporaneity, since its conceptual format until its occurrence and practical limitations. From this proposition the dissertation is organized into three chapters guided for the following aspects: the resumption of the events encompassed on the occurrence of Circuit BodeArte as well as a tabulation of the data reunited in its history, the presentation of its conceptual choices, and the metaphors conducted by the use of the term performance and how they can lead us to the idea of a performance-as-BodeArte. The methodological structures moved for this organization are qualitative, and have been formed from printed materials, texts, festival programs, blog, videos, photos, interviews, lectures and forums, plus our own memory as a producer and performer of the event, looking through these set points of the epistemological organization contained on the proposal of the Circuito, expanding and discussing them. This way this research moves between the propositions of this event in its three editions, promoting discussions that dialogue with concepts such as the emergence of Steve Johnson (2004), the metaphors of thought proposed by Christine Greiner (2005), the idea of performance hacker of Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), as well as other propositions presented by Jan Swidzinski (2005) and Eleonora Fabião (2012).

    [1] Regional Circuit of Performance GoatArt in a free translation. In a brazilian portuguese accent the pronunciation of the word “body”, as in the term “Body Art”, sounds like the word “bode” (goat in Portuguese), this been the reason why the translation may appear confuse to the reader in English version of the term “GoatArt”.


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  • Esta dissertação tem por objetivo voltar-se à estrutura do evento Circuito Regional de Performance BodeArte, para pensar, desde seu formato conceitual até seu acontecimento e limitações práticas, como ele em sua proposta aponta questões relevantes para a compreensão da performance brasileira na contemporaneidade. A partir desta proposição, a dissertação organiza-se em três capítulos pautados nos seguintes aspectos: a retomada dos acontecimentos e dados reunidos na ocorrência do Circuito BodeArte, a apresentação de suas escolhas conceituais, e as metáforas conduzidas pelo uso do termo performance e como elas podem nos conduzir a ideia de uma performance-como-BodeArte. As estruturas metodológicas para tanto são de caráter qualitativo, e tomam como base materiais impressos, textos, programas, blog, vídeos, fotografias, entrevistas, palestras e fóruns, além de nossa própria memória como produtor e performer do evento, procurando através destes estabelecer pontos de organização epistemológica da proposta do Circuito, ampliando-os e discutindo-os. Deste modo esta pesquisa desloca-se pelas proposições do evento em suas três edições, promovendo discussões que interpelam e dialogam com conceitos como a emergência de Steve Johnson (2004), as metáforas do pensamento de Christine Greiner, a ideia de performance hacker de Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), assim como outras proposições lançadas por Jan Swidzinski (2005) e Eleonora Fabião (2012).

     ABSTRACT: This dissertation aims to look into the structure of the event Circuito Regional de Performance BodeArte[1] to think how it collaborate with its proposal providing theoretical points to relevant questions to the comprehension of Brazilian performance art in contemporaneity, since its conceptual format until its occurrence and practical limitations. From this proposition the dissertation is organized into three chapters guided for the following aspects: the resumption of the events encompassed on the occurrence of Circuit BodeArte as well as a tabulation of the data reunited in its history, the presentation of its conceptual choices, and the metaphors conducted by the use of the term performance and how they can lead us to the idea of a performance-as-BodeArte. The methodological structures moved for this organization are qualitative, and have been formed from printed materials, texts, festival programs, blog, videos, photos, interviews, lectures and forums, plus our own memory as a producer and performer of the event, looking through these set points of the epistemological organization contained on the proposal of the Circuito, expanding and discussing them. This way this research moves between the propositions of this event in its three editions, promoting discussions that dialogue with concepts such as the emergence of Steve Johnson (2004), the metaphors of thought proposed by Christine Greiner (2005), the idea of performance hacker of Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), as well as other propositions presented by Jan Swidzinski (2005) and Eleonora Fabião (2012).

    [1] Regional Circuit of Performance GoatArt in a free translation. In a brazilian portuguese accent the pronunciation of the word “body”, as in the term “Body Art”, sounds like the word “bode” (goat in Portuguese), this been the reason why the translation may appear confuse to the reader in English version of the term “GoatArt”.

4
  • LEANDRO AUGUSTO E SILVA MIRANDA CAVALCANTE
  • A ARTE DE CONDUZIR-SE PELO ENSINO DE TEATRO: Realidades e Ficções de Alunos-Diretores em Camarão.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • ARÃO NOGUEIRA PARANAGUÁ DE SANTANA
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 14/03/2014

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  • Esta dissertação baseia-se em uma experiência teatral de quatro anos (2009-2012) com vinte turmas de 9º ano em uma escola pública de Felipe Camarão, Natal-RN, desenvolvida por mim, e se destina a analisar os procedimentos empíricos experimentados e descobertos por adolescentes que assumiram a função de diretores teatrais frente às suas turmas, buscando montar peças a partir da adaptação de filmes brasileiros, e, portanto descobrir com os próprios conceitos a maneira de lidar com a especificidade das linguagens artísticas em questão. Para tanto, a presente pesquisa aborda o meu papel como orientador destes processos cênicos atribuindo um novo significado ao professor de teatro da escola pública que participa ativamente dos trabalhos, mas potencializa a autonomia dos alunos-diretores em conduzir. Alunos-diretores numa realidade, cujo contexto sócio-cultural influencia diretamente suas construções ficcionais no teatro e que ao refletirem coletivamente, a partir da dialogicidade, entendem a importância do relacionamento entre os membros de um grupo. Esta pesquisa-ação apresenta, por vezes, uma linguagem metafórica com o intuito de enfatizar o universo destes adolescentes, e adentra em temas ligados à pedagogia freireana tentando estabelecer uma ponte entre a realidade dos adolescentes oprimidos e o protagonismo adquirido com o envolvimento nas ficções das peças montadas, acomodando aspectos da pedagogia de Makarenko, no tocante à cooperação coletiva de um grande grupo. Deste modo, a pesquisa mergulha profundamente na caracterização do ambiente que cerca estes alunos procurando entender as identidades culturais e suas influências estéticas na criação de seus espetáculos. Associa ainda experiências e intuições de alunos na condução teatral com outras teorias ou teóricos do teatro como o Teatro Épico em Brecht, o Teatro Pobre de Grotowski, o Teatro Popular, o Teatro do Absurdo, o Teatro do Oprimido desenvolvido por Boal apontando conceitos também de Stanislavski, Tchékhov, e Meyerhold. Utiliza ainda conceitos ligados à mídia, à mistura da realidade com a ficção e aos processos de condução em um grupo, como um fenômeno nominado “efeito de condução”. Faz assim a leitura artística de quatro encenações (no total), selecionadas uma por ano, tentando formalizar conceitos teatrais outrora discutidos. Por fim, mesmo estando minha participação diluída no texto, traz algumas conversas com encenadores que gostam de ensinar e aprender.

    Abstract: This dissertation is based on a theatre experience of four years (2009-2012), with twenty classes of the 9th grade in a public school of Felipe Camarão, Natal- RN. It was developed by me, and it is intended to analyze the empirical procedures experienced and discovered by teenagers who took the role of theater directors before their classes, seeking to set up plays through the adaptation of Brazilian films, and thus to discover with their own concepts how to deal with the specificity of the artistic languages in question. Therefore, this research approaches my role as the advisor for these scene processes, assigning a new meaning to the public school drama teacher who participates actively in the activities, but enhances the autonomy of the student-directors in directing. Student-directors in a reality whose socio- cultural context directly influences their fictional constructions in the theater and who, when to reflect collectively, understand the importance of the relationship between members of a group, from what concerns dialog. This research-action sometimes uses metaphorical language – in order to emphasize the universe of these teenagers – and enters themes related to Freire's pedagogy, trying to build a bridge between the oppressed teenagers reality and the main role acquired (by the teenagers) from the involvement in the fiction of the plays set up, accommodating aspects of Makarenko´s pedagogy, regarding the collective cooperation of a large group. Thus, the research goes deeply into the characterization of the environment which surrounds these students, seeking to understand the cultural identities and their aesthetic influences in creating their shows. This work still associates students' intuition and experiences in theater directing with other theories or theater theorists, like Brechtian Epic Theatre, Grotowski's Poor Theatre, o Teatro Popular, the Theatre of the Absurd, Theatre of the Oppressed (developed by Boal), also pointing concepts from Stanislavski, Tchékhov, and Meyerhold. It still uses concepts related to media, the mix of reality and fiction and the directing processes in a group, like a phenomenon named "direction effect". In this way, it does an artistic reading of four plays (in total), selected once a year, trying to formalize theatre concepts previously discussed. Finally, even being my part diluted in the text, it brings up some conversation with directors who like to teach and learn.

     


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  • Esta dissertação baseia-se em uma experiência teatral de quatro anos (2009-2012) com vinte turmas de 9º ano em uma escola pública de Felipe Camarão, Natal-RN, desenvolvida por mim, e se destina a analisar os procedimentos empíricos experimentados e descobertos por adolescentes que assumiram a função de diretores teatrais frente às suas turmas, buscando montar peças a partir da adaptação de filmes brasileiros, e, portanto descobrir com os próprios conceitos a maneira de lidar com a especificidade das linguagens artísticas em questão. Para tanto, a presente pesquisa aborda o meu papel como orientador destes processos cênicos atribuindo um novo significado ao professor de teatro da escola pública que participa ativamente dos trabalhos, mas potencializa a autonomia dos alunos-diretores em conduzir. Alunos-diretores numa realidade, cujo contexto sócio-cultural influencia diretamente suas construções ficcionais no teatro e que ao refletirem coletivamente, a partir da dialogicidade, entendem a importância do relacionamento entre os membros de um grupo. Esta pesquisa-ação apresenta, por vezes, uma linguagem metafórica com o intuito de enfatizar o universo destes adolescentes, e adentra em temas ligados à pedagogia freireana tentando estabelecer uma ponte entre a realidade dos adolescentes oprimidos e o protagonismo adquirido com o envolvimento nas ficções das peças montadas, acomodando aspectos da pedagogia de Makarenko, no tocante à cooperação coletiva de um grande grupo. Deste modo, a pesquisa mergulha profundamente na caracterização do ambiente que cerca estes alunos procurando entender as identidades culturais e suas influências estéticas na criação de seus espetáculos. Associa ainda experiências e intuições de alunos na condução teatral com outras teorias ou teóricos do teatro como o Teatro Épico em Brecht, o Teatro Pobre de Grotowski, o Teatro Popular, o Teatro do Absurdo, o Teatro do Oprimido desenvolvido por Boal apontando conceitos também de Stanislavski, Tchékhov, e Meyerhold. Utiliza ainda conceitos ligados à mídia, à mistura da realidade com a ficção e aos processos de condução em um grupo, como um fenômeno nominado “efeito de condução”. Faz assim a leitura artística de quatro encenações (no total), selecionadas uma por ano, tentando formalizar conceitos teatrais outrora discutidos. Por fim, mesmo estando minha participação diluída no texto, traz algumas conversas com encenadores que gostam de ensinar e aprender.

    Abstract: This dissertation is based on a theatre experience of four years (2009-2012), with twenty classes of the 9th grade in a public school of Felipe Camarão, Natal- RN. It was developed by me, and it is intended to analyze the empirical procedures experienced and discovered by teenagers who took the role of theater directors before their classes, seeking to set up plays through the adaptation of Brazilian films, and thus to discover with their own concepts how to deal with the specificity of the artistic languages in question. Therefore, this research approaches my role as the advisor for these scene processes, assigning a new meaning to the public school drama teacher who participates actively in the activities, but enhances the autonomy of the student-directors in directing. Student-directors in a reality whose socio- cultural context directly influences their fictional constructions in the theater and who, when to reflect collectively, understand the importance of the relationship between members of a group, from what concerns dialog. This research-action sometimes uses metaphorical language – in order to emphasize the universe of these teenagers – and enters themes related to Freire's pedagogy, trying to build a bridge between the oppressed teenagers reality and the main role acquired (by the teenagers) from the involvement in the fiction of the plays set up, accommodating aspects of Makarenko´s pedagogy, regarding the collective cooperation of a large group. Thus, the research goes deeply into the characterization of the environment which surrounds these students, seeking to understand the cultural identities and their aesthetic influences in creating their shows. This work still associates students' intuition and experiences in theater directing with other theories or theater theorists, like Brechtian Epic Theatre, Grotowski's Poor Theatre, o Teatro Popular, the Theatre of the Absurd, Theatre of the Oppressed (developed by Boal), also pointing concepts from Stanislavski, Tchékhov, and Meyerhold. It still uses concepts related to media, the mix of reality and fiction and the directing processes in a group, like a phenomenon named "direction effect". In this way, it does an artistic reading of four plays (in total), selected once a year, trying to formalize theatre concepts previously discussed. Finally, even being my part diluted in the text, it brings up some conversation with directors who like to teach and learn.

     

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  • MAURICIO MORAES MOTTA
  • Mover/se(r) – A gênese do corpo entre/corpos  e seus trajetos no processo coreográfico.

     

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MARIA ALBERTINA SILVA GREBLER
  • Data: 21/03/2014

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  • Resumo: Esta dissertação propõe uma reflexão a respeito do corpo entre/corpos, em especial na dança contemporânea, neste seu trajeto que tem inicio na construção coreográfica, perpassando o corpo do coreógrafo, o corpo do bailarino e, ao realizar-se como manifestação artística, o corpo do espectador. Inicialmente discute o corpo na dança como espaço topológico de convergência, conexidade e continuidade, a partir do pensamento do filósofo grego Epicuro de Samos, em diálogo, principalmente, com o pensamento de Regina Miranda, Maurice Merleau-Ponty e José Gil. Reflete, em especial, a relação coreógrafo/bailarino utilizando como fio condutor as experiências do autor em seu trajeto artístico e, por fim, relata o processo de criação do experimento cênico (h)áporos, que se configura como prática da cena desta  dissertação.

     Abstract: This paper proposes a reflection on the body between/bodies, especially in contemporary dance, in their path that starts from the choreographic construction, permeating the body of the choreographer, the dancer’s body and when fulfills themselves as artistic expression, the body of the spectator. Initially discusses the body in dance as a topological space of convergence, connectedness and continuity, from the thought of the Greek philosopher Epicurus of Samos, in mainly dialogue with the thought of Regina Miranda, Maurice Merleau-Ponty and José Gil. Reflects, in particular, the relationship choreographer/dancer using as guiding thread the experiences of the author in his artistic path, and finally, describes the process of creating the scenic experiment (h)áporos, which is configured as a practice of the scene of this dissertation.


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  • Resumo: Esta dissertação propõe uma reflexão a respeito do corpo entre/corpos, em especial na dança contemporânea, neste seu trajeto que tem inicio na construção coreográfica, perpassando o corpo do coreógrafo, o corpo do bailarino e, ao realizar-se como manifestação artística, o corpo do espectador. Inicialmente discute o corpo na dança como espaço topológico de convergência, conexidade e continuidade, a partir do pensamento do filósofo grego Epicuro de Samos, em diálogo, principalmente, com o pensamento de Regina Miranda, Maurice Merleau-Ponty e José Gil. Reflete, em especial, a relação coreógrafo/bailarino utilizando como fio condutor as experiências do autor em seu trajeto artístico e, por fim, relata o processo de criação do experimento cênico (h)áporos, que se configura como prática da cena desta  dissertação.

     Abstract: This paper proposes a reflection on the body between/bodies, especially in contemporary dance, in their path that starts from the choreographic construction, permeating the body of the choreographer, the dancer’s body and when fulfills themselves as artistic expression, the body of the spectator. Initially discusses the body in dance as a topological space of convergence, connectedness and continuity, from the thought of the Greek philosopher Epicurus of Samos, in mainly dialogue with the thought of Regina Miranda, Maurice Merleau-Ponty and José Gil. Reflects, in particular, the relationship choreographer/dancer using as guiding thread the experiences of the author in his artistic path, and finally, describes the process of creating the scenic experiment (h)áporos, which is configured as a practice of the scene of this dissertation.

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  • CHRYSTINE PEREIRA DA SILVA
  • Para Transvalorar a Dança Contemporânea: Potências de Dança No (Do) Corpo-Artista

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • LEDA MARIA MUHANA MARTINEZ IANNITELLI
  • Data: 27/03/2014

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  • Tanto no contexto acadêmico quanto no artístico e mercadológico, é crescente a discussão sobre o espaço de conceituação da dança contemporânea e suas fissuras, que deixam de abarcar esta ou aquela manifestação artística ou mesmo acaba por abarcar aquelas manifestações que não se encaixam em outros espaços de conceituação. No presente trabalho objetivamos a investigar, a Dança na Contemporaneidade, para além do que se entende por dança contemporânea, em sua capacidade de atravessar os espaços de conceituação já estabelecidos, para implicar em uma pluralidade de fazeres. Objetivamos também pensar a potência que a Dança imprime no corpo do artista criador, pensando também como este se comporta no espaço de “entre linguagens”. A dissertação que aqui se apresenta encontrou enquanto estratégia metodológica o recurso da metáfora, partindo das ideias de travessia, cartografia e cidades invisíveis para a construção do pensamento sobre o corpo do artista e suas relações com as diferentes linguagens artísticas, tomando por base uma retomada das experiências estéticas e artísticas de sua proponente. Dialogando experiências práticas e referenciais teóricos, inicialmente tratamos da dança contemporânea em seus problemas de classificação que apontam para a necessidade de um pensamento contemporâneo em dança, que pense as manifestações artísticas em seus pontos convergentes, e não nos divergentes que as situam sob diversas nomenclaturas. No capítulo seguinte discutimos a possibilidade de contaminação entre as linguagens artísticas a partir do próprio corpo-artista. Discorremos também sobre a dança enquanto agenciamento e resposta aos impulsos resultantes da relação com o espaço e outros corpos, pensando como o corpo do vivente se organiza nesta relação de compartilhamento de experiências. Mostrando uma potência do corpo artista criador que se dedica à transvaloração das fronteiras entre as linguagens para a organização do seu fazer. Por fim, apontamos para a diversidade na metodologia de processos de criação que variam de acordo com as possibilidades técnicas e necessidades estéticas de cada artista criador.

    Abstract: The discussion about the conceptualization of Contemporary Dance is a growing field in our time and its fissures in the academic, artistic and market context, fail to embrace this or that artistic expression or, even eventually, encompass those events that do not fit in other spaces conceptualization. In this study we aimed to investigate the Contemporary Dance, in addition to what is meant by Contemporary Dance, in its ability to cross the spaces of concepts already established, to imply a plurality of doings. We aim also to think the power that the Dance prints in the body of the artist creator, also thinking about how it behaves in the space “between-languages”. The dissertation presented has found as its methodological strategy the concept of metaphor, based in ideas like crossing, cartography and invisible cities to build the thought about the artist's body and its relations with the different artistic languages, based on a resumption of aesthetic and artistic experiences of this dissertation author. Putting in dialog practical and theoretical experiences, we initially treat Contemporary Dance in its classification problems that point to the need of contemporary thought in dance, which think artistic expressions in its points of convergence, and not of divergence, which place them under various nomenclatures. In the next chapter we discuss the possibility of contamination between artistic languages from the own body-artist. We also talk about dance as agency and impulse resulting from the relations between space and other bodies, thinking how the living body organizes himself in this relation of sharing of experiences. Pointing to a power of the creative artists’ body dedicated to the transvaluation of the boundaries between languages for the organization of his doing. Finally, we discuss the diversity of creation methodologies processes that vary according to the technical and aesthetic needs of the artist creator.

     


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  • Tanto no contexto acadêmico quanto no artístico e mercadológico, é crescente a discussão sobre o espaço de conceituação da dança contemporânea e suas fissuras, que deixam de abarcar esta ou aquela manifestação artística ou mesmo acaba por abarcar aquelas manifestações que não se encaixam em outros espaços de conceituação. No presente trabalho objetivamos a investigar, a Dança na Contemporaneidade, para além do que se entende por dança contemporânea, em sua capacidade de atravessar os espaços de conceituação já estabelecidos, para implicar em uma pluralidade de fazeres. Objetivamos também pensar a potência que a Dança imprime no corpo do artista criador, pensando também como este se comporta no espaço de “entre linguagens”. A dissertação que aqui se apresenta encontrou enquanto estratégia metodológica o recurso da metáfora, partindo das ideias de travessia, cartografia e cidades invisíveis para a construção do pensamento sobre o corpo do artista e suas relações com as diferentes linguagens artísticas, tomando por base uma retomada das experiências estéticas e artísticas de sua proponente. Dialogando experiências práticas e referenciais teóricos, inicialmente tratamos da dança contemporânea em seus problemas de classificação que apontam para a necessidade de um pensamento contemporâneo em dança, que pense as manifestações artísticas em seus pontos convergentes, e não nos divergentes que as situam sob diversas nomenclaturas. No capítulo seguinte discutimos a possibilidade de contaminação entre as linguagens artísticas a partir do próprio corpo-artista. Discorremos também sobre a dança enquanto agenciamento e resposta aos impulsos resultantes da relação com o espaço e outros corpos, pensando como o corpo do vivente se organiza nesta relação de compartilhamento de experiências. Mostrando uma potência do corpo artista criador que se dedica à transvaloração das fronteiras entre as linguagens para a organização do seu fazer. Por fim, apontamos para a diversidade na metodologia de processos de criação que variam de acordo com as possibilidades técnicas e necessidades estéticas de cada artista criador.

    Abstract: The discussion about the conceptualization of Contemporary Dance is a growing field in our time and its fissures in the academic, artistic and market context, fail to embrace this or that artistic expression or, even eventually, encompass those events that do not fit in other spaces conceptualization. In this study we aimed to investigate the Contemporary Dance, in addition to what is meant by Contemporary Dance, in its ability to cross the spaces of concepts already established, to imply a plurality of doings. We aim also to think the power that the Dance prints in the body of the artist creator, also thinking about how it behaves in the space “between-languages”. The dissertation presented has found as its methodological strategy the concept of metaphor, based in ideas like crossing, cartography and invisible cities to build the thought about the artist's body and its relations with the different artistic languages, based on a resumption of aesthetic and artistic experiences of this dissertation author. Putting in dialog practical and theoretical experiences, we initially treat Contemporary Dance in its classification problems that point to the need of contemporary thought in dance, which think artistic expressions in its points of convergence, and not of divergence, which place them under various nomenclatures. In the next chapter we discuss the possibility of contamination between artistic languages from the own body-artist. We also talk about dance as agency and impulse resulting from the relations between space and other bodies, thinking how the living body organizes himself in this relation of sharing of experiences. Pointing to a power of the creative artists’ body dedicated to the transvaluation of the boundaries between languages for the organization of his doing. Finally, we discuss the diversity of creation methodologies processes that vary according to the technical and aesthetic needs of the artist creator.

     

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  • EMANUELLA DE JESUS FERREIRA DA SILVA
  • Processos Criativos com Alunos-Atores Idosos: caminhos para uma dramaturgia de Pertencimento

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 22/04/2014

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  • RESUMO:

    Em trabalhos desenvolvidos com “alunos-atores” idosos, o texto ainda tem certa preponderância, parte-se do pressuposto histórico de que estes alunos carregam em si a arte teatral. Neste sentido, o presente trabalho pretende expor uma experiência artístico-pedagógica através de um laboratório desenvolvido com alunos-atores senescentes a partir de seus arquivos de memória. Diferentemente de outros trabalhos desenvolvidos com alunos da terceira idade, fazemos uso dos arquivos da memória, onde a dramaturgia se dá a partir das improvisações desenvolvidas das lembranças, ou seja, o texto é construído e não apenas rememorado pelos alunos. Nosso trabalho, todavia, se constrói por um olhar de fora. As memórias afetivas narradas pelos alunos servem de motor para construção do texto e do espetáculo intitulado Vamos falar de Amor. Nesta experiência a professora-encenadora se transforma também em dramaturgista e faz uso de sua imaginação, que de certa forma, também vem revestida de suas próprias memórias, a fim de preencher os vazios deixados pela narrativa, num processo híbrido onde a memória coletiva se mistura a memória individual, metamorfoseando o épico em dramático. Apresentamos o percurso desenvolvido para chegarmos até a construção do texto e partimos do texto para a segunda escritura, o espetáculo. Queremos mostrar que a velhice é composta por diversos matizes, e que esta fase do desenvolvimento humano traz aspectos que se diferenciam de idoso para idoso, e que a educação e o teatro podem representar uma retomada do papel social do idoso no ambiente contemporâneo. Assim sendo, a dramaturgia de memória cria a dramaturgia de pertencimento facilitando em muitos aspectos o Jogo Cênico com esses idosos.

    ABSTRACT: In work done with student-actors elderly, the text still has certain preponderance, is part of the historical assumption that these students carry with them of theatrical art. In this sense, the present work is to present an experience artistic and pedagogical means of a laboratory-developed with senescent students from their memory files. Unlike other works developed with students of the third age, we make use of the archives of memory, where the drama takes from improvisations developed memories, in other words, the text is built not just recollected by students. Our work, however, is built by a look from the outside. The affective memories narrated by students serve as an engine for text construction and spectacle titled Vamos Falar de Amor. In this experiment the teacher-director also becomes an dramaturgista, and uses her imagination, that  also comes filled with her own memories, in order to complete the gaps of the narrative, in a hybrid process in which the collective memory interlace the individual memory, transforming epic into dramatic. Here the route designed to get to the construction of the text and left the text for the second scripture, the spectacle. We want to show that old age is comprised of various hues, and that this phase of human development brings aspects that differ from old to old, and that education and theater can be a resumption of the social role of the elderly in contemporary surroundings. Therefore, the dramaturgy of memory creates the dramaturgy of belonging, facilitating in many aspects the Scenic Play with the elderly ones.


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  • RESUMO:

    Em trabalhos desenvolvidos com “alunos-atores” idosos, o texto ainda tem certa preponderância, parte-se do pressuposto histórico de que estes alunos carregam em si a arte teatral. Neste sentido, o presente trabalho pretende expor uma experiência artístico-pedagógica através de um laboratório desenvolvido com alunos-atores senescentes a partir de seus arquivos de memória. Diferentemente de outros trabalhos desenvolvidos com alunos da terceira idade, fazemos uso dos arquivos da memória, onde a dramaturgia se dá a partir das improvisações desenvolvidas das lembranças, ou seja, o texto é construído e não apenas rememorado pelos alunos. Nosso trabalho, todavia, se constrói por um olhar de fora. As memórias afetivas narradas pelos alunos servem de motor para construção do texto e do espetáculo intitulado Vamos falar de Amor. Nesta experiência a professora-encenadora se transforma também em dramaturgista e faz uso de sua imaginação, que de certa forma, também vem revestida de suas próprias memórias, a fim de preencher os vazios deixados pela narrativa, num processo híbrido onde a memória coletiva se mistura a memória individual, metamorfoseando o épico em dramático. Apresentamos o percurso desenvolvido para chegarmos até a construção do texto e partimos do texto para a segunda escritura, o espetáculo. Queremos mostrar que a velhice é composta por diversos matizes, e que esta fase do desenvolvimento humano traz aspectos que se diferenciam de idoso para idoso, e que a educação e o teatro podem representar uma retomada do papel social do idoso no ambiente contemporâneo. Assim sendo, a dramaturgia de memória cria a dramaturgia de pertencimento facilitando em muitos aspectos o Jogo Cênico com esses idosos.

    ABSTRACT: In work done with student-actors elderly, the text still has certain preponderance, is part of the historical assumption that these students carry with them of theatrical art. In this sense, the present work is to present an experience artistic and pedagogical means of a laboratory-developed with senescent students from their memory files. Unlike other works developed with students of the third age, we make use of the archives of memory, where the drama takes from improvisations developed memories, in other words, the text is built not just recollected by students. Our work, however, is built by a look from the outside. The affective memories narrated by students serve as an engine for text construction and spectacle titled Vamos Falar de Amor. In this experiment the teacher-director also becomes an dramaturgista, and uses her imagination, that  also comes filled with her own memories, in order to complete the gaps of the narrative, in a hybrid process in which the collective memory interlace the individual memory, transforming epic into dramatic. Here the route designed to get to the construction of the text and left the text for the second scripture, the spectacle. We want to show that old age is comprised of various hues, and that this phase of human development brings aspects that differ from old to old, and that education and theater can be a resumption of the social role of the elderly in contemporary surroundings. Therefore, the dramaturgy of memory creates the dramaturgy of belonging, facilitating in many aspects the Scenic Play with the elderly ones.

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  • EDILBERTO DA SILVA MENDES
  • Dramaturgia da Seca: escrita teórico-prática sobre as imagens do retirante na literatura e no drama como operações estético-políticas

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • DURVAL MUNIZ DE ALBUQUERQUE JUNIOR
  • CATARINA SANT''''ANNA
  • Data: 29/04/2014

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  • A pesquisa investiga a relação estética / política, processo dramatúrgico / imaginário, na reescrita do fato histórico da seca no Nordeste. Recupera a emergência, a partir do final do século XIX, de um mundo figurativo sobre o sofrimento da seca, centrado na figura do retirante, que agencia a sensibilidade em torno dessa questão social, com o intuito de apontar para uma consciência política das fronteiras entre o lugar da arte e sua dimensão social. Realiza um experimento de criação dramatúrgica que retoma a figura do retirante, reposicionando-a conforme a problematização acerca da fronteira arte e sociedade. 


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  • A pesquisa investiga a relação estética / política, processo dramatúrgico / imaginário, na reescrita do fato histórico da seca no Nordeste. Recupera a emergência, a partir do final do século XIX, de um mundo figurativo sobre o sofrimento da seca, centrado na figura do retirante, que agencia a sensibilidade em torno dessa questão social, com o intuito de apontar para uma consciência política das fronteiras entre o lugar da arte e sua dimensão social. Realiza um experimento de criação dramatúrgica que retoma a figura do retirante, reposicionando-a conforme a problematização acerca da fronteira arte e sociedade. 

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  • RAFAELLA LIRA AMORIM
  • Caldo do Caldo: memória do espetáculo paraibano de dança Caldo da Cana

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • Data: 22/05/2014

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  • Esta pesquisa visa investigar o espetáculo de dança Caldo da Cana que estreou em João Pessoa-PB, em setembro de 1984. Problematiza de modo teórico-prático o fazer história da dança, investigando essa possibilidade através da própria dança. Surge a partir da constatação de que a dança possui especificidades que não podem ser negligenciadas pelo relato histórico. Neste sentido iniciou-se o levantamento de um referencial teórico que dialoga com as questões apontadas e se desdobra por meio de uma pesquisa de campo, que incluiu coletar testemunhos de pessoas que participaram do espetáculo; uma pesquisa documental, reunindo vestígios materiais e finalmente é composta de uma parte prática com uma cena criada  ao transpor o conhecimento histórico elaborado para o corpo, através de um processo criativo, tendo como resultado, para este momento, a construção de um solo de dança.

    Abstract: This research aims to investigate the dance piece Caldo da Cana which premiered in João Pessoa-PB, in September 1984. It problematizes theoretical and practical way to make dance history, investigating this possibility through the dance itself. Arises from the fact that the dance has specific characteristics that can not be neglected by the historical account. In this sense, it was initiated by the raising of a theoretical framework that speaks to the indicated issues and unfolds through a field study, which includes collecting testimonies from people who participated in the show, documentary research, gathering material traces and finally consists a practical part with experimental research, by transposing elaborated historical knowledge into the body through a creative process, resulting in the construction of a solo dance.


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  • Esta pesquisa visa investigar o espetáculo de dança Caldo da Cana que estreou em João Pessoa-PB, em setembro de 1984. Problematiza de modo teórico-prático o fazer história da dança, investigando essa possibilidade através da própria dança. Surge a partir da constatação de que a dança possui especificidades que não podem ser negligenciadas pelo relato histórico. Neste sentido iniciou-se o levantamento de um referencial teórico que dialoga com as questões apontadas e se desdobra por meio de uma pesquisa de campo, que incluiu coletar testemunhos de pessoas que participaram do espetáculo; uma pesquisa documental, reunindo vestígios materiais e finalmente é composta de uma parte prática com uma cena criada  ao transpor o conhecimento histórico elaborado para o corpo, através de um processo criativo, tendo como resultado, para este momento, a construção de um solo de dança.

    Abstract: This research aims to investigate the dance piece Caldo da Cana which premiered in João Pessoa-PB, in September 1984. It problematizes theoretical and practical way to make dance history, investigating this possibility through the dance itself. Arises from the fact that the dance has specific characteristics that can not be neglected by the historical account. In this sense, it was initiated by the raising of a theoretical framework that speaks to the indicated issues and unfolds through a field study, which includes collecting testimonies from people who participated in the show, documentary research, gathering material traces and finally consists a practical part with experimental research, by transposing elaborated historical knowledge into the body through a creative process, resulting in the construction of a solo dance.

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  • MONIQUE DIAS DE OLIVEIRA
  • ENTRE ECOS E NARCISOS: estudo de caso sobre a prática teatral com adolescentes como atividade extracurricular numa escola de nível médio”

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VILMA CAMPOS DOS SANTOS LEITE
  • Data: 20/06/2014

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação tem como tema de estudo, o ensino de teatro e suas implicações na vida dos adolescentes no mundo contemporâneo. Analisa um projeto extracurricular intitulado “A arte dramática na construção da cidadania”, que foi desenvolvido na Escola Estadual Berilo Wanderley, Natal/RN, entre os anos de 1999 e 2005, com estudantes adolescentes do Ensino Médio. Trata-se de um Estudo de Caso cujo objetivo é compreender “como” e “por que”, eles/elas optaram pelo fazer teatral desvinculado da grade curricular e ao concluírem o ensino básico, alguns deles/delas continuaram desenvolvendo a prática artística naquela escola e passaram a participar ativamente do contexto cultural da cidade de Natal, tanto no aspecto da fruição como na atuação artística, política, social e pedagógica.

    Abstract:

    This masters thesis discusses the studying and the teaching of drama and its implications among teenagers of the contemporary world. This paper also analyses an extracurricular project entitled “Drama in the development of citizenship”, which was carried out in the public state school Berilo Wanderley in Natal/RN, between 1999 and 2005 with high school students. It comprises a case study that aimed at understanding “how” and “why” they chose to take drama classes outside of the school curriculum and even after they graduated, some of them never left the school project and even started participating in the cultural and artistic context of the city of Natal quite actively, both as part of an audience as well as on artistic, political, social and pedagogical performance.


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  • Esta dissertação tem como tema de estudo, o ensino de teatro e suas implicações na vida dos adolescentes no mundo contemporâneo. Analisa um projeto extracurricular intitulado “A arte dramática na construção da cidadania”, que foi desenvolvido na Escola Estadual Berilo Wanderley, Natal/RN, entre os anos de 1999 e 2005, com estudantes adolescentes do Ensino Médio. Trata-se de um Estudo de Caso cujo objetivo é compreender “como” e “por que”, eles/elas optaram pelo fazer teatral desvinculado da grade curricular e ao concluírem o ensino básico, alguns deles/delas continuaram desenvolvendo a prática artística naquela escola e passaram a participar ativamente do contexto cultural da cidade de Natal, tanto no aspecto da fruição como na atuação artística, política, social e pedagógica.

    Abstract:

    This masters thesis discusses the studying and the teaching of drama and its implications among teenagers of the contemporary world. This paper also analyses an extracurricular project entitled “Drama in the development of citizenship”, which was carried out in the public state school Berilo Wanderley in Natal/RN, between 1999 and 2005 with high school students. It comprises a case study that aimed at understanding “how” and “why” they chose to take drama classes outside of the school curriculum and even after they graduated, some of them never left the school project and even started participating in the cultural and artistic context of the city of Natal quite actively, both as part of an audience as well as on artistic, political, social and pedagogical performance.

2013
Dissertações
1
  • BIANCA BAZZO RODRIGUES
  • Crenças e quebranças de um corpo que dança: poéticas do benzimento na criação cênica.

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ELOISA LEITE DOMENICI
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 25/02/2013

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  • RESUMO: O presente trabalho tem como foco discutir o processo artístico de uma artista-pesquisadora que parte da pesquisa de campo realizada com benzedeiras e benzedores do estado do Rio Grande do Norte. O objetivo é investigar o universo cultural popular da benzeção como elemento propulsor de poéticas para o fazer artístico em dança. Para discutir as diferentes etapas da pesquisa e as relações que se estabelecem entre a artista-pesquisadora, as benzedeiras e benzedores e a criação/composição cênica, toma-se como referência a metáfora metodológica da relação triangular criada pelo antropólogo Claude Lévi-Strauss, em sua discussão sobre a eficácia dos símbolos, adaptada ao contexto da benzeção. Para o diálogo entre os saberes populares da cura, da tradição, os saberes científicos e artísticos aborda-se como referencial de análise a metáfora criativa do tipo rizoma proposta por Deleuze e Guatarri, entendendo-a como um modelo epistemológico que procura formar uma rede de relações, nos platôs de intensidade da pesquisa. No universo da benzeção, benzedeiras e benzedores carregam um poder simbólico que emitido em orações sussurradas, em gestos peculiares que formam cruzes no espaço, curam aqueles que procuram suas rezas para aliviar seus desconfortos físicos e emocionais. Da mistura do saber popular, do saber artístico e científico, e entre ramos, santos, velas e conversas, que nasce um trabalho cênico, do processo artístico no contexto das Artes Cênicas, mais especificamente da dança, que possibilitou outros olhares poéticos e estéticos para nossa cultura popular, (re)afirmando seus valores culturais e humanos através da arte.

    ABSTRACT: This work is a discussion of the artistic process of an artist-researcher made from field research with ‘benzedeiras’ and ‘benzedores’ the state of Rio Grande do Norte. This is an investigation on the cultural universe of the popular ‘benzeção’ as poetic element to the artistic dance. To discuss the different stages of the research and the relationships between the artist-researcher, the ‘benzedeiras/benzedores’ and the creation/composition scenic, the work takes as reference the metaphor of methodological triangular relationship created by anthropologist Claude Lévi-Strauss, in his discussion on the effectiveness of symbols, adapted to the context of ‘benzeção’.For dialogue between popular knowledge of healing, tradition, scientific knowledge and artistic this work  approaches as analytical reference the creative type rhizome metaphor proposed by Deleuze and Guattari, understanding it as an epistemological model that seeks to form a network of relations, in the plateaus of intensity the research. In the universe of ‘benzeção’, ‘benzedeiras’ and ‘benzedores’ carry a symbolic power that issued in whispered prayers, in peculiar gestures that form crosses in space, heal those who seek their prayers to relieve their physical and emotional discomforts. The mixture of popular knowledge, artistic and scientific knowledge, and between branches, saints, candles and conversations, born an artistic scenic of artistic process in the context of  Performing Arts, more specifically dance, with other looks for poetic and aesthetic our popular culture, (re)asserting their cultural and human values through the art.


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  • RESUMO: O presente trabalho tem como foco discutir o processo artístico de uma artista-pesquisadora que parte da pesquisa de campo realizada com benzedeiras e benzedores do estado do Rio Grande do Norte. O objetivo é investigar o universo cultural popular da benzeção como elemento propulsor de poéticas para o fazer artístico em dança. Para discutir as diferentes etapas da pesquisa e as relações que se estabelecem entre a artista-pesquisadora, as benzedeiras e benzedores e a criação/composição cênica, toma-se como referência a metáfora metodológica da relação triangular criada pelo antropólogo Claude Lévi-Strauss, em sua discussão sobre a eficácia dos símbolos, adaptada ao contexto da benzeção. Para o diálogo entre os saberes populares da cura, da tradição, os saberes científicos e artísticos aborda-se como referencial de análise a metáfora criativa do tipo rizoma proposta por Deleuze e Guatarri, entendendo-a como um modelo epistemológico que procura formar uma rede de relações, nos platôs de intensidade da pesquisa. No universo da benzeção, benzedeiras e benzedores carregam um poder simbólico que emitido em orações sussurradas, em gestos peculiares que formam cruzes no espaço, curam aqueles que procuram suas rezas para aliviar seus desconfortos físicos e emocionais. Da mistura do saber popular, do saber artístico e científico, e entre ramos, santos, velas e conversas, que nasce um trabalho cênico, do processo artístico no contexto das Artes Cênicas, mais especificamente da dança, que possibilitou outros olhares poéticos e estéticos para nossa cultura popular, (re)afirmando seus valores culturais e humanos através da arte.

    ABSTRACT: This work is a discussion of the artistic process of an artist-researcher made from field research with ‘benzedeiras’ and ‘benzedores’ the state of Rio Grande do Norte. This is an investigation on the cultural universe of the popular ‘benzeção’ as poetic element to the artistic dance. To discuss the different stages of the research and the relationships between the artist-researcher, the ‘benzedeiras/benzedores’ and the creation/composition scenic, the work takes as reference the metaphor of methodological triangular relationship created by anthropologist Claude Lévi-Strauss, in his discussion on the effectiveness of symbols, adapted to the context of ‘benzeção’.For dialogue between popular knowledge of healing, tradition, scientific knowledge and artistic this work  approaches as analytical reference the creative type rhizome metaphor proposed by Deleuze and Guattari, understanding it as an epistemological model that seeks to form a network of relations, in the plateaus of intensity the research. In the universe of ‘benzeção’, ‘benzedeiras’ and ‘benzedores’ carry a symbolic power that issued in whispered prayers, in peculiar gestures that form crosses in space, heal those who seek their prayers to relieve their physical and emotional discomforts. The mixture of popular knowledge, artistic and scientific knowledge, and between branches, saints, candles and conversations, born an artistic scenic of artistic process in the context of  Performing Arts, more specifically dance, with other looks for poetic and aesthetic our popular culture, (re)asserting their cultural and human values through the art.

2
  • FELIPE HENRIQUE MONTEIRO OLIVEIRA
  • CORPOS DIFERENCIADOS E O PROCESSO DE CRIAÇÃO DA PERFORMANCE “KAHLO EM MIM EU E(M) KAHLO”

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • ELIANA RODRIGUES SILVA
  • Data: 04/03/2013

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  • RESUMO: A dissertação tem como objetivo realizar uma averiguação sobre o fazer artístico na existência dos seres humanos com corpos diferenciados na sociedade, em diferentes momentos históricos. Neste sentido e com base neste panorama, o estudo elabora uma descrição sobre a produção de estigmas e a forma como eles se instauram, se propagam e interferem na sociabilidade entre os seres humanos considerados normais e os com corpos diferenciados. No que tange as artes cênicas, o texto faz uma descrição acerca da participação dos artistas com corpos diferenciados na cena, especificamente do freak show e no teatro pós-dramático. O texto também investiga aspectos da biografia e da obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, os quais fundamentam os procedimentos metodológicos e produzem aportes para o processo criativo da performance Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo, que consiste na investigação da prática da cena na dissertação.

    ABSTRACT: The dissertation intends to develop an investigation on the artistic existence in human beings with different bodies in society at different historical moments. In this regard and based on this scenario, the study develops a description of the stigmas production and how they are established, spread and interfere with the sociability among human beings regarded as normal and those with different bodies. Regarding the scenic arts, the text describes about the participation of artists with different bodies in the scene, specifically the freak show and postdramatic theater. The text also investigates aspects of the biography and the work of mexican artist Frida Kahlo, which underpin methodological proceedings and produce contribution to the creative process of performance Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo, which is to investigate the practice of the scene in this dissertation.


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  • RESUMO: A dissertação tem como objetivo realizar uma averiguação sobre o fazer artístico na existência dos seres humanos com corpos diferenciados na sociedade, em diferentes momentos históricos. Neste sentido e com base neste panorama, o estudo elabora uma descrição sobre a produção de estigmas e a forma como eles se instauram, se propagam e interferem na sociabilidade entre os seres humanos considerados normais e os com corpos diferenciados. No que tange as artes cênicas, o texto faz uma descrição acerca da participação dos artistas com corpos diferenciados na cena, especificamente do freak show e no teatro pós-dramático. O texto também investiga aspectos da biografia e da obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, os quais fundamentam os procedimentos metodológicos e produzem aportes para o processo criativo da performance Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo, que consiste na investigação da prática da cena na dissertação.

    ABSTRACT: The dissertation intends to develop an investigation on the artistic existence in human beings with different bodies in society at different historical moments. In this regard and based on this scenario, the study develops a description of the stigmas production and how they are established, spread and interfere with the sociability among human beings regarded as normal and those with different bodies. Regarding the scenic arts, the text describes about the participation of artists with different bodies in the scene, specifically the freak show and postdramatic theater. The text also investigates aspects of the biography and the work of mexican artist Frida Kahlo, which underpin methodological proceedings and produce contribution to the creative process of performance Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo, which is to investigate the practice of the scene in this dissertation.

3
  • GUSTAVO HENRIQUE LIMA FERREIRA
  • O Sangyo em Dolls: um encontro do Bunraku com Takeshi Kitano

  • Orientador : MARIA HELENA BRAGA E VAZ DA COSTA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENILSON LOPES DA SILVA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MARIA HELENA BRAGA E VAZ DA COSTA
  • Data: 06/03/2013

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  • Resumo: Este trabalho tem por finalidade investigar as relações existentes entre o Teatro Bunraku e o filme Dolls (2002) do diretor japonês Takeshi Kitano. Para isso, foi feito inicialmente um estudo teórico desse teatro, elencando seus principais elementos, permitindo então, uma análise direta do filme, buscando revelar suas conexões com o Bunraku. O sangyo faz referência à presença simultânea de três artes no teatro Bunraku: a narrativa, a música e a manipulação de bonecos. Em Dolls, o diretor Takeshi Kitano apresenta uma narrativa por meio de três histórias distintas, todas elas construídas com referências ao Bunraku. Assim como nesse teatro três artes distintas se harmonizam no palco, em Dolls três histórias independentes vão se apresentar em harmonia no filme. Ao confrontar os dados do teatro Bunraku com os dados do filme Dolls, o objetivo é estabelecer as conexões entre a linguagem cênica do Bunraku, a dramaturgia de Monzaemon Chikamatsu e o cinema de Takeshi Kitano. Estas conexões permitem compreender como características de uma arte secular, regida por fortes regras e convenções, podem ser reapresentadas através de outra linguagem, no caso a linguagem cinematográfica.

    Abstract: This work aims to investigate the relationship between the Bunraku theater and the film Dolls (2002), by the Japanese director Takeshi Kitano. To do so, initially a theoretical study of this theater was done, detailing its key elements, and thus allowing a direct analysis of the film. The main objective was to reveal its connections with the Bunraku. The Sangyo refers to the simultaneous presence of three arts in the Bunraku theater: the narrative, the music and the manipulation of puppets. In Dolls, the director Takeshi Kitano presents a narrative through three different stories, all built with references to the Bunraku. As in the theater the three distinct arts harmonize on stage, in Dolls three separate stories will perform in harmony within the film. By confronting the Bunraku Theater with the film Dolls, the intention is to establish the connections between the scenic language of the Bunraku, the dramaturgy of Chikamatsu and the cinema of Kitano. These connections allow to understand how characteristics of a secular art, governed by strong rules and conventions, can be presented again through another language: cinematic language.


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  • Resumo: Este trabalho tem por finalidade investigar as relações existentes entre o Teatro Bunraku e o filme Dolls (2002) do diretor japonês Takeshi Kitano. Para isso, foi feito inicialmente um estudo teórico desse teatro, elencando seus principais elementos, permitindo então, uma análise direta do filme, buscando revelar suas conexões com o Bunraku. O sangyo faz referência à presença simultânea de três artes no teatro Bunraku: a narrativa, a música e a manipulação de bonecos. Em Dolls, o diretor Takeshi Kitano apresenta uma narrativa por meio de três histórias distintas, todas elas construídas com referências ao Bunraku. Assim como nesse teatro três artes distintas se harmonizam no palco, em Dolls três histórias independentes vão se apresentar em harmonia no filme. Ao confrontar os dados do teatro Bunraku com os dados do filme Dolls, o objetivo é estabelecer as conexões entre a linguagem cênica do Bunraku, a dramaturgia de Monzaemon Chikamatsu e o cinema de Takeshi Kitano. Estas conexões permitem compreender como características de uma arte secular, regida por fortes regras e convenções, podem ser reapresentadas através de outra linguagem, no caso a linguagem cinematográfica.

    Abstract: This work aims to investigate the relationship between the Bunraku theater and the film Dolls (2002), by the Japanese director Takeshi Kitano. To do so, initially a theoretical study of this theater was done, detailing its key elements, and thus allowing a direct analysis of the film. The main objective was to reveal its connections with the Bunraku. The Sangyo refers to the simultaneous presence of three arts in the Bunraku theater: the narrative, the music and the manipulation of puppets. In Dolls, the director Takeshi Kitano presents a narrative through three different stories, all built with references to the Bunraku. As in the theater the three distinct arts harmonize on stage, in Dolls three separate stories will perform in harmony within the film. By confronting the Bunraku Theater with the film Dolls, the intention is to establish the connections between the scenic language of the Bunraku, the dramaturgy of Chikamatsu and the cinema of Kitano. These connections allow to understand how characteristics of a secular art, governed by strong rules and conventions, can be presented again through another language: cinematic language.

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  • CARLA PIRES MARTINS
  • Cravo do Canavial: Mímesis Corpórea e Maracatu Rural em Processo e a Construção de uma Dramaturgia Cênica


  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • RAQUEL SCOTTI HIRSON
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 25/03/2013

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  • RESUMO: Essa dissertação se deu a partir de uma investigação sobre a aplicação da Técnica da Mímesis Corpórea, sistematizada pelo Lume, Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp, associada à matriz do Maracatu Rural, especificamente do grupo Cambinda Brasileira (Nazaré da Mata – PE), a fim de fomentar o treinamento e o trabalho de composição do ator. A partir de uma metodologia empírica, que se utilizou da análise de experiências práticas – processo de aplicação da Mimese Corpórea e montagem de espetáculo teatral – associada à pesquisa bibliográfica, pude investigar caminhos de possível resignificação desta Técnica, utilizando elementos referentes ao ritual e ao jogo presentes na manifestação popular em questão e experimentar através da concepção do espetáculo Cravo do Canavial tais caminhos.

    ABSTRACT: The present dissertation has begun with an investigation about the application of the Technique of the Corporeal Mimesis, systematized by the Lume, Interdisciplinary Center for Theatrical Research of Unicamp, associated with the matrix of Rural Maracatu, specifically of the group Cambinda Brasileira (Nazaré da Mata – PE), with the purpose of promote the training and the composition work of the actor. Starting from an empirical methodology, which used the analysis of practical experiences – the application process of the Corporeal Mimesis and the construction of a theater play – associated with bibliographical research, I could investigate possible ways of re-signification of this technique, using components related to the ritual and the game present in the popular event in question, and experience such paths through the conception of the play Cravo do Canavial.


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  • RESUMO: Essa dissertação se deu a partir de uma investigação sobre a aplicação da Técnica da Mímesis Corpórea, sistematizada pelo Lume, Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp, associada à matriz do Maracatu Rural, especificamente do grupo Cambinda Brasileira (Nazaré da Mata – PE), a fim de fomentar o treinamento e o trabalho de composição do ator. A partir de uma metodologia empírica, que se utilizou da análise de experiências práticas – processo de aplicação da Mimese Corpórea e montagem de espetáculo teatral – associada à pesquisa bibliográfica, pude investigar caminhos de possível resignificação desta Técnica, utilizando elementos referentes ao ritual e ao jogo presentes na manifestação popular em questão e experimentar através da concepção do espetáculo Cravo do Canavial tais caminhos.

    ABSTRACT: The present dissertation has begun with an investigation about the application of the Technique of the Corporeal Mimesis, systematized by the Lume, Interdisciplinary Center for Theatrical Research of Unicamp, associated with the matrix of Rural Maracatu, specifically of the group Cambinda Brasileira (Nazaré da Mata – PE), with the purpose of promote the training and the composition work of the actor. Starting from an empirical methodology, which used the analysis of practical experiences – the application process of the Corporeal Mimesis and the construction of a theater play – associated with bibliographical research, I could investigate possible ways of re-signification of this technique, using components related to the ritual and the game present in the popular event in question, and experience such paths through the conception of the play Cravo do Canavial.

5
  • ELAINE LIVIA MOLLA DE VASCONCELLOS
  • O TEATRO DO OPRIMIDO E SUA CONTRIBUIÇÃO NA FORMAÇÃO DA CRIANÇA COM TRANSTORNO DO DÉFICIT DE ATENÇÃO COM HIPERATIVIDADE.

  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • NOELI TURLE DA SILVA
  • TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 10/04/2013

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  • RESUMO: Este trabalho tem por objetivo investigar as possíveis contribuições do Teatro do Oprimido e a utilização de suas técnicas, como recurso terapêutico na formação da criança com Transtorno do Déficit de Atenção com Hiperatividade. Em se tratando de pesquisa bibliográfica, faz-se na primeira parte dessa pesquisa um estudo teórico sobre: transtorno da Aprendizagem, transtorno da Atenção e Hiperatividade para conhecer os sintomas, as causas e os efeitos dessa síndrome. Na segunda parte analisa-se a relação Teatro-Terapia-Educação, para entender a importância dos jogos teatrais na sala de aula, identificando o espaço estético da criança; estuda-se o Teatro do Oprimido e suas possíveis contribuições para a formação da criança com TDAH; reflete-se sobre a ação da criança no palco teatral e no palco terapêutico. E na terceira parte apresentam-se algumas práticas registradas durante a pesquisa. Para discutir as diferentes abordagens do conhecimento, dialoga-se com autores como Paulo Freire, Augusto Boal, Spolin, Reverbel, Moreno entre outros. Através das ações do Teatro do Oprimido, constrói-se na escola X, um espaço do ‘possível’, surgem novas estratégias para o letramento, cria-se um espaço de inserção do teatro nas ações do PPP (Projeto Político e Pedagógico). Nota-se que o TO facilita a criança a sua inclusão no grupo e na sociedade, devolve a sua autonomia, criatividade, e espontaneidade, viabilizando a transformação de sua conduta, adquirindo o comportamento social desejado.

    ABSTRACT: This study aims to investigate the possible contributions of the Theatre of the Oppressed and the use of their techniques as a therapeutic resource in the education of children with Attention Deficit Disorder with Hyperactivity. When it comes to literature, it is the first part of this research a theoretical study: Learning Disorder, Attention and Hyperactivity disorder to know the symptoms, causes and effects of this syndrome. The second part analyzes the relation-Theatre Therapy Education, to understand the importance of theater games in the classroom, identifying the aesthetic space of the child; studies the Theatre of the Oppressed and their possible contributions to the education of children with ADHD; reflected on the effect of the child on stage and theatrical onstage therapeutic. And in the third part presents some practices recorded during the survey. To discuss different approaches to knowledge, dialogues with authors such as Paulo Freire, Augusto Boal, Spolin, Reverbel, Moreno among others. Through the actions of the Theatre of the Oppressed, builds up at school X, a space of 'possible', new strategies for literacy, it creates a space for insertion of the theater in the actions of the PPP (Project Political and Pedagogical). Note that the child TO facilitates their inclusion in the group and society returns to its autonomy, creativity, and spontaneity, enabling the transformation of his conduct, acquired the desired social behavior.


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  • RESUMO: Este trabalho tem por objetivo investigar as possíveis contribuições do Teatro do Oprimido e a utilização de suas técnicas, como recurso terapêutico na formação da criança com Transtorno do Déficit de Atenção com Hiperatividade. Em se tratando de pesquisa bibliográfica, faz-se na primeira parte dessa pesquisa um estudo teórico sobre: transtorno da Aprendizagem, transtorno da Atenção e Hiperatividade para conhecer os sintomas, as causas e os efeitos dessa síndrome. Na segunda parte analisa-se a relação Teatro-Terapia-Educação, para entender a importância dos jogos teatrais na sala de aula, identificando o espaço estético da criança; estuda-se o Teatro do Oprimido e suas possíveis contribuições para a formação da criança com TDAH; reflete-se sobre a ação da criança no palco teatral e no palco terapêutico. E na terceira parte apresentam-se algumas práticas registradas durante a pesquisa. Para discutir as diferentes abordagens do conhecimento, dialoga-se com autores como Paulo Freire, Augusto Boal, Spolin, Reverbel, Moreno entre outros. Através das ações do Teatro do Oprimido, constrói-se na escola X, um espaço do ‘possível’, surgem novas estratégias para o letramento, cria-se um espaço de inserção do teatro nas ações do PPP (Projeto Político e Pedagógico). Nota-se que o TO facilita a criança a sua inclusão no grupo e na sociedade, devolve a sua autonomia, criatividade, e espontaneidade, viabilizando a transformação de sua conduta, adquirindo o comportamento social desejado.

    ABSTRACT: This study aims to investigate the possible contributions of the Theatre of the Oppressed and the use of their techniques as a therapeutic resource in the education of children with Attention Deficit Disorder with Hyperactivity. When it comes to literature, it is the first part of this research a theoretical study: Learning Disorder, Attention and Hyperactivity disorder to know the symptoms, causes and effects of this syndrome. The second part analyzes the relation-Theatre Therapy Education, to understand the importance of theater games in the classroom, identifying the aesthetic space of the child; studies the Theatre of the Oppressed and their possible contributions to the education of children with ADHD; reflected on the effect of the child on stage and theatrical onstage therapeutic. And in the third part presents some practices recorded during the survey. To discuss different approaches to knowledge, dialogues with authors such as Paulo Freire, Augusto Boal, Spolin, Reverbel, Moreno among others. Through the actions of the Theatre of the Oppressed, builds up at school X, a space of 'possible', new strategies for literacy, it creates a space for insertion of the theater in the actions of the PPP (Project Political and Pedagogical). Note that the child TO facilitates their inclusion in the group and society returns to its autonomy, creativity, and spontaneity, enabling the transformation of his conduct, acquired the desired social behavior.

6
  • LUCIANA INDAIA PERDONSINI DE OLIVEIRA
  • A Ideologia da Encenação: Uma análise dos aspectos cênico/ideológicos da encenação produzida pela indústria cultural.


  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDUARDO OKAMOTO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 11/04/2013

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  • RESUMO: A pesquisa que deu origem a essa dissertação adotou um conjunto de aspectos cênico/ideológicos, inerentes à encenação produzida pela indústria cultural, como objeto de investigação. A produção intelectual de Theodor W. Adorno e Max Horkheimer norteou as abordagens sobre o objeto, providenciando o conjunto de características cênico/ideológicas a ser explorado, pois, de acordo com os autores, encenações produzidas pela indústria cultural estão atreladas à ideologia dominante, visto que agem em favor da manutenção do status quo. O primeiro objetivo proposto consistiu na definição desse conjunto de características inerentes à encenação produzida pela indústria cultural, através da exploração de bibliografia produzida por Adorno e Horkheimer, de modo que foi possível definir um conjunto formado por nove elementos: Construção de personagens como tipos característicos; Estereótipos; Naturalização de linguagem estereotipada; Dramaturgia simplória; Reutilização de fórmulas dramáticas; Amor e Sexualidade como temas dos enredos; Utilização do elemento trágico; Representação objetiva; Aproximação de ficção e realidade. O segundo objetivo consistiu na análise de encenações produzidas pela indústria cultural atualmente, a fim de que fosse possível verificar se algum dos aspectos cênico/ideológicos, indicados por Adorno e Horkheimer em meados do Século XX, fazia-se presente em meio a encenações produzidas no início do Século XXI. Através da análise de três telenovelas, produzidas no Brasil no ano de 2012, foi possível verificar que os nove aspectos cênico/ideológicos buscados, indicadas por Adorno e Horkheimer, apareceram nas encenações observadas. Além disso, uma nova característica cênico/ideológica, não indicada por Adorno e Horkheimer, se faz presente: o merchandising

    ABSTRACT: The research that led to this dissertation adopted a set of scenic/ideological aspects inherent to the productions of the Culture Industry as its object of research. The intellectual output of Theodor W. Adorno and Max Horkheimer underscored the approaches on this subject, since it provides the same set of scenic/ideological features to be explored because, according to the authors, scenes produced by the culture industry are linked to the dominant ideology, since they act in favor of maintaining the status quo. The first objective was the definition this set of features inherent to the scene produced by the culture industry, through the exploration of literature produced by Adorno and Horkheimer, so it was possible to define a set composed of nine elements: Construction of characters as characteristic types; Stereotypes; Naturalization of Stereotyped language; Simplistic playwriting; Reuse dramatic formula; Love and sexuality as themes of plots; Utilization of tragic element; Objetive representation; Approximation of fiction and reality. The second goal was the analysis of scene produced by the culture industry nowadays, so that it was possible to verify if any scenic/ideological aspects indicated by Adorno and Horkheimer in the mid-twentieth century were present among the productions from this beginning of the twenty-first century. Through the analysis of three soap operas produced in Brazil in 2012, it was found that the nine scenic/ideological aspects as indicated by Adorno and Horkheimer appeared in the observed productions. Additionally, a new scenic/ideological feature, not indicated by Adorno and Horkheimer is present: the merchandising.


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  • RESUMO: A pesquisa que deu origem a essa dissertação adotou um conjunto de aspectos cênico/ideológicos, inerentes à encenação produzida pela indústria cultural, como objeto de investigação. A produção intelectual de Theodor W. Adorno e Max Horkheimer norteou as abordagens sobre o objeto, providenciando o conjunto de características cênico/ideológicas a ser explorado, pois, de acordo com os autores, encenações produzidas pela indústria cultural estão atreladas à ideologia dominante, visto que agem em favor da manutenção do status quo. O primeiro objetivo proposto consistiu na definição desse conjunto de características inerentes à encenação produzida pela indústria cultural, através da exploração de bibliografia produzida por Adorno e Horkheimer, de modo que foi possível definir um conjunto formado por nove elementos: Construção de personagens como tipos característicos; Estereótipos; Naturalização de linguagem estereotipada; Dramaturgia simplória; Reutilização de fórmulas dramáticas; Amor e Sexualidade como temas dos enredos; Utilização do elemento trágico; Representação objetiva; Aproximação de ficção e realidade. O segundo objetivo consistiu na análise de encenações produzidas pela indústria cultural atualmente, a fim de que fosse possível verificar se algum dos aspectos cênico/ideológicos, indicados por Adorno e Horkheimer em meados do Século XX, fazia-se presente em meio a encenações produzidas no início do Século XXI. Através da análise de três telenovelas, produzidas no Brasil no ano de 2012, foi possível verificar que os nove aspectos cênico/ideológicos buscados, indicadas por Adorno e Horkheimer, apareceram nas encenações observadas. Além disso, uma nova característica cênico/ideológica, não indicada por Adorno e Horkheimer, se faz presente: o merchandising

    ABSTRACT: The research that led to this dissertation adopted a set of scenic/ideological aspects inherent to the productions of the Culture Industry as its object of research. The intellectual output of Theodor W. Adorno and Max Horkheimer underscored the approaches on this subject, since it provides the same set of scenic/ideological features to be explored because, according to the authors, scenes produced by the culture industry are linked to the dominant ideology, since they act in favor of maintaining the status quo. The first objective was the definition this set of features inherent to the scene produced by the culture industry, through the exploration of literature produced by Adorno and Horkheimer, so it was possible to define a set composed of nine elements: Construction of characters as characteristic types; Stereotypes; Naturalization of Stereotyped language; Simplistic playwriting; Reuse dramatic formula; Love and sexuality as themes of plots; Utilization of tragic element; Objetive representation; Approximation of fiction and reality. The second goal was the analysis of scene produced by the culture industry nowadays, so that it was possible to verify if any scenic/ideological aspects indicated by Adorno and Horkheimer in the mid-twentieth century were present among the productions from this beginning of the twenty-first century. Through the analysis of three soap operas produced in Brazil in 2012, it was found that the nine scenic/ideological aspects as indicated by Adorno and Horkheimer appeared in the observed productions. Additionally, a new scenic/ideological feature, not indicated by Adorno and Horkheimer is present: the merchandising.

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  • MARINA MADEIRA DE TOLEDO
  • Dramaturgia do Aqui e Agora: Presença, Recepção e Sentido no Corpo do Ator.

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANA FERNANDES
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MARIA DE LURDES BARROS DA PAIXAO
  • Data: 12/04/2013

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  • RESUMO: O ator não é ator somente no momento da cena, é ator em todas as etapas de criação e desenvolvimento de seu objeto estético. Nesse sentido, em seu cotidiano o ator pode procurar utilizar suas potencialidades para captar e traduzir da realidade o material para seu trabalho criativo. Esta pesquisa possui caráter teórico e aborda o conceito de presença no trabalho do ator, colocando-o como conceito para além da cena, não isolado de outros componentes – entre eles o corpo, a palavra, o silêncio, a técnica, a representação – como uma postura do ator para com sua realidade, a fim de integrar-se ao meio ambiente que o cerca, equilibrando seu conteúdo interior com o conteúdo exterior. Para tanto, utiliza como aporte teórico encenadores que abordam o conceito de presença no trabalho do ator (BROOK; BARBA; GROTOWSKI; MNOUCHKINE) e os estudos da teoria da recepção (ISER, 1996; GUMBRECHT, 2010), traçando um paralelo dialógico entre as funções de leitor e ator, apontando ambos como receptores. Como exemplo prático do estudo sobre a presença, é feita aqui uma descrição do espetáculo de teatro de rua Kamchàtka, realizado pela Companhia Kamchàtka, localizando nesse espetáculo os elementos: jogo, escuta, palavra, silêncio, sentido, relação com o aqui e agora e efeitos de presença; citados ao longo da dissertação.

    ABSTRACT: The actor is an actor during all the phases of creation and development of his character. (S) He goes beyond the moment of interpreting. In this sense, in her (his) daily life, the actor may use her (his) potential to extract from reality the necessary elements for the work of creation. This is a theoretical research which focus on the concept of “presence” in the actor’s work, stretching the concept beyond the scene, encompassing different components such as the body, the word, the silence, the technique and the acting as the actor’s “stance” in regards to his own reality. The objective of such “stance” is to integrate him (her) self in the environment, balancing his (hers) inner life with the outside  life flow. To reach this objective, the research drew theoretical resources from the concept of “presence” in the actor’s work according to BROOK, BARBA, GROTOWSKI and MNOUCHKINE and the studies on reception theory in ISER, 1996; GUMBRECHT, 2010. Thus, the dialogue between “reader” and actor high lights both as receivers in this work. A practical description of a street theater Kamchàtka show, featured by the Kamchàtka Company is used as an example of the research on the presence. The elements localized in this show are: play, listening, word, silence, meaning, relationship with here and now and the effects of the said ‘presence’.


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  • RESUMO: O ator não é ator somente no momento da cena, é ator em todas as etapas de criação e desenvolvimento de seu objeto estético. Nesse sentido, em seu cotidiano o ator pode procurar utilizar suas potencialidades para captar e traduzir da realidade o material para seu trabalho criativo. Esta pesquisa possui caráter teórico e aborda o conceito de presença no trabalho do ator, colocando-o como conceito para além da cena, não isolado de outros componentes – entre eles o corpo, a palavra, o silêncio, a técnica, a representação – como uma postura do ator para com sua realidade, a fim de integrar-se ao meio ambiente que o cerca, equilibrando seu conteúdo interior com o conteúdo exterior. Para tanto, utiliza como aporte teórico encenadores que abordam o conceito de presença no trabalho do ator (BROOK; BARBA; GROTOWSKI; MNOUCHKINE) e os estudos da teoria da recepção (ISER, 1996; GUMBRECHT, 2010), traçando um paralelo dialógico entre as funções de leitor e ator, apontando ambos como receptores. Como exemplo prático do estudo sobre a presença, é feita aqui uma descrição do espetáculo de teatro de rua Kamchàtka, realizado pela Companhia Kamchàtka, localizando nesse espetáculo os elementos: jogo, escuta, palavra, silêncio, sentido, relação com o aqui e agora e efeitos de presença; citados ao longo da dissertação.

    ABSTRACT: The actor is an actor during all the phases of creation and development of his character. (S) He goes beyond the moment of interpreting. In this sense, in her (his) daily life, the actor may use her (his) potential to extract from reality the necessary elements for the work of creation. This is a theoretical research which focus on the concept of “presence” in the actor’s work, stretching the concept beyond the scene, encompassing different components such as the body, the word, the silence, the technique and the acting as the actor’s “stance” in regards to his own reality. The objective of such “stance” is to integrate him (her) self in the environment, balancing his (hers) inner life with the outside  life flow. To reach this objective, the research drew theoretical resources from the concept of “presence” in the actor’s work according to BROOK, BARBA, GROTOWSKI and MNOUCHKINE and the studies on reception theory in ISER, 1996; GUMBRECHT, 2010. Thus, the dialogue between “reader” and actor high lights both as receivers in this work. A practical description of a street theater Kamchàtka show, featured by the Kamchàtka Company is used as an example of the research on the presence. The elements localized in this show are: play, listening, word, silence, meaning, relationship with here and now and the effects of the said ‘presence’.

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  • CIBELE RIBEIRO DA SILVA
  • Corpo-devir: improvisação em dança na preparação do artista cênico

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 30/04/2013

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  • RESUMO: A presente dissertação tem objetivo como investigar a improvisação - tal como é realizada no contexto da Dança Contemporânea - como possibilidade de preparação corporal do artista cênico. Propõe realizar uma reflexão sobre o processo da preparação corporal proposto por mim através da observação dos procedimentos experimentados no Grupo de Pesquisa Corpo-devir, especialmente criado nessa pesquisa, que estudou e vivenciou a improvisação em dança e, ainda, apresentar relatos e reflexões dos participantes sobre sua experiência, com ênfase especial na possível contribuição para a formação dos artistas da cena. Justifica-se, assim, no ensejo de que o artista cênico usufrua dos conhecimentos trazidos pela prática da dança e se perceba sujeito criador da própria formação artística, e, ainda, que essa prática possa contribuir com perspectivas artístico-pedagógicas do corpo cênico, da cena e dos processos criativos nas artes cênicas. O trabalho tem abordagem qualitativa com tratamento descritivo das observações e está baseado em pesquisa bibliográfica, videográfica e somática dos procedimentos de improvisação em dança contemporânea. Os principais interlocutores teóricos dessa dissertação são Gilles Deleuze, Félix Guattari, Maurice Merleau-Ponty, Jorge Larossa, João Francisco Duarte Jr., Rudolf Laban e Klauss Vianna, sendo que os dois últimos e o coletivo Judson Dance Theater contribuem ainda, com as concepções metodológicas utilizadas nas oficinas.

    ABSTRACT: This master thesis aims to investigate the improvisation – as it is realized as the context of Contemporary Dance - as a possibility of body preparation of the scenic artist. It proposes to realize a reflection on the process of body preparation, proposed by me through the experiment procedures the observation with Grupo de Pesquisa Corpo-devir, specially formed in this research. This group studied and lived the improvisation in dance and also presented reports and reflections of the participants about their experience, giving special emphasis in the possible contribution for the formation of artists of the scene. In this way it is justified that the scenic artist enjoys the knowledge through the practice of the dance and realizes as being the creator of this own artistic formation. Also, the artist realizes that this practice may contribute with the artistic-pedagogic perspectives of the scenic group, of the scene and the creative processes in the scenic arts. The work has a qualitative approach, with descriptive treatment of observations, and it is based in bibliographical, video graphic and somatic of the improvisation procedures in contemporary dance. The main theoretical-practical interlocutors of this dissertation are Gilles Deleuze, Félix Guattari, Maurice Merleau-Ponty, Jorge Larrosa, João Francisco Duarte Jr., Rudolf Laban and Klauss Vianna, being the last two and the collective Judson Dance Theater, still contribute with methodological concepts used in the workshops.


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  • RESUMO: A presente dissertação tem objetivo como investigar a improvisação - tal como é realizada no contexto da Dança Contemporânea - como possibilidade de preparação corporal do artista cênico. Propõe realizar uma reflexão sobre o processo da preparação corporal proposto por mim através da observação dos procedimentos experimentados no Grupo de Pesquisa Corpo-devir, especialmente criado nessa pesquisa, que estudou e vivenciou a improvisação em dança e, ainda, apresentar relatos e reflexões dos participantes sobre sua experiência, com ênfase especial na possível contribuição para a formação dos artistas da cena. Justifica-se, assim, no ensejo de que o artista cênico usufrua dos conhecimentos trazidos pela prática da dança e se perceba sujeito criador da própria formação artística, e, ainda, que essa prática possa contribuir com perspectivas artístico-pedagógicas do corpo cênico, da cena e dos processos criativos nas artes cênicas. O trabalho tem abordagem qualitativa com tratamento descritivo das observações e está baseado em pesquisa bibliográfica, videográfica e somática dos procedimentos de improvisação em dança contemporânea. Os principais interlocutores teóricos dessa dissertação são Gilles Deleuze, Félix Guattari, Maurice Merleau-Ponty, Jorge Larossa, João Francisco Duarte Jr., Rudolf Laban e Klauss Vianna, sendo que os dois últimos e o coletivo Judson Dance Theater contribuem ainda, com as concepções metodológicas utilizadas nas oficinas.

    ABSTRACT: This master thesis aims to investigate the improvisation – as it is realized as the context of Contemporary Dance - as a possibility of body preparation of the scenic artist. It proposes to realize a reflection on the process of body preparation, proposed by me through the experiment procedures the observation with Grupo de Pesquisa Corpo-devir, specially formed in this research. This group studied and lived the improvisation in dance and also presented reports and reflections of the participants about their experience, giving special emphasis in the possible contribution for the formation of artists of the scene. In this way it is justified that the scenic artist enjoys the knowledge through the practice of the dance and realizes as being the creator of this own artistic formation. Also, the artist realizes that this practice may contribute with the artistic-pedagogic perspectives of the scenic group, of the scene and the creative processes in the scenic arts. The work has a qualitative approach, with descriptive treatment of observations, and it is based in bibliographical, video graphic and somatic of the improvisation procedures in contemporary dance. The main theoretical-practical interlocutors of this dissertation are Gilles Deleuze, Félix Guattari, Maurice Merleau-Ponty, Jorge Larrosa, João Francisco Duarte Jr., Rudolf Laban and Klauss Vianna, being the last two and the collective Judson Dance Theater, still contribute with methodological concepts used in the workshops.

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  • CAMILA MARIA GRAZIELLE FREITAS
  • Leitora-Criadora: A Experiência Situada na Construção Dramatúrgica

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • ANTÔNIA PEREIRA BEZERRA
  • Data: 30/04/2013

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  • Este trabalho tem por objetivo investigar o termo “leitora-criadora”, considerando os aspectos textuais presentes nas peças “A Morte nos Olhos”, “A Memória Ferida” e “Na Outra Margem” (2010) da autora Antonia Pereira Bezerra. Nesse sentido, propomos uma análise das obras baseada nas vivências da autora enquanto matéria criativa para a narrativa autoficcional, destacando as relações entre os elementos autobiográficos (LEJEUNE, 2008; DOSSE, 2009) e ficcionais para a construção das narrativas dramáticas.A análise teórica perpassa pelos estudos da Estética da Recepção (ISER, 1996), da memória (RICOEUR, 2007) e da narrativa (RICOEUR, 2010), pondo em evidência a relação da autora e a sua busca pelas lembranças e pelas experiências, material necessário para a elaboração da sua escrita.  Pretendemos, então, pensar um “leitora-criadora” de si mesma que ao mesmo tempo em que busca nas lembranças os aspectos biográficos necessários para sua narrativa, transforma essa realidade através da inserção de elementos ficcionais pela imaginação (SARTRE, 2008).


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  • Este trabalho tem por objetivo investigar o termo “leitora-criadora”, considerando os aspectos textuais presentes nas peças “A Morte nos Olhos”, “A Memória Ferida” e “Na Outra Margem” (2010) da autora Antonia Pereira Bezerra. Nesse sentido, propomos uma análise das obras baseada nas vivências da autora enquanto matéria criativa para a narrativa autoficcional, destacando as relações entre os elementos autobiográficos (LEJEUNE, 2008; DOSSE, 2009) e ficcionais para a construção das narrativas dramáticas.A análise teórica perpassa pelos estudos da Estética da Recepção (ISER, 1996), da memória (RICOEUR, 2007) e da narrativa (RICOEUR, 2010), pondo em evidência a relação da autora e a sua busca pelas lembranças e pelas experiências, material necessário para a elaboração da sua escrita.  Pretendemos, então, pensar um “leitora-criadora” de si mesma que ao mesmo tempo em que busca nas lembranças os aspectos biográficos necessários para sua narrativa, transforma essa realidade através da inserção de elementos ficcionais pela imaginação (SARTRE, 2008).

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  • LARISSA HOBI MARTINS
  • Interface Cena e Tecnologia: composições cênicas mediadas.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • GABRIELA LÍRIO GURGEL MONTEIRO
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • Data: 22/08/2013

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  • Partindo do pressuposto de que as artes no ocidente sempre dispuseram de recursos, suportes e dispositivos pertencentes ao seu contexto de época, pretende-se uma reflexão acerca de composições cênicas mediadas por tecnologias digitais. Tecnologias essas, que estão inseridas no cotidiano, passando também a compor experimentos artísticos, assumindo dessa forma um papel dialógico por meio da intersecção arte/tecnologia. Propõe-se assim investigar quais as relações que se estabelecem na cena teatral contemporânea a partir do contágio pelas tecnologias digitais, procurando traçar esse paralelo através do diálogo com autores que tratam do assunto, como também, valendo-se de práticas de grupos que tem no uso de recursos tecnológicos fator determinante em suas encenações. Além disso, se realiza uma reflexão sobre a cena que incorpora ou se perfaz em eventos intermidiáticos, analisando de que forma as tecnologias digitais (re)configuram os processos composicionais das encenações do GAG Phila7, da cidade de São Paulo/SP. Para tanto, a dissertação encontra-se organizada em três capítulos que contemplam quatro momentos, a saber: breve panorama do campo, contextualização, análise e síntese poética. Utiliza-se como proposta metodológica os métodos qualitativos: entrevista semi-estruturada, tomada de notas e documentos (programa, site, caderno de encenação, material de divulgação para texto publicitário, fotografias e vídeo de registro). Dentro do universo da pesquisa qualitativa, trabalha-se com a perspectiva epistemológica da hermenêutica filosófica gadameriana. As possibilidades abertas pelo duplo virtual (internet/web) gerou um tipo de teatro com outra base material e novas formas de organização e estruturação, sendo possível perceber que tais avanços tecnológicos e as artes se contaminam mutuamente, gerando um deslocamento na lógica da composição teatral, movimento iniciado com as vanguardas artísticas, que vem se intensificando gradativamente, abrindo possibilidades de construções e hibridizações das mais diversas possíveis. É nessa perspectiva que se encontra inserido o experimento Profanações _superfícies de eventos de construção coletiva, idealizado pelo Phila7. Alvo das discussões da referida pesquisa, o experimento trabalha com poéticas possíveis surgidas da intersecção com as tecnologias digitais, buscando apontar e problematizar os desafios advindos da evolução e expansão tecnológica em um contexto cênico.


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  • Partindo do pressuposto de que as artes no ocidente sempre dispuseram de recursos, suportes e dispositivos pertencentes ao seu contexto de época, pretende-se uma reflexão acerca de composições cênicas mediadas por tecnologias digitais. Tecnologias essas, que estão inseridas no cotidiano, passando também a compor experimentos artísticos, assumindo dessa forma um papel dialógico por meio da intersecção arte/tecnologia. Propõe-se assim investigar quais as relações que se estabelecem na cena teatral contemporânea a partir do contágio pelas tecnologias digitais, procurando traçar esse paralelo através do diálogo com autores que tratam do assunto, como também, valendo-se de práticas de grupos que tem no uso de recursos tecnológicos fator determinante em suas encenações. Além disso, se realiza uma reflexão sobre a cena que incorpora ou se perfaz em eventos intermidiáticos, analisando de que forma as tecnologias digitais (re)configuram os processos composicionais das encenações do GAG Phila7, da cidade de São Paulo/SP. Para tanto, a dissertação encontra-se organizada em três capítulos que contemplam quatro momentos, a saber: breve panorama do campo, contextualização, análise e síntese poética. Utiliza-se como proposta metodológica os métodos qualitativos: entrevista semi-estruturada, tomada de notas e documentos (programa, site, caderno de encenação, material de divulgação para texto publicitário, fotografias e vídeo de registro). Dentro do universo da pesquisa qualitativa, trabalha-se com a perspectiva epistemológica da hermenêutica filosófica gadameriana. As possibilidades abertas pelo duplo virtual (internet/web) gerou um tipo de teatro com outra base material e novas formas de organização e estruturação, sendo possível perceber que tais avanços tecnológicos e as artes se contaminam mutuamente, gerando um deslocamento na lógica da composição teatral, movimento iniciado com as vanguardas artísticas, que vem se intensificando gradativamente, abrindo possibilidades de construções e hibridizações das mais diversas possíveis. É nessa perspectiva que se encontra inserido o experimento Profanações _superfícies de eventos de construção coletiva, idealizado pelo Phila7. Alvo das discussões da referida pesquisa, o experimento trabalha com poéticas possíveis surgidas da intersecção com as tecnologias digitais, buscando apontar e problematizar os desafios advindos da evolução e expansão tecnológica em um contexto cênico.

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  • GISELE CARVALHO DA SILVA
  • A sala de aula em cena: uma pesquisa em ensino do teatro a partir da experiência docente.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ARÃO NOGUEIRA PARANAGUÁ DE SANTANA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/08/2013

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  • RESUMO: No primeiro momento, apresentaremos ao leitor uma reflexão sobre a história do teatro e posteriormente uma contextualização sobre as movimentações didáticas voltadas para a área das artes cênicas. Através do dialogo constante com autores das áreas que envolvem educação, teatro, corporeidade e música, foi possível analisar, desenvolver e criticar um trabalho sob minha responsabilidade que envolvia quatorze turma. No segundo momento decorrerá uma autocrítica sobre a qualidade das aulas de teatro, consequentemente; os conteúdos e as metodologias. A técnica estará ao lado da emoção e juntas desenvolverão habilidades a fim de traçar caminhos para o teatro desenvolvido na sala de aula de uma escola da rede particular da cidade de Natal-RN. No terceiro momento uma turma é escolhida para análise da pesquisa e muitos experimentos acontecem após essa decisão, iniciados e sensibilizados através da música, com um olhar significante para a corporeidade e priorizando o teatro como conteúdo prioritário do nono ano – ensino fundamental II – Na conclusão, percebe-se que o aprendizado é mútuo entre o aluno e o professor, que o teatro pode fazer parte do cotidiano das pessoas, assim como as artes em geral, e quando todas elas forem regularizadas dentro do sistema nacional de ensino para as escolas públicas e particulares, teremos seres humanos mais sensíveis e mais capacitados intelectualmente também.

    ABSTRACT: At the first moment, we will introduce the reader to reflect about the history of theater and after a contextualization on didactic movements directed to the area of scenic arts. Through constant dialogue with authors of areas involving education, theater, music and corporeality, it was possible to analyze, develop and criticize a work under my responsibility involving fourteen classes. In the second moment will exist a self-criticism about the quality of theater classes, consequently, the contents and methodologies. The technique will be beside the emotion and together will develop skills to drawing ways for theater developed in the classroom of a private school in Natal-RN. In the third moment a class is chosen for analysis of research and many experiments will happen after this decision, initiated and sensitized through music, with a significant view to corporeality and prioritizing the theater with a priority content of the ninth year - basic education II - In the conclusion, it realizes that learning is mutual between the student and the teacher, that theater can be a part of everyday life, even as the arts in general, and when all of them are settled within the national education system for schools public and private, we will have humans more sensitive and more capable intellectually too.


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  • RESUMO: No primeiro momento, apresentaremos ao leitor uma reflexão sobre a história do teatro e posteriormente uma contextualização sobre as movimentações didáticas voltadas para a área das artes cênicas. Através do dialogo constante com autores das áreas que envolvem educação, teatro, corporeidade e música, foi possível analisar, desenvolver e criticar um trabalho sob minha responsabilidade que envolvia quatorze turma. No segundo momento decorrerá uma autocrítica sobre a qualidade das aulas de teatro, consequentemente; os conteúdos e as metodologias. A técnica estará ao lado da emoção e juntas desenvolverão habilidades a fim de traçar caminhos para o teatro desenvolvido na sala de aula de uma escola da rede particular da cidade de Natal-RN. No terceiro momento uma turma é escolhida para análise da pesquisa e muitos experimentos acontecem após essa decisão, iniciados e sensibilizados através da música, com um olhar significante para a corporeidade e priorizando o teatro como conteúdo prioritário do nono ano – ensino fundamental II – Na conclusão, percebe-se que o aprendizado é mútuo entre o aluno e o professor, que o teatro pode fazer parte do cotidiano das pessoas, assim como as artes em geral, e quando todas elas forem regularizadas dentro do sistema nacional de ensino para as escolas públicas e particulares, teremos seres humanos mais sensíveis e mais capacitados intelectualmente também.

    ABSTRACT: At the first moment, we will introduce the reader to reflect about the history of theater and after a contextualization on didactic movements directed to the area of scenic arts. Through constant dialogue with authors of areas involving education, theater, music and corporeality, it was possible to analyze, develop and criticize a work under my responsibility involving fourteen classes. In the second moment will exist a self-criticism about the quality of theater classes, consequently, the contents and methodologies. The technique will be beside the emotion and together will develop skills to drawing ways for theater developed in the classroom of a private school in Natal-RN. In the third moment a class is chosen for analysis of research and many experiments will happen after this decision, initiated and sensitized through music, with a significant view to corporeality and prioritizing the theater with a priority content of the ninth year - basic education II - In the conclusion, it realizes that learning is mutual between the student and the teacher, that theater can be a part of everyday life, even as the arts in general, and when all of them are settled within the national education system for schools public and private, we will have humans more sensitive and more capable intellectually too.

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  • RAQUEL FRANCO ALMEIDA
  • A RUA É O PICADEIRO E O CÉU É A LONA: A criação de uma palhaça brincante

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 02/09/2013

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  • RESUMO: Esta dissertação tem com objetivo investigar o meu processo de criação da palhaça Keke Kerubina, explicitando como a experiência na criação de uma palhaça abrange singularidades criativas e agenciamentos sensíveis ao longo do processo, que ressoam nas práticas expressivas do corpo, em ressonância com o espaço de atuação e ação cênica. Por conseguinte a investigação durante essa trajetória de composição foram revelando uma palhaça que crava sua comicidade, individualidade e atuação na exploração da corporeidade brincante advinda dos brinquedos populares maranhenses do bumba-meu-boi e tambor de crioula, o que gestou durante a pesquisa a noção de palhaça brincante. Esse contexto de abordagem também imbrica a análise do espaço cênico de criação e atuação da palhaça que é a rua, revelando-se como ambiente multifacetado de construções sígnicas, bem como de sujeitos e práticas sócio-culturais, sendo que este universo atravessa e influência o processo criativo em questão e são analisados na pesquisa a partir do jogo relacional entendido na tríade espaço urbano – palhaça brincante – público.  No último capítulo a pesquisa desvenda o estudo da prática da cena, levando em consideração a análise da encenação, teatralidade e atuação que conformam o espetáculo solo da palhaça em pauta, intitulado “Circuluz Brincante”.

    RESUMEN: Esta tesis tiene como investigar mi proceso de creación del payasa Keke Kerubina explicar cómo la experiencia en la creación de una payasa abarca singularidades creativas y conjuntos sensible a lo largo de proceso, que resuenam em las prácticas expressivas del cuerpo, en resonancia con el espacio de trabajo y acción escénica. Por lo tanto la investigación durante el curso de la composición se revela una payasa que se sumerge su comedia, individualidad, acción en la exploración de la corporeidad brincante derivado de los juguetes populares maranhenses de lo bumba-meu-boi y tambor de crioula, que gênero durante la investigación la noción de payaça brincante. Este enfoque tambiém se superponen el análisis de lo espacio escénico de la creación y acción de la payaça que es la calle, mostrando cómo el médio ambiente construcciones multifacéticos de signos, así como de los individuos y las prácticas socio-culturales, y esto universo cruza y influir en el proceso creativo y se analizan en el estúdio desde el juego relacional entendido en la tríada espacio urbano – payaça brincante – público. En el último capítulo la investigación describe el estudio de la práctica de la escena teniendo en cuenta el análisis de la encena, teatralidad y acción que conformam espectáculo del payasa en cuestión, titulado “Circuluz Brincante”.


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  • *

13
  • YURI DE ANDRADE MAGALHAES
  • A Travessia do Trágico no Romance d'a Pedra do Reino de Ariano Suassuna.

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • MILTOM MARQUES JÚNIOR
  • Data: 23/10/2013

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  • RESUMO: Este trabalho busca investigar discorrer sobre a influência dos elementos contidos na Tragédia Grega, dialogando diretamente com aspectos míticos, poéticos e romanescos, no Romance d'A Pedra do Reino e o Príncipe do Sangue do Vai-e-Volta, de Ariano Suassuna. A obra tem como protagonista o sertanejo Pedro Dinis Quaderna que é um personagem simultaneamente popular, enigmático, ingênuo, e um intelectual dotado de uma notável erudição. Quaderna é um personagem que busca, por meio da Literatura, restabelecer um reino outrora perdido no sertão nordestino, onde ele seria herdeiro. Buscando constantemente exaltar o nordeste brasileiro, Quaderna busca tornar-se um poeta epoppeico tal qual Homero, apontando assim para uma forte influência da Epopeia. Assim como diversos personagens da Tragédia Grega, Quaderna possui um passado repleto de desgraças no seio familiar, e os fatos sucedidos a seus familiares como a morte brutal de seu tio Pedro Sebastião Garcia-Barretto, o desaparecimento de seu primo Sinésio, e a disputa entre os irmãos Arésio e Sinésio, remetemos entre outros aspectos, as notáveis influências, além das epopéias, das tragédias clássicas. Ao decorrer da leitura da obra podemos notar que as semelhanças entre o percurso de Quaderna e os heróis da tragédia grega são diversas. Para fins de análise acerca do fenômeno trágico na obra de Suassuna, o diálogo com diversos teóricos que discorrem acerca do romance com textos e personagens clássicos da tragédia grega. Nos capítulos desta dissertação busca-se proporcionar noções elementares da forma romanesca, bem como noções de tragicidade, o diálogo com o mítico, e a aplicabilidade dos aspectos trágicos e epopeicos na obra de Suassuna.


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  • RESUMO: Este trabalho busca investigar discorrer sobre a influência dos elementos contidos na Tragédia Grega, dialogando diretamente com aspectos míticos, poéticos e romanescos, no Romance d'A Pedra do Reino e o Príncipe do Sangue do Vai-e-Volta, de Ariano Suassuna. A obra tem como protagonista o sertanejo Pedro Dinis Quaderna que é um personagem simultaneamente popular, enigmático, ingênuo, e um intelectual dotado de uma notável erudição. Quaderna é um personagem que busca, por meio da Literatura, restabelecer um reino outrora perdido no sertão nordestino, onde ele seria herdeiro. Buscando constantemente exaltar o nordeste brasileiro, Quaderna busca tornar-se um poeta epoppeico tal qual Homero, apontando assim para uma forte influência da Epopeia. Assim como diversos personagens da Tragédia Grega, Quaderna possui um passado repleto de desgraças no seio familiar, e os fatos sucedidos a seus familiares como a morte brutal de seu tio Pedro Sebastião Garcia-Barretto, o desaparecimento de seu primo Sinésio, e a disputa entre os irmãos Arésio e Sinésio, remetemos entre outros aspectos, as notáveis influências, além das epopéias, das tragédias clássicas. Ao decorrer da leitura da obra podemos notar que as semelhanças entre o percurso de Quaderna e os heróis da tragédia grega são diversas. Para fins de análise acerca do fenômeno trágico na obra de Suassuna, o diálogo com diversos teóricos que discorrem acerca do romance com textos e personagens clássicos da tragédia grega. Nos capítulos desta dissertação busca-se proporcionar noções elementares da forma romanesca, bem como noções de tragicidade, o diálogo com o mítico, e a aplicabilidade dos aspectos trágicos e epopeicos na obra de Suassuna.

2012
Dissertações
1
  • MAYRA MONTENEGRO DE SOUZA
  • O Ator que Canta um Conto – A Manipulação de Parâmetros Musicais na Voz do Ator

  • Orientador : VERA LOURDES PESTANA DA ROCHA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • VALÉRIO FIEL DA COSTA
  • VERA LOURDES PESTANA DA ROCHA
  • Data: 12/03/2012

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  • RESUMO: Esta pesquisa se deu a partir de uma investigação sobre a fala teatral. Através de uma metodologia empírica – que analisou uma experiência prática de construção de uma encenação – e de pesquisa bibliográfica, a atriz/pesquisadora investigou possibilidades de manipulação de parâmetros musicais como recursos no processo de criação da voz do ator. A atriz/pesquisadora procurou unir teoria e prática, movida pelo desejo de buscar uma expressão vocal em cena que se concretizasse como movimento vivo e transformador. Este trabalho contém também o relato de experiências pedagógicas, nas quais a atriz/pesquisadora explorou estratégias para ensinar a apropriação de parâmetros da música na construção do trabalho vocal do ator. Verificando que a fala teatral está mais próxima do canto do que da fala cotidiana, ela concluiu que o ator pode compor música – assim como o faz um compositor de música – no processo de criação de suas partituras vocais. Por isso, constatou que é de fundamental importância um treinamento musical na formação do ator.

    ABSTRACT: This research started with an investigation about the theatrical speaking. Through an empirical methodology – that analyzed a practical experience of creating a play – and bibliographical research, the actress/researcher investigated ways to manipulate musical parameters as tools in the creation process of the actor’s voice. The actress/researcher attempted to connect theory and practice, moved by the desire to find a vocal expression in theater that unfolds as living and transforming movement. This dissertation also contains the report of pedagogical experiences, in which the actress/researcher explored strategies to teach the appropriation of musical parameters in the construction of the vocal work of the actor. Considering that speaking in theater is closer to singing than everyday speech, she concluded that the actor may compose music – as a music composer does – in the elaborating process of building vocal scores. Therefore, she demonstrated that it is of fundamental importance a musical training in the development of the actor.


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  • RESUMO: Esta pesquisa se deu a partir de uma investigação sobre a fala teatral. Através de uma metodologia empírica – que analisou uma experiência prática de construção de uma encenação – e de pesquisa bibliográfica, a atriz/pesquisadora investigou possibilidades de manipulação de parâmetros musicais como recursos no processo de criação da voz do ator. A atriz/pesquisadora procurou unir teoria e prática, movida pelo desejo de buscar uma expressão vocal em cena que se concretizasse como movimento vivo e transformador. Este trabalho contém também o relato de experiências pedagógicas, nas quais a atriz/pesquisadora explorou estratégias para ensinar a apropriação de parâmetros da música na construção do trabalho vocal do ator. Verificando que a fala teatral está mais próxima do canto do que da fala cotidiana, ela concluiu que o ator pode compor música – assim como o faz um compositor de música – no processo de criação de suas partituras vocais. Por isso, constatou que é de fundamental importância um treinamento musical na formação do ator.

    ABSTRACT: This research started with an investigation about the theatrical speaking. Through an empirical methodology – that analyzed a practical experience of creating a play – and bibliographical research, the actress/researcher investigated ways to manipulate musical parameters as tools in the creation process of the actor’s voice. The actress/researcher attempted to connect theory and practice, moved by the desire to find a vocal expression in theater that unfolds as living and transforming movement. This dissertation also contains the report of pedagogical experiences, in which the actress/researcher explored strategies to teach the appropriation of musical parameters in the construction of the vocal work of the actor. Considering that speaking in theater is closer to singing than everyday speech, she concluded that the actor may compose music – as a music composer does – in the elaborating process of building vocal scores. Therefore, she demonstrated that it is of fundamental importance a musical training in the development of the actor.

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  • JOSE VERISSIMO DE SOUSA
  • No palco, os quadrinhos: a influência do teatro judaico no desenvolvimento das histórias em quadrinhos modernas.

  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • EDGAR SILVEIRA FRANCO
  • TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 20/04/2012

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  • RESUMO: Esta dissertação tem como principal objetivo a sinalização de aspectos do desenvolvimento narrativo das histórias em quadrinhos modernas (HQs) a partir das suas relações com as artes cênicas, mais especificamente com o teatro iídiche (teatro judaico). A pesquisa foi feita partindo da análise da obra do quadrinhista Will Eisner, autor que possui um trabalho amplo e influente na sua área de atuação. Além disso, o autor também reflete claramente nas suas obras as tangências de aspectos narrativos existentes entre HQs e teatro. A metodologia adotada para este estudo foi qualitativa, com método de procedimento histórico comparativo, através de bibliografia.O estudo indica que, apesar de serem formas midiáticas a princípio distintas, as HQs têm com o teatro iídiche uma estreita relação de influências, no que tange as suas soluções narrativas.

     ABSTRACT: This dissertation has its main goal on signing the modern Comic Books` narrative development aspects. It goes from its relationship with performing arts, specifically with the Yiddish (Jewish theatre). The research was done from the Will Eisner´s work     analysis. He is a cartoonist and has a wide and influent in his area. Moreover he clearly reflects the similarities between Comic Books and Theatre. In this study was adopted the qualitative methodology on historic-comparative procedure through bibliography. The study indicates that, although their media and distinct principles, the Comic Books and Yiddish Theatre have close influence relationship considering their narrative solutions.  


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  • RESUMO: Esta dissertação tem como principal objetivo a sinalização de aspectos do desenvolvimento narrativo das histórias em quadrinhos modernas (HQs) a partir das suas relações com as artes cênicas, mais especificamente com o teatro iídiche (teatro judaico). A pesquisa foi feita partindo da análise da obra do quadrinhista Will Eisner, autor que possui um trabalho amplo e influente na sua área de atuação. Além disso, o autor também reflete claramente nas suas obras as tangências de aspectos narrativos existentes entre HQs e teatro. A metodologia adotada para este estudo foi qualitativa, com método de procedimento histórico comparativo, através de bibliografia.O estudo indica que, apesar de serem formas midiáticas a princípio distintas, as HQs têm com o teatro iídiche uma estreita relação de influências, no que tange as suas soluções narrativas.

     ABSTRACT: This dissertation has its main goal on signing the modern Comic Books` narrative development aspects. It goes from its relationship with performing arts, specifically with the Yiddish (Jewish theatre). The research was done from the Will Eisner´s work     analysis. He is a cartoonist and has a wide and influent in his area. Moreover he clearly reflects the similarities between Comic Books and Theatre. In this study was adopted the qualitative methodology on historic-comparative procedure through bibliography. The study indicates that, although their media and distinct principles, the Comic Books and Yiddish Theatre have close influence relationship considering their narrative solutions.  

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  • LILIAN MARIA ARAUJO DE CARVALHO
  • Corpo, Música e Cena: Tramas de uma experiência no Projeto Pau e Lata

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 25/05/2012

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  • RESUMO: Esta dissertação discorre sobre as relações entre corpo, música e cena, tendo como objetivo investigar a preparação corporal do músico para a atuação cênica, com enfoque na percepção do corpo e na relação som e movimento como referências para essa atuação. O foco é a descrição da vivência de um processo de preparação corporal do músico para a cena, que considera o diálogo entre os aspectos sonoros e os aspectos gestuais e tem como lócus de investigação o Pau e Lata: Projeto Artístico-Pedagógico, projeto de extensão da Escola de Música da Universidade Federal do Rio Grande do Norte.  Os encontros de Preparação Corporal e Criação Cênica iniciaram em janeiro de 2011, com frequência de duas vezes por semana, e duração, em média, de três horas, cada. Tiveram a participação de nove componentes, no entanto foram considerados como colaboradores da pesquisa quatro deles, sendo uma mulher e três homens compreendidos na faixa etária de 19 a 30 anos, todos componentes do Pau e Lata. Para organização dos encontros a pesquisa tomou como referência principal a Antropologia Teatral, além de estudos da educação musical, já vividos no Pau e Lata. A pesquisa considerou como fontes para análise as anotações em diário de bordo, realizadas pelos participantes da pesquisa e pela pesquisadora, entrevista com os participantes, além de vídeos do espetáculo Sinfeiria em Três Movimentos, produto artístico do Pau e Lata, redimensionado pelos processos de treinamento pré-expressivo e criação cênica, vividos nos encontros promovidos pela pesquisa. Como resultados da investigação, é possível considerar que a realização dos encontros de Preparação Corporal e Criação Cênica proporcionou aos músicos do Pau e Lata a percepção da importância do treinamento a partir de princípios que envolvem uma técnica corporal para a ampliação da presença do corpo em cena no espetáculo musical para além da postura cotidiana. Os músicos internalizaram, no decorrer do processo, os princípios e os objetivos vivenciados no trabalho corporal e estes passaram a fazer parte da rotina dos treinamentos do grupo. Também, é possível constatar o redimensionamento da presença cênica dos músicos e da qualidade artística do espetáculo Sinfeiria em Três Movimentos, sendo perceptível uma melhor articulação entre os aspectos sonoros e gestuais.  

     

    ABSTRACT: This dissertation discusses about the relations between body, music and scene, with the purpose of investigate the corporal preparation of the musician to the scenic performance, emphasizing the perception of the body and the relationship between sound and movement as references for this acting. The focus is the description of a corporal training process with musicians for the scene, that considers the dialogue between the sound and gesture aspects, and which locus research is the Pau e Lata: Artistic-Pedagogical Project, extension project of the Music School of the Universidade Federal do Rio Grande do Norte. The meetings of Corporal Training and Scenic Creation began in January 2011, twice a week, during about three hours each. Nine components participated, but only four were considered collaborators – one woman and three men, aged 19 to 30 years, all members of the Pau e Lata. The meetings were organized with the Theater Anthropology as main reference, besides the musical education studies, already experienced in the Pau e Lata. The research considered as analysis sources the notes in the logbook, made by the collaborators and the researcher; an interview with the components and videos of the musical spetacle Sinfeiria em Três Movimentos, artistic product of the Pau e Lata, resized by the pre expressive training process and scenic creation, experienced in the training meetings promoted by the research. As results of this investigation, it is possible to find that the meetings of Corporal Training and Scenic Creation provided the musicians of the Pau e Lata the perception of the importance of a training based on principles that involve a corporal technique for an expansion of the body in scene in the musical spectacle beyond the everyday posture. The musicians internalized, during the process, the principles and the aspects experienced in the corporal training and these principles became part of the training routine of the group. It is also possible to realize the resizing of the scenic presence of the musicians and the artistic quality of the musical spectacle Sinfeiria em Três Movimentos, with an improvement of the relationship between the sound gesture aspects.


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